엘로우와 오쿠다 산 미구엘, 이비자에서 [UNVRS]를 변신시키다
이비자에 도착하는 것만으로도 일상의 고단함을 벗어나 에너지와 기대감으로 가득 찬, 정지된 차원으로 들어서는 것을 의미합니다. 하지만 섬에서 가장 크고 몰입도 높은 클럽 [ UNVRS ] 의 문을 들어서는 순간 , 이 여정은 마치 집단 의식처럼 시작됩니다. 예술과 일렉트로닉 음악 의 조화는 완벽한 감각적 경험을 선사합니다.
엘로우 와 오쿠다 산 미구엘 의 새로운 협업인 네오 카오스 가든 2.0을 통해 밤은 현실과 디지털이 뒤섞인 초현실적인 정원으로 변모하고, 혼돈은 공유된 조화의 형태를 띱니다.
오쿠다 산 미구엘: 문화를 하나로 묶는 언어
이 경험의 핵심은 스페인 예술가 오쿠다 산 미구엘 의 비전 입니다. 우리는 여기서 그에 대해 이야기했습니다 . 그는 만화경 같은 색상과 다면적인 기하학으로 국제 무대를 정복했습니다.
"제가 하려는 것은 사람들에게 영감을 주고, 감정을 전달하는 것입니다. 이것이 심오한 무언가를 심고, 발전의 토대를 마련하는 데 도움이 된다고 믿습니다." 오쿠다는 이렇게 말합니다.
그의 작품은 표면을 넘어 끊임없이 변화하는 흐름 으로서의 세상을 경험하도록 하는 초대장입니다 .
" 다른 예술가들과 다른 문화권들과의 이러한 대화를 통해 생동감 넘치고 역동적인 무언가가 탄생합니다. 그 덕분에 저는 삶의 맛을 음미하게 됩니다. 마치 끊임없이 자신을 표현할 새로운 방법을 찾는 언어와 같습니다 ."
네오 카오스 가든 2.0 에서 이 철학은 집단적 경험이 됩니다. 대중은 관찰하지 않고 참여하고, 작품 속으로 들어가 작품의 적극적인 일부가 됩니다.
첫 번째 협업부터 진화 2.0까지
오쿠다와 엘로우 의 협업은 2019년 암네시아 이비자에서 데뷔하며 시작되었습니다. 아티스트의 비전 있는 미학과 클럽의 에너지를 결합하는 아이디어는 단순하면서도 혁신적이었습니다.
네오 카오스 가든 2.0은 그 아이디어를 한 단계 더 발전시킵니다. 기하학적인 생물과 환상적인 동물들이 현실과 디지털 세계를 넘나드는 무한한 생태계를 선사합니다 . 곡예사, 배우, 공연자들이 디지털 영상, 거대한 풍선, AI 애니메이션 무대와 어우러집니다. 관객은 히에로니무스 보쉬의 삼부작 '쾌락의 정원' 에서 영감을 받은 오쿠다의 환상적이고 초현실적인 세계와 상호작용하며 능동적인 역할을 하게 됩니다 .
오쿠다는 자신의 연구 내용을 다음과 같이 설명합니다.
" 제 꿈은 제가 하는 일에 완전히 매료되어 사랑에 빠지는 것입니다. 최첨단 기술과 창의성이 어우러지는, 거의 목가적인 경험으로 이어집니다. 끊임없는 재창조의 과정이며, 영감, 협업, 그리고 학습을 하나로 묶는 나선형입니다 ."
엘로우 유니버스: 새로운 전통
이 쇼의 이면에는 엘로우의 창립자이자 모네그로스 사막 축제 와 플로리다 135 로 스페인의 밤 문화를 알린 역사적인 가문의 6세대인 크루즈 와 후안 아르나우 의 비전이 있습니다 .
오늘날 엘로우는 200개가 넘는 도시, 45개국, 600만 명이 넘는 관객을 동원하는 세계적인 축제로 자리 잡았습니다. 하지만 그 정신은 변함없습니다. 바로 시각 예술, 퍼포먼스, 그리고 일렉트로닉 음악의 경계를 허물고 놀라움을 선사하는 것입니다.
" 오쿠다와 힘을 합쳤을 때 정말 신선하고 강렬했어요." 아르나우스 부부는 말한다. "클럽 역사상 전례 없는 일이었어요. 몰입도 높은 쇼를 만들어내는 동시에 특별한 문화적 기회를 제공했죠 ."
[UNVRS]는 이러한 융합을 위한 완벽한 실험실입니다. 다양한 예술적 언어를 수용하고 그 한계를 뛰어넘도록 설계된 공간입니다 .
" 이제 우리는 기술, 비디오 매핑, 그리고 무대 연출 분야를 더욱 발전시키고 싶습니다. 우리가 창조하는 세계가 모든 예술적 언어를 진정으로 반영하기를 바랍니다 ."라고 설립자들은 설명합니다.
네오 카오스 가든 2.0 내부: 조화로운 혼돈과 공유된 자유
쇼는 폭발처럼 시작됩니다. 풍선, 공중 곡예사, 배우, 그리고 상상 속 동물들이 공간을 가득 채웁니다. 디지털 영상은 끊임없이 변화하며 인식과 현실을 모호하게 만듭니다. 안드레아 올리바 , 조리스 본 , 마크 마야 , 웨이드 와 같은 DJ들이 참여한 일렉트로닉 음악은 모든 것을 하나의 이야기로 묶어주는 접착제와 같습니다.
네오 카오스 가든 2.0의 강점은 혼돈을 공유 에너지로 전환하는 능력에 있습니다. 유기적 요소와 합성적 요소, 유형적 요소와 가상적 요소가 뒤섞인 경계 없는 생태계 입니다 . 모든 디테일이 성별, 연령, 출신의 구분을 허무는 경험을 만들어내며, 댄스 플로어를 자유의 선언으로 탈바꿈시킵니다.
후안과 크루즈 아르나우는 " 엘로우 아트를 통해 관객들이 단순한 구경꾼에서 벗어나 작품 자체에 적극적으로 참여하기를 바랍니다 ."라고 강조하며, " 오쿠다와의 협업을 통해 음악, 예술, 공연이 자유와 다양성이라는 공통 언어로 융합되는 클럽 문화를 한 단계 더 발전시킬 수 있을 것입니다. " 라고 덧붙였습니다.
예술과 클럽에 대한 집단적 선언문
네오 카오스 가든 2.0은 단순한 행사가 아닙니다. 포용과 활력을 향한 집단적 선언이자, 모든 감각을 통해 즐기는 경험이며, 밤을 훨씬 넘어 그 흔적을 남깁니다.
오쿠다는 전체 경험의 정신을 요약한 듯한 성찰을 통해 이를 요약했습니다.
"현실은 결코 고정되어 있지 않고, 주변 환경과 함께 진화하고 변화합니다."
이비자, [UNVRS]의 심장부에서 이러한 변화가 시작되고 있습니다. 그리고 이를 경험한 사람들은 결코 잊지 못할 것입니다.
세스의 거리 예술 너머의 세계
파리 출신인 세스 는 인스타그램에서 @seth_globepainter 라는 이름으로 활동하며 1990년대 파리 20구에서 성장했습니다. 그는 파리 예술계의 주목을 받는 캐릭터들을 그리며 이름을 알리기 시작했습니다. 에콜 데자르 데코라티프에서 수학한 후 광고, 애니메이션, 만화 분야에서 활동하며 도시 공간에서 자신을 표현하고자 하는 열정을 결코 버리지 않았습니다.
2003 년 , 그는 전 세계를 여행하며 연구의 토대를 마련했습니다. 다양한 문화권의 예술가들과의 만남은 그의 시각 언어를 새롭게 하는 데 영감을 주는 대화의 장을 마련했습니다. 이 경험은 그의 저서 『글로브 페인터(Globe Painter) 』 와 카날 플러스(Canal+)와의 협업 으로 탄생 한 도시 예술을 통해 여러 나라를 탐구하는 다큐멘터리 시리즈 『새로운 탐험가들(Les Nouveaux Explorateurs) 』의 탄생으로 이어졌습니다.
세스의 이미지는 오늘날까지도 쉽게 알아볼 수 있습니다. 그의 벽화에는 순수함과 호기심의 상징인 아이들이 등장하는데, 아이들은 종종 등이나 얼굴을 가린 채 등장하여 관람객이 자신의 내면을 투영하도록 합니다. 강렬한 색채와 몽환적인 분위기로 세스는 사색과 꿈을 불러일으키는 세계를 구축하며 상상의 차원으로 통하는 문을 열어줍니다. 그의 유명한 소용돌이는 다른 곳으로 통하는 문이며, 종종 경직되고 냉혹한 도시적 맥락 속에서 자유를 엿볼 수 있게 해줍니다.
세스는 자신의 웹사이트에 명시했듯이 , 공공장소는 강의하는 장소가 아니라 질문을 던지고 시선을 그 너머로 향하게 하는 비옥한 토양이라고 생각합니다. 현재 전 세계 도시 성벽에서 찾아볼 수 있는 그의 작품은 일상을 경이로움의 공간으로 변화시키며, 모든 표면 뒤에는 예상치 못한 우주가 존재할 수 있음을 일깨워줍니다.
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여성 없는 땅에서 아프간 여성들의 침묵과 저항
아프가니스탄 에서 여성의 몸과 목소리는 전쟁터가 되었고, 탈레반이 자유와 미래, 심지어 다른 곳에서 자신을 상상할 가능성조차 없애는 통제력을 행사하는 영역이 되었습니다. 바로 이러한 현실에서 키아나 하이에리 와 멜리사 코넷 의 신간 『여성의 땅 없음(No Woman's Land) 』이 탄생했습니다. 이 책은 2025년 11월 파리 포토 에서 출간될 예정입니다 . 하지만 이 중요한 프로젝트의 기원과 발전 과정을 되짚어 보겠습니다.
이 프로젝트는 2024년, 이란계 캐나다인 사진기자와 프랑스인 연구자가 아프가니스탄 7개 주를 여행하며 100명이 넘는 여성과 소녀들을 만나면서 시작되었습니다. 친밀하면서도 강렬한 이미지와 엮인 그들의 이야기는 폐쇄된 문 뒤의 일상을 집단적으로 그려냅니다. 출입이 금지된 학교, 접근하기 어려운 공원, 그늘 속에서만 존재하는 시설, 딸들이 똑같은 박탈의 역사를 되풀이하는 것을 지켜보는 어머니들. 여기에 더해 LGBTQI+ 공동체 구성원들에게는 침묵이 강요되는데, 그들의 존재는 인정받기도 전에 부정됩니다.
<노 우먼스 랜드> 는 움직이는 아카이브입니다. 하이에리의 사진과 함께 폴라로이드 사진, 드로잉, 아카이브 자료, 그리고 아프가니스탄 십 대 소녀들과 함께 만든 작품들이 함께 전시됩니다. 시각적이고 서사적인 몽타주는 역사적 기록이자 회복력에 대한 증거가 됩니다.
이 프로젝트는 카르미냑 사진저널리즘 어워드 의 지원을 받아 시작되었으며 , 책으로 출간되기 전에 국제 전시회와 출판물에 게재되어 세계보도사진상 과 국제 올해의 사진 상에서 두 번이나 상을 받았습니다 .
키아나 하이에리는 갈등으로 얼룩진 맥락 속에서 정체성, 청소년기, 그리고 이주를 탐구하는 작업에 익숙하며, 『여성의 땅 없음(No Woman's Land)』 을 통해 그녀는 보도를 공감과 비난을 담은 시각적 언어로 탈바꿈시키는 능력을 입증합니다. 멜리사 코넷은 아프가니스탄 여성 인권 연구자로서 수년간 현장 연구를 통해 축적한 경험을 바탕으로, 역사적, 정치적 깊이를 담은 텍스트와 자료를 통해 이 책의 완성도를 높입니다.
그 결과, 268페이지 분량의 하드커버 슬립케이스에 담긴 귀중한 편집물이 탄생했습니다. 시간의 시련을 견뎌내고 너무 빨리 잊혀질 위험이 있는 현재의 복잡함을 전달하도록 디자인되었습니다. shop.nowomansland.com 에서 사전 주문 가능한 《No Woman's Land》 는 현재의 긴박함을 깊이 있게 탐구하며 우리에게 시선을 돌리지 말라고 촉구하는 증언입니다.
미장플라스 – 바카날리아
메이페어의 옛 포르쉐 전시장이었던 이곳에는 오늘날 고고학과 화려함 사이에 떠 있는 듯한 연회의 전당이 자리 잡고 있습니다. 바로 영국의 요식업계 거물 리처드 케어링이 만든 수많은 축제 중 하나인 바카날리아입니다 . 이름만으로도 우리를 고대의 자유분방한 세계로 안내합니다.
사실, 바카날리아는 고대 로마에서 와인과 황홀경의 신 바쿠스(그리스어로 디오니소스)에게 바쳐졌던 의례적인 축제였습니다. 종교 의식으로 시작된 이 축제는 음악, 춤, 와인이 참가자들을 황홀경과 신비로운 고양 상태로 이끄는 집단 의식을 수반했습니다. 그러나 시간이 흐르면서
바카날리아는 점점 더 자유롭고 관습을 초월하는 축제로 변모했습니다. 연회, 과도함, 그리고 도덕적, 사회적 규범을 일시적으로 무시하는 금지된 만남들이었습니다. 이러한 혼란과 자유는 로마 당국을 경악시켰고, 기원전 186년 원로원은 바카날리아의 확산을 제한하는 법령을 발표했습니다.
그 이후로 "바카날리아"라는 용어는 거칠고 혼란스러운 축제 , 즉 과잉과 쾌락의 집단적 이미지를 의미하게 되었으며, 이는 런던의 바카날리아처럼 예술, 문학, 영화, 디자인에 지속적으로 영감을 주고 있습니다.
이 프로젝트는 마틴 브루드니츠키 디자인 스튜디오 에서 디자인했는데 , 연극적 미학을 극한으로 끌어올려 레스토랑을 고대 신화와 현대적 이미지를 동시에 불러일으킬 수 있는 무대 장치로 변모시켰습니다.
신화적 극장
문턱을 넘는다는 것은 그리스-로마 고전주의에 대한 언급이 선언되고 동시에 해체되는 , 기이하고 의도적으로 중복된 우주에 들어가는 것을 의미합니다 .
손님들의 머리 위로는 데미안 허스트가 만든 다섯 개의 기념비적인 조각상이 시선을 사로잡습니다 . 메두사, 바쿠스, 날개 달린 사자, 그리고 두 마리의 유니콘은 단순한 장식 요소가 아니라, 존재의 표현이자 21세기에 새롭게 재창조된 판테온의 상징입니다.
벽에는 토마스 쿠튀르의 1847년 작품 "퇴폐적인 로마인들"을 재해석한 게리 마이엇 의 거대한 벽화가 전시되어 있습니다. 고전적인 인물들이 열린 맥북, 아이폰, 또는 금문교를 배경으로 만찬을 즐깁니다. 이 프로젝트 전체를 정의하는 것은 바로 시각적인 연결입니다. 멀리 떨어진 시간과 초연결된 현재, 신화와 대중문화 사이의 대화입니다.
서사 장치로서의 모자이크
조각상과 프레스코화가 무대를 장식하는 한편, 모자이크는 전체적인 서사적 일관성을 보장합니다. 이 프로젝트를 위해 SICIS는 레스토랑, 바, 그리고 프라이빗 클럽의 전체 바닥을 제작했습니다 . 로마 시대 도무스(domus)의 바닥을 연상시키는 광활한 다색 대리석 바닥입니다 .
기하학적 모티프와 꽃무늬 프리즈는 올리브, 짙은 녹색, 노란색, 빨간색, 펄 핑크, 그리고 앤틱 화이트 색조로 구성되었습니다. 각 타일은 라벤나 아틀리에에서 수작업으로 재단, 마감, 설치 과정을 거친 후 런던으로 운반되었습니다. 그 결과, 바닥은 단순한 덮개가 아닌, 이야기의 소재가 되었습니다. 바카날리아를 걷는 것은 마치 발밑에서 펼쳐지는 이야기의 카펫 위를 걷는 것과 같습니다.
계시의 방으로서의 욕실
이렇게 과도하게 장식된 세계에서는 욕실조차도 주인공이 됩니다.
여자 화장실은 그야말로 경이로움으로 가득한 공간입니다. 40만 개가 넘는 유리 모자이크 타일이 벽과 천장을 덮고 있어 헤스페리데스 정원 에서 영감을 받은 풍경을 연출합니다 . 나뭇가지 사이로 황금빛 사과가 반짝이며 마치 진짜 과일처럼 빛을 받아 끊임없이 반사됩니다. 친밀함의 개념을 뒤집는 공간, 예술 작품이 된 욕실입니다.
반면 남자 화장실은 하데스 의 어둠을 떠올리게 합니다 . 흑백이 그래픽적인 엄격함으로 지배하는 이곳에서, 뱀으로 둘러싸인 거울은 순환과 재생의 상징인 우로보로스를 떠올리게 합니다. "잠시 멈춤"이라는 일상적인 행위를 신화에 깃든 의식으로 승화시키는 공간입니다.
아폴로의 뮤즈: 숨겨진 다른 곳
아래층에는 런던에서 가장 은밀하고 매력적인 장소 중 하나인 프라이빗 클럽 겸 바 아폴로 뮤즈가 숨겨져 있습니다. 이곳에서는 더욱 극적인 분위기가 연출됩니다. 모자이크로 장식된 기둥이 바를 감싸고, 고대 유물과 AH 스튜디오 에서 맞춤 제작한 조각품이 공존하며, 마치 잊혀진 신들의 비밀 보관소를 연상시키는 분위기가 감돕니다. 이 장소가 유럽 최고의 바 중 하나로 선정된 것은 놀라운 일이 아닙니다 . 단순한 칵테일 라운지를 넘어 신화 속 세계로 떠나는 여정입니다.
초과분을 균형으로
거대한 조각상, 다색 모자이크, 금박, 넘쳐흐르는 프레스코화처럼 과해 보일 수 있는 요소들은 오히려 절제된 표현을 위한 신중한 노력으로 변화합니다. 화려함은 결코 우연에 맡겨지지 않습니다. 각 요소가 서로 상호작용하며, 뛰어난 장인정신이 과장된 풍경 속에서 균형을 이룹니다.
바카날리아는 예술, 디자인, 그리고 산업적 노하우가 어떻게 어우러져 포괄적인 경험을 만들어낼 수 있는지를 보여주는 사례입니다 . 단순한 레스토랑이 아니라, 식사가 의식적인 행위가 되는 문화적 장치, 디오니소스적 바카날리아를 연상시키는 연회이지만 현대적인 감각을 더한 것입니다.
타협하지 않는 연극성을 통해 바카날리아는 디자인이 완벽한 미장플라스(mise en place)로 변모하는 능력을 보여줍니다 . 여기서 테이블은 단순히 접시와 잔으로 차려진 것이 아니라, 발밑 바닥에서 천장까지 이어지는 시각적, 촉각적 세계로 둘러싸여 가장 은밀하고 숨겨진 공간들을 통과합니다.
그 결과, 누구에게도 무관심할 수 없는 장소가 탄생했습니다. 어떤 이들에게는 과하고, 어떤 이들에게는 비전을 제시하며, 오늘날의 경험에 대한 갈증과 흥겨움에 대한 갈망이 어우러지는 공간을 구현할 수 있을 것입니다. 현대적인 연회, 황홀경에 대한 찬가, 오늘날 런던에서 재창조된 전설의 한 조각.
마샬 제임스 토의 샷에서 보이는 것과 보이지 않는 것
사진작가 마셜 제임스 토는 <블랭크 노트> 를 통해 첫 번째 사진집을 제작합니다. 가족의 기억, 도교 의례, 그리고 디아스포라 정체성을 엮어낸 친밀하면서도 보편적인 작품입니다. 캐나다 시골에서 중국계 이민 2세로 자란 토는 이중적인 소속감을 가지고 있습니다. 한편으로는 가족 레스토랑에서의 일상이, 다른 한편으로는 도교 전통에서 물리적 세계와 끊임없이 공존하는 신앙과 영적인 존재로 가득 찬 상상의 세계가 있습니다.
이 프로젝트는 보이는 현실과 보이지 않는 현실이 충돌하는 바로 이 정지된 공간에서 구체화됩니다. 이 이미지들은 산 자와 죽은 자, 자연과 초자연, 서양과 동양 문화를 구분하는 미묘한 경계를 보여줍니다. 음력 7월, 사후 세계의 문이 열리고 "배고픈 귀신"들이 영양분을 찾아 땅으로 돌아오는 날, 도의 사진은 이 의식에 수반되는 축하와 위험의 감각을 불러일으킵니다. 이는 축하와 경고가 결합된 시각적 이야기입니다. 귀신들은 배고프고 그 경계는 깨지기 쉬우니, 존경심을 가지고 나아가십시오.
차콜 프레스(Charcoal Press)에서 인쇄한 블랭크 노트(Blank Notes)는 144페이지에 달하는 소프트커버, 무광택 용지, 그리고 수작업으로 칠해진 검은색 테두리로 정교하게 제작된 에디션으로 선보입니다. 단순한 사진집을 넘어, 이 책은 세계와 세대, 문화 유산과 개인적인 탐구 사이의 대화를 담고 있습니다. 마셜 제임스 토(Marshall James To)는 이러한 이미지들을 통해 보이는 것과 보이지 않는 것 사이에 다리를 놓아, 무엇이 남아 있고, 무엇이 되돌아오고, 무엇이 영원히 우리와 함께하는지 되돌아보게 합니다.
가자와 나폴리 사이의 두 소녀 이야기
어떤 만남은 필요성, 잊혀질 위험이 있는 것들을 되짚어보아야 하는 절박함에서 비롯됩니다. 가자와 나폴리 사이에서. <어린 시절 이야기>는 이러한 만남에서, 자유롭고도 먼 두 목소리의 결합에서 탄생했습니다. 가자 출신의 29세 사진작가 마흐무드 아부 알카라야 와, 타일러두르단* 으로 알려진 나폴리 출신 예술가이자 사진작가 라파엘레 안눈지아타의 목소리입니다 .
"인스타그램에서 마흐무드를 처음 만났는데, 사진작가로서 그의 사진에 바로 매료되었습니다. 은밀한 촬영, 전쟁 보도 같은 이미지, 놀라운 색 보정, 완벽한 프레이밍까지. 축하 인사를 전하기 위해 그에게 연락했죠."라고 안눈지아타는 설명합니다. 라파엘은 이미 타일러두르단* 프로젝트를 통해 팔레스타인 사람들을 위한 수많은 직접 지원 활동을 진행하고, 모하메드 모힌 박사와 함께 '가자 지구를 위한 드레스(A Dress for Gaza) ' 캠페인을 진행하며 , 그의 영상 대부분을 제작하고 있었습니다. "마흐무드와 이야기를 나누면서 서로 알아가기 시작했고, 몇 차례 화상 통화를 통해 함께 사진 프로젝트를 만들어 보자는 아이디어를 얻었습니다."
마흐무드는 전쟁으로 삶과 경력이 산산이 조각나는 것을 목격했습니다. 가족은 네 번이나 피난길에 올랐고, 유일한 작업 도구였던 카메라는 잃었으며, 굶주림과 질병, 폭격으로 얼룩진 일상을 보냈습니다. 반면 라파엘은 10년 넘게 음악, 이미지, 언어를 문화적 저항의 한 형태로 엮어내며 불의를 고발하고 우리를 인간답게 만드는 것에 다시 초점을 맞춰 왔습니다.
그들은 나폴리와 가자 지구에 사는 두 어린 소녀의 일상을 평행한 이미지들을 통해 이야기하기로 했습니다. "마흐무드와 저는 그가 먼저 손녀 소소의 일상을 촬영하고, 그다음 제가 제 딸 데데의 모습을 촬영하기로 했습니다. 그의 사진들은 섬세하고 정밀해서 제 마음을 사로잡았습니다. 우리는 유혈 사태 없이 '전쟁 이야기'를, 마음이 있는 모든 사람과 함께 나눌 수 있는 이야기를 하고 싶었습니다."
극명한 대조를 이룹니다. 다른 곳에서는 놀거나, 학교에 가거나, 아침을 먹는 것과 같은 간단한 행동조차 포위된 지역에서는 거의 불가능해집니다. "마흐무드의 관점에서는, 그 어려움은 객관적이었습니다. 일주일 전만 해도 가자 지구에서 사진을 찍으러 나가는 것조차 쉽지 않았습니다. 오늘 마흐무드는 실종된 많은 사람들 중 한 명입니다. 며칠 전 집을 떠나야 했습니다. 제 관점에서 사진을 찍는 것은 식은 죽 먹기였습니다. 가장 좋았던 것은 솔직하고 힘든 어린 시절을 보낸 소소와, 깨어나 포즈를 취하는 마법 같은 데데였습니다."
가자와 나폴리 사이에서. 어린 시절 이야기는 증언이자, 두 세계를 하나로 묶고 보편적 권리인 어린 시절을 옹호하는 서사이자 윤리적 다리입니다. "저희 사진을 보는 사람들이 잠시 아동 권리에 대해 생각해 보기를 바랍니다. 우리 서양인들이 평범하다고 여기는 것들, 이를 닦을 때 들여다보는 거울, 우리가 신는 신발, 밤에 눕는 침대처럼, 우리의 자유와 그것을 누리지 못하는 사람들, 과도한 소비주의와 집단 학살을 겪는 고난에 대해 생각해 보기를 바랍니다. 하지만 저희 사진을 보는 사람들이 마흐무드에게 기부하고 자유로운 팔레스타인을 위해 기도해 준다면 그것으로 충분할 것입니다."
이 프로젝트는 또한 마흐무드와 그의 가족이 삶을 재건하고 계속해서 사진을 찍을 수 있는 기회를 돌려주자는 구체적인 호소인 '마흐무드 러브스 포토그래피, 패밀리 & 라이프 ❤' 캠페인의 지원을 받고 있습니다.