"손이 닿지 않는 곳에 있어요."

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는 미국 전역을 홀로 여행하기 시작했을 때 , 1년 정도만 여행을 떠날 계획이었습니다.
샌프란시스코의 하늘은 산불 연기로 주황빛으로 물들었고, 그녀가 떠날 무렵에는 코로나19 팬데믹이 여전히 도시 전역을 강타하고 있었습니다.
"감정적으로나 창의적으로 갇힌" 기분을 느낀 그녀는 2년 동안 여행을 하며 예술 공동체를 방문하고, 팝업 사진 촬영을 하고, 36개 주를 누비며 자신의 그림을 그렸습니다.
이제 제이더의 여행은 사우스캐롤라이나주 로버트 랭 스튜디오 에서 열리는 그녀의 최근 개인전의 초점이 되고 있습니다 .

제이더에 따르면, 《언테 더드(Untethered)》

라는 적절한 이름의 이 전시는 "변혁의 시각적 일기"이자 "미지의 것에 대한 신뢰"를 상징합니다.
따라서 전시된 작품들이 익숙함과 불확실성 사이의 긴장감을 구현하고 있다는 것은 놀라운 일이 아닙니다.
이 그림들 속에서 여성들은 안개 속을 떠다니고, 팔다리는 공중에 매달려 비틀리고 휘어집니다.
눈을 너무 섬세하게 감아 마치 잠든 듯합니다.
그리고 춤을 추는데, 그들의 움직임은 마치 유령처럼 겹쳐진 흔적으로 포착됩니다.
각 작품은 신비롭고 초월적인 느낌을 주며, 에드가 드가 의 색채 팔레트 와 자코모 발라의 역동적인 움직임을 떠올리게 합니다.

"움직임은 매우 솔직합니다.
" 제이더는 설명한다.
"저는 항상 움직이는 도중의 그 찰나의 순간에 매료되어 왔습니다.
몸이 공중에 떠 있거나 떠 있을 때, 어떻게, 어디에 착지할지 아직 알 수 없는 순간 말입니다.
"

물론, 움직이는 몸은 이동 중인 몸과 유사합니다.
흐릿한 질감과 몽환적인 분위기 속에서 제이더의 그림은 집을 떠날 때 내재된 질문을 떠올리게 합니다.
나는 어디로 가는가? 그리고 그 과정에서 누구를 만나게 될까? 제이더에게 이것이 바로 그녀가 혼자 전국을 횡단하는 여정의 전부였습니다.
《Untethered 》에 실린 그림들은 이러한 질문과 그 답을 모두 담고 있으며, 작가는 여기서 "두려움, 자유, 취약함, 그리고 힘이 모두 모인다"라고 말합니다.

"제 그림은 종종 그런 '어수선한 중간' 순간들을 다룹니다.
"라고 그녀는 설명합니다.
"더 이상 예전의 당신이 아니지만, 아직 미래의 당신이 되지는 않은 거죠. 그 순간은 연약하고 그 사이 어딘가에 있지만, 당신은 혼자가 아닙니다.
"

My Modern Met에서는 미셸 제이더와 그녀의 창작 과정, 미국 전역을 누비며 겪은 여정, 그리고 새로운 전시에 대해 이야기를 나누었습니다.
작가와의 단독 인터뷰를 지금 바로 확인하세요.

"조용한 하강."

처음에 그림을 주요 매체로 선택하게 된 계기는 무엇이었나요?

회화는 제게 감정의 저변을 물리적이면서도 진정성 있게 탐구할 수 있는 기회를 제공합니다.
삶과 붓놀림 모두에서 드러나는 통제와 굴복 사이의 긴장감에 매료됩니다.
회화는 그 중간 상태, 즉 앞으로 무슨 일이 일어날지 모른 채 멈춰 있는 상태를 포착하기에 완벽한 매체입니다.
그 감정의 림보에 많은 진실이 깃들어 있습니다.

당신의 예술 작품을 만드는 과정은 어떤가요? 그리고 그 과정은 시간이 지나면서 어떻게 변화해 왔나요?

모든 그림은 문자 그대로, 그리고 은유적으로 움직임으로 시작됩니다.
탐구하고 싶은 주제가 정해지면, 모델을 고용하고 무대 사진 촬영을 통해 움직이는 인물을 포착하고, 감정적인 충동을 불러일으키는 프레임을 선택합니다.
그런 다음, 그 움직임의 여러 부분을 별도의 아크릴 패널에 칠하고, 겹쳐서 차원감과 시간의 흐름을 표현합니다.

6월 한 달 동안 로버트 랭 스튜디오에서 열리는 제 개인전 <Untethered> 에서 처음으로 AI를 작업 과정에 접목했습니다.
새로운 배경 콘셉트를 실험하기 위해 이미지와 아이디어를 입력했습니다.
이후 AI 도구를 활용하여 제가 직접 쓴 일기, 음성 녹음, 블로그 게시물 등을 작품에 어울리는 음악으로 탈바꿈시켰습니다.
전통적인 기법과 현대적인 도구를 융합하여 몰입도 높은 경험을 만들어내는 다양한 매체를 다루는 작업은 매우 고무적이었습니다.

"폭풍의 돌진."

움직임은 선생님의 진료에서 중요한 주제입니다.
처음에 무엇 때문에 그 주제에 흥미를 느끼셨나요?

움직임은 매우 솔직합니다.
우리가 느끼는 것을 이름 붙이기도 전에 드러냅니다.
저는 움직임 속의 그 찰나의 순간에 항상 매료되었습니다.
몸이 공중에 떠 있거나 떠 있을 때, 어떻게, 어디에 떨어질지 아직 알 수 없는 순간 말입니다.
그 순간은 우리 모두가 변화 속에서 경험하는 감정의 자유낙하를 그대로 반영합니다.
두려움, 자유, 연약함, 그리고 힘이 모두 모이는 순간입니다.

2차원 포맷 내에서 움직임을 성공적으로 포착하기 위해 어떤 기술을 사용하시나요?

제 접근 방식은 레이어링에 기반합니다.
아크릴이나 마일라 같은 반투명 재료를 사용하여 각각의 표면에 개별적인 동작이나 순간을 그려냅니다.
여러 겹으로 겹쳐놓으면 보는 사람의 위치에 따라 인물이 맴돌거나 움직이는 것처럼 보이는 거의 조각적인 효과를 냅니다.

또한 흐릿한 경계선, 표현력 있는 붓놀림, 그리고 때로는 레이어 간의 미세한 어긋남을 활용하여 움직임의 느낌을 강조합니다.
단순히 신체의 움직임뿐 아니라 그 순간 사람이 느끼는 감정까지 포착하는 것이 목표입니다.

"묶이지 않은."

몇 년 전, 미국 전역을 여행하며 미국의 예술 공동체를 살펴보셨는데요. 그 경험이 작가님의 창작 활동에 어떤 영향을 미쳤나요?

그 여정이 전부였습니다.
극심한 불확실성 속에서 샌프란시스코를 떠났습니다.
하늘은 산불 연기로 말 그대로 주황빛이었고, 팬데믹은 고립감을 안겨주었고, 감정적으로나 창의적으로나 갇혀 있는 듯한 느낌이었습니다.
가진 모든 것을 창고에 넣고 길을 나섰습니다.
어디에 도착할지 알 수 없었습니다.
그저 움직이고, 숨 쉬고, 창조하기만 하면 되었습니다.

1년 계획이었던 제 계획은 36개 주를 횡단하며 2년 여정으로 이어졌습니다.
혼자 떠난 여행이었지만, 그 과정에서 예술가들을 만나고, 다양한 예술 공동체를 방문하고, 혼자라는 것의 의미를 탐구하며, 제게 "집"이라는 것이 어떤 의미인지 다시금 생각해 보게 되었습니다.
움직이는 동안 창작 활동을 하고, 낯선 장소에서 팝업 사진 촬영을 하고, 물감으로 드러나기 전까지는 미처 몰랐던 감정들을 담아냈습니다.
이러한 경험이 Untethered를 만들어냈습니다 . 단순한 작품이 아니라, 미지의 세계에 대한 변화와 신뢰의 시각적 일기가 된 것입니다.

"어딘가에 갈게요."

사람들이 당신의 작품을 통해 무엇을 얻기를 바라시나요?

관람객들이 잠시 멈춰 서서 변화에 대한 자신의 경험을 되돌아볼 수 있기를 바랍니다.
우리 모두는 변화의 순간을 겪습니다.
어떤 것은 선택되었고, 어떤 것은 강요되었습니다.
그 순간들은 우리에게 힘과 결의를 줄 수도 있지만, 더 자주 우리를 혼란스럽게 하거나 미완성 상태로 만듭니다.
제 그림은 종종 그러한 "혼란스러운 중간 지점", 즉 굴복과 투쟁, 이 모든 것을 헤쳐나가는 과정을 담고 있습니다.
당신은 더 이상 예전의 당신이 아니지만, 아직 미래의 당신이 아닙니다.
그것은 취약하고 그 중간 지점입니다.
다음 단계를 알지 못할 수도 있고, 확실히 통제력을 가질 수도 없으며, 그것이 두려울 수 있습니다.

하지만 당신은 혼자가 아닙니다.

우리 모두 삶의 어느 순간 그런 공간을 지나갑니다.
제 바람은 누군가 그림 앞에 섰을 때, 자신이 이해받고 있다는 느낌을 받는 것입니다.
그림의 움직임, 감정, 모호함 속에서 자신을 발견하고, 그렇게 함으로써 고요한 힘이나 유대감을 느끼는 것입니다.
누군가 그림을 보고 "바로 그런 느낌이었어" 또는 "나도 거기 있었어"라고 생각한다면, 그것은 아름다운 일이 일어난 것입니다.
그 공감의 순간, 그 공유된 인간성, 그것이 바로 저에게 진정한 마법입니다.

앞으로 흥미로운 프로젝트가 있나요?

네! 2025년 6월 로버트 랭 스튜디오에서 열리는 개인전 " Untethered" 를 위해 찰스턴으로 돌아왔습니다 . 이 모든 여정은 아티스트 레지던시 기간 동안 시작되었습니다.
이번 전시는 지금까지 제가 작업한 것 중 가장 개인적이고 경험적인 작품들을 선보입니다.
여정의 경험을 바탕으로 제작된 여러 겹의 그림과, 제가 여행 중에 쓴 일기를 바탕으로 한 AI 지원 노래가 함께합니다.

각 그림에는 QR 코드가 있어 관람객은 작품에 담긴 감정과 이야기에 어울리는 노래를 들을 수 있습니다.
이는 저뿐만 아니라 어쩌면 여러분 자신의 여정 속으로 들어가 보라는 다감각적인 초대와 같습니다.
변화를 헤쳐나가는 사람이든, 자신을 재발견하는 사람이든, 아니면 단순히 마음의 안정을 찾는 사람이든, 이 작품이 거울이 되기를 바랍니다.
미지의 세계 속을 헤쳐나가는 우리 모두가 지닌 취약성과 강인함을, 한 겹 한 겹씩, 모두 반영하는 거울이 되기를 바랍니다.

동양적 감성의 초상화로 여성의 고요하고 강한 힘을 포착한 예술가 [인터뷰]

많은 여성들이 감정을 억누르는 법을 배우는데, 이는 힘이 부족해서가 아니라, 사회가 여성들에게 감정을 표현하는 데 신중해야 한다고 가르치기 때문입니다.
이러한 생각은 터키 예술가 자리페 기젬 이브라히모을루

의 작품에서 잘 드러납니다 . 그녀의 여성 초상화는 차분한 표정 속에 숨겨진 미묘한 감정과 은은한 강인함을 보여줍니다.

이브라히모을루는 동양 문화, 직물, 그리고 전통 예술에서 영감을 얻으며, 기모노를 입거나 무늬가 있는 천에 둘러싸인 대상을 그리는 경우가 많습니다.
2015년 밀라노 스튜디오 이토 디자인에서 일본 디자이너들과 긴밀히 협력하며 동아시아 공예와 디자인에 대한 그녀의 관심은 더욱 커졌습니다.
이후 2015년부터 2019년까지 이스탄불 임라호르에서 이러한 영향을 탐구하며 동양 직물, 가구, 그리고 장인 정신을 가까이에서 연구할 기회를 얻었습니다.
이러한 경험은 그녀의 작품에 지속적으로 반영되어, 작품에서 영감을 받은 상징과 디테일을 끊임없이 보여줍니다.

이브라히모을루의 작품은 시각적으로 눈길을 사로잡을 뿐만 아니라, 각각의 그림에는 이야기가 담겨 있습니다.
흑연, 목탄, 아크릴 물감을 사용하여 이브라히모을루는 자신의 연장선, 혹은 반영으로 여겨지는 여성들의 초상화를 제작합니다.
그녀는 각 작품을 통해 다양한 감정을 포착하고자 노력하며, 특히 오늘날 여성들이 겪는 감정의 변화와 내면의 경험에 초점을 맞춥니다.

이브라히모글루를 만나 그녀의 영향과 예술가로서의 삶에 대해 더 자세히 들어보았습니다.
아래에서 그녀의 아름다운 그림들을 감상하고, My Modern Met의 단독 인터뷰도 읽어보세요.

예술가 자리페 기젬 이브라히모글루의 아름다운 여성 초상화는 그들의 미묘한 감정과 고요한 강인함을 포착합니다.
작가의 작품에 대해 더 자세히 알아보려면 계속 읽어보세요.

어떻게 처음 예술에 관심을 갖게 되셨나요? 그리고 어떻게 자신만의 독특한 스타일을 발견하게 되셨나요?

어렸을 때부터 그림 그리는 걸 가장 좋아했어요. 하지만 오랫동안 제가 진정으로 할 수 있는 일이 아니라고 생각해서 다른 길을 택했고, 실내 건축가가 되었어요. 그 분야에서 수년간 일했지만, 항상 뭔가 부족한 느낌이 들었어요. 시간이 지나면서, 그림 그리는 게 제가 진정으로 하고 싶은 유일한 일이라는 걸 깨달았죠. 예술로 돌아가는 건 선택이 아니라, 제가 누구인지 기억하는 것 같았어요. 그 과정에서 제 스타일은 자연스럽게 생겨났어요. 모든 것을 벗을수록, 제 목소리를 더욱 분명하게 들을 수 있었어요.

당신의 작품은 여성의 감정과 심리적 변화를 자주 탐구합니다.
작품에서 어떤 감정이나 상태를 표현할지 어떻게 선택하시나요?

사실, 그들은 저를 선택했어요. 저는 말로 표현되지 않은 감정, 즉 사회가 여성들에게 억누르도록 부추기는 감정에 끌리거든요. 때로는 그리움이고, 때로는 분노이고, 때로는 이별 후의 섬뜩한 고요함이기도 하죠. 저는 그런 순간들을 무르지 않고 담아내려고 노력해요. 그들의 솔직함에는 힘이 있기 때문이죠.

당신은 예술을 자신을 되돌아보는 방법으로 보시나요, 아니면 특히 여성과 관련된 더 큰 사회적 문제에 대한 메시지로 보시나요?

여러모로 둘 다라고 할 수 있습니다.
제 작업은 종종 매우 개인적인 곳에서 시작하지만, 그 감정들이 다른 많은 여성들에게도 공감을 불러일으킨다는 것을 깨닫게 되었습니다.
오랫동안 여성의 내면 세계는 간과되거나 지나치게 이상화되어 왔습니다.
저는 제 예술을 통해 그 공간을, 그 모든 복잡성과 모순, 그리고 강렬함을 있는 그대로, 있는 그대로 드러내고자 노력합니다.
어떤 면에서는, 이것이 저 자신과 타인 모두에게 소속감을 기억하는 방식이기도 합니다.

동양 문화는 당신의 예술, 특히 초상화를 그리는 방식에 어떤 영향을 미쳤나요?

동양의 미학은 제게 절제와 불완전함의 힘을 가르쳐 주었습니다.
저는 불완전함, 고요함, 덧없음의 아름다움을 뜻하는 '와비사비'

와 같은 철학에 매료되었습니다 . 초상화에서 이는 의도적인 비대칭, 차분한 색조, 또는 캔버스의 일부를 "미완성"으로 남겨두는 선택으로 나타납니다.
이러한 부재는 붓놀림만큼이나 강렬한 메시지를 전달합니다.

당신의 작품에는 상징성이 많이 담겨 있습니다.
그 상징들이 당신에게 어떤 의미를 가지고 있는지, 그리고 당신의 작품에 어떻게 녹아드는지 설명해 주시겠어요?

저에게 상징은 감정을 시각적으로 표현하는 것입니다.
특히 시보리와 사시코

같은 일본 기법에서 영감을 받습니다 .
시보리 기법은 천을 접고, 꼬고, 묶은 후 의도적이면서도 놀라움으로 가득한 패턴을 드러냅니다.
저는 제 작품에도 비슷한 방식으로 접근합니다.
때로는 명확하고 때로는 숨겨진, 그리고 시간이 지나면서 드러나도록 의도된 상징을 추가합니다.

사시코의 반복적인 바느질은 치유, 인내, 그리고 고요한 힘을 떠올리게 합니다.
저는 이러한 기법의 정신을 제 작품에 담아내고자 노력하며, 보는 사람이 디테일 속에서 자신만의 의미를 찾을 수 있는 공간을 만들고자 합니다.

새로운 초상화를 그릴 때 어떤 과정을 거치시나요? 아이디어에 어떻게 생명을 불어넣으시나요?

모든 것은 얼굴이 아닌 분위기에서 시작됩니다.
저는 감정, 때로는 문장이나 악곡 하나에서 시작해, 그 핵심을 중심으로 작품이 형성되도록 합니다.
여러 겹을 덧대고, 다듬고, 다시 하는 과정이 많습니다.
완벽을 좇는 것이 아니라 존재감을 좇습니다.
그림이 저를 "돌아보기" 시작할 때, 저는 제가 가까이 있다는 것을 압니다.

공유하고 싶은 다가올 프로젝트나 전시가 있나요?

네, 정말 기대됩니다! 이번 6월 아트 바젤 주간에 볼타(VOLTA)

에서 제 작품을 선보일 예정 입니다.
제 작품을 국제적인 플랫폼에 공유하고 더 많은 사람들과 소통할 수 있다는 점에서 저에게는 중요한 첫걸음입니다.
오랫동안 작업해 온 작품들 중 일부가 볼타에서 처음으로 공개될 예정이에요. 열기가 뜨겁고, 정말 기대됩니다.

스튜디오 지브리와 다른 애니메이션 세계로 통하는 포털처럼 보이는 다채로운 수직 문신

스튜디오 지브리

팬 이라면 First Jing 의 생동감 넘치는 타투가 다음 문신 시술을 예약하게 만들지도 모릅니다.
LA에서 활동하는 이 아티스트는 애니메이션의 환상적인 세계를 들여다보는 듯한 세로 프레임 디자인으로 유명합니다.
<모노노케 히메>든 < 이웃집 토토로> 든 , 모든 타투는 지브리 명작의 마법을 담아내며, 착용자의 피부에 환상적인 이야기를 간직합니다.

징의 타투 여정은 중앙미술학원과 취리히 예술대학교에서 수학하며 전통 예술에 대한 탄탄한 기초를 다진 데서 시작되었습니다.
이제 징은 각 고객을 특별한 캔버스처럼 대하며, 그녀만의 섬세한 라인 타투 스타일로 고객의 피부에 생동감을 불어넣습니다.
모든 작품은 작은 공간 안에 세심하게 디자인된 인물, 풍경, 인용구 등 정교한 디테일로 가득 차 있습니다.

징의 최근 문신 중 하나는 영화 '센과 치히로의 행방불명'의 장난기 넘치는 먼지 괴물들을 그 유명한 목욕탕 옆에 새겼습니다 . 또 다른 문신에서는 누군가의 팔뚝에 하울의 움직이는 성을 생생하게 그려냈는데, 환상적인 디테일까지 더해졌습니다.
각각의 문신은 지브리 영화에 대한 찬란한 헌사이며, 팬들은 이 전설적인 애니메이션 스튜디오에 대한 사랑을 매일 기념할 수 있습니다.

지브리에서 영감을 받은 작품을 작업하지 않을 때는, 다른 영화의 아름다운 자연 풍경, 생물, 그리고 디자인을 타투로 새깁니다.
심지어 영화 ' 이터널 선샤인'에서

영감을 받은 독특한 작품도 제작했습니다 .

아래에서 타투이스트의 생동감 넘치는 작품들을 감상하고, First Jing의 인스타그램을 팔로우하여 더욱 놀라운 작품들을 감상해 보세요. 문신 시술에 관심이 있으시다면

웹사이트를 통해 예약하실 수 있습니다 . 그녀는 로스앤젤레스, 시애틀, 오스틴에서 활동하고 있습니다.