요코 오노, 테이트 모던 몰입형 전시에 방문객 초대

요코 오노, 색깔 추가(난민선), 1960년 컨셉, YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND, 테이트 모던, 런던, 2024에 설치. (사진: © Tate, Lucy Green)

런던 테이트 모던 에서 열리는 새로운 전시는 개념 예술가이자 퍼포먼스 예술가 로서 요코 오노의 선구적인 작품을 기념합니다 . <요코 오노: 음악의 음악>

 은 영국 최대 규모의 전시로, 그녀의 작품 세계를 조명하며 그녀의 경력에서 중요한 순간들을 기념합니다.
참여형 작품, 영화, 설치 미술, 음악, 사진 등 200점이 넘는 오노의 작품이 전시됩니다.

그녀의 가장 강렬하고 화제가 된 작품들 중 일부가 이 쇼에 포함되었는데, 그중 하나가 1966년작 영화 4호(바텀스) 입니다.
사람들의 엉덩이가 번쩍이는 장면이 등장하는 이 논란의 영화는 영국에서 상영이 금지되었습니다.
또한, 그녀의 1964년작 ' 컷 피스(Cut Piece)

 '에서 관객들이 그녀의 몸에서 옷을 잘라내도록 초대되었던 것을 기리는 내용도 포함되어 있습니다  .

관람객들은 전시에서 여러 가지 창의적인 활동에 참여할 수 있습니다.
< 런던을 위한 소원 나무(Wish Trees for London )>에서는 사람들이 평화의 메시지를 공유하도록 요청받습니다.

 <색깔 더하기(난민선)> 에서는 관람객들이 온통 하얀 방 안에 자신의 희망과 신념을 그려넣도록 요청받습니다.
이 시기적절한 설치 작품은 오노가 1960년대에 처음 구상했던 연작의 연장선으로, 정치적 문제에 대한 그녀의 헌신을 떠올리게 합니다.

마지막 방은 두 부분으로 구성된 작품 <  엄마는 아름다워>

 를 통해 모성에 대한 이야기를 전합니다 . 오노가 방에 전략적으로 배치한 사진들을 감상한 후, 방문객들은 어머니에 대한 자신의 생각이나 핀업 사진으로 벽을 장식할 수 있습니다.
이렇게 전시 기간 동안 방은 모성에 대한 헌정의 공간이 될 것입니다.

전시를 통해 오노의 미래지향적인 사고방식과, 심지어 인기 없는 상황에서도 중요한 문제에 맞서 싸운 용기를 다시금 느낄 수 있습니다.
 《요코 오노: 마음의 음악》 

 은 2024년 9월 1일까지 테이트 모던에서 전시됩니다.

런던의 테이트 모던은 200여 점의 작품을 전시하여 요코 오노의 획기적인 경력을 기념합니다.

요코 오노가 유리 망치를 들고 있는 모습, 1967년 런던 리슨 갤러리에서 열린 HALF-A-WIND SHOW 전시, 1967년. (사진: © Clay Perry)

요코 오노, Cut Piece, 1964. 1965년 3월 21일 뉴욕 카네기 리사이틀 홀에서 열린 '요코 오노 신작전'에서 요코 오노가 연주한 곡. (사진: © 니이즈마 미노루)

요코 오노, Film No. 4 (Bottoms), 1966. 작가 제공

요코 오노: 뮤직 오브 더 마인드(YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND) 

 에는 1950년대부터 현재까지의 영화, 설치물, 사진, 교육 자료가 포함되어 있습니다.

오노 요코, FLY, 1970-71. 작가 제공

요코 오노, 애플, 1966, 요코 오노: 원 우먼 쇼, 1960-1971, MoMA, NYC, 2015. (사진: © Thomas Griesel)

오노 요코, 스카이 TV, 1966/2014. 작가 제공. 설치 전경은 허쉬혼 미술관 및 조각 정원 제공. (사진: © 캐시 카버)

요코 오노, Bag Piece, 1964, YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND, 테이트 모던, 런던, 2024에 설치됨. (사진: © Tate, Reece Straw)

요코 오노의 작품에서 큰 부분을 차지하는 참여적 작품도 이번 전시에 포함됩니다.

오노 요코, 런던에 소원을 전하는 나무, 2024, 테이트 모던, 런던, 요코 오노: 마음의 음악 전시에 설치. (사진: © 테이트, 리스 스트로)

요코 오노, 화이트 체스 세트, 1966, YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND, 테이트 모던, 런던, 2024에 설치됨. (사진: © Tate, Reece Straw)

요코 오노, 엄마는 아름다워요, 2004, YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND, 테이트 모던, 런던, 2024에 설치됨. (사진: © Tate, Reece Straw)

요코 오노, 색깔 추가(난민선), 1960년 컨셉, YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND, 테이트 모던, 런던, 2024에 설치. (사진: © Tate, Lucy Green)

요코 오노, 섀도우 피스, 2024년 테이트 모던, 런던, YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND에 설치됨. (사진: © Tate, Lucy Green)

전시는 2024년 9월 1일까지 진행됩니다.

요코 오노, 헬멧(하늘의 조각들), 2001, 2024년 테이트 모던, 런던의 YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND 전시에 설치됨. (사진: © Tate, Lucy Green)

요코 오노, 헬멧(하늘의 조각들), 2001, 2024년 테이트 모던, 런던의 YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND 전시에 설치됨. (사진: © Tate, Lucy Green)

요코 오노, 밟히기 위한 그림, 1961, YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND, 테이트 모던, 런던에 설치, 2024. (사진: © Tate, Reece Straw)

요코 오노, Half-A-Room, 1967, YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND, 테이트 모던, 런던, 2024에 설치됨. (사진: © Tate, Lucy Green)

위태로운 퍼포먼스 아트, 일상의 활동을 경외감을 불러일으키는 광경으로 바꿔놓다

“타블로 비방”

예술가 티에리 만동은 일상생활을 매우 위태로운 방식으로 행합니다.
두 개의 퍼포먼스 작품에서 그는 침대와 식탁에서 책을 읽는데, 모두 땅에서 멀리 떨어진 곳에 매달려 있습니다.
경외감을 불러일으키면서도 동시에 불안감을 자아내는 그의 작품 <Inside-Outside>

 와 <Tableau vivant >는 우리 삶에서 평범했던 부분에도 화려함과 드라마틱함을 더합니다.

맨던은 몇 년 전에 두 작품을 공연했지만, 관객들의 반응을 아직도 기억합니다.
 <타블로 비방>

 과 <인사이드-아웃사이드> 작품은 시간이 정지되고 공간이 역전된 듯한 느낌을 줍니다.
라고 맨던은 마이 모던 메트와의 인터뷰에서 말했습니다.
공연 중 행인들은 매우 놀라며, 자신들이 보고 있는 것이 진짜인지 잘 알지 못했습니다.
이러한 상황들은 관객들로 하여금 예술 공연이란 무엇인지 의문을 품게 했습니다.

맨던은 사진과 영상을 퍼포먼스와 함께 활용하여 자신의 작품의 더 큰 주제를 전달합니다.
이러한 미디어는 일상생활의 시적인 특성을 표현하며, 미묘한 변화를 만들어내며, 관람객은 그 안에서 자신의 삶의 비극적인 면과 희극적인 면을 동시에 발견하게 됩니다.

이러한 감정은 <Inside–Outside>

 와 <Tableau vivant> 를 통해 완벽하게 전달됩니다 . 여러 측면에서 비극이 존재합니다.
맨던은 자리에서 떨어져 바닥으로 떨어질 수도 있습니다.
그리고 심리학적 관점에서 보면, 어떤 이들은 일상의 진부함을 그 자체로 조용한 재앙으로 여길지도 모릅니다.
그리고 침대에 매달려 있는 예술가부터 우리가 스스로 만들어가는 이러한 일상에 이르기까지, 이 모든 것은 때때로 너무나 터무니없어서 웃음이 절로 나옵니다.

두 개의 위태로운 퍼포먼스 아트 작품에서 예술가 티에리 맨던은 책을 읽는 동안 땅 위에 몸을 매달았습니다.

“타블로 비방”

“안쪽-바깥쪽”

“안쪽-바깥쪽”

“안쪽-바깥쪽”

아래 영상에서 Inside–Outside

 와 Tableau vivant를  감상하세요 .

티에리 맨던: 웹사이트 | 비메오

My Modern Met에서는 티에리 맨던의 사진을 게재하는 것을 허가했습니다.

현대 미술이란 무엇인가? 현대 미 운동에 대한 심층 분석

야요이 쿠사마, 노란 호박, 1994 (사진: Adam Rifi/Shutterstock 제공 스톡 사진 )

많은 사람들에게 현대 미술의 정의를 내리는 것은  까다로운 과제일 수 있습니다.
제목은 단순하고 직관적이지만, 현대적 의미는 그만큼 명확하지 않습니다.
다행히도, 개념의 역사를 추적하고 그 기저에 깔린 주제를 탐구하면 현대 미술의 본질을 이해하는 것은 충분히 가능합니다.

 

현대 미술이란 무엇인가?

시애틀 센터의 치훌리 가든 앤 글래스(사진: ApinBen4289/Shutterstock 제공 )

가장 기본적인 의미에서, 현대 미술이라는

 포괄적인 용어 는 오늘날 생산되는 미술, 즉 회화, 조각, 사진, 설치 미술, 퍼포먼스, 비디오 아트를 지칭합니다.
겉보기에는 단순해 보이지만, 이 정의를 둘러싼 세부 사항들은 종종 다소 모호합니다.
오늘에 대한 사람들의 해석이 매우 다양하기 때문입니다.
따라서 이 장르의 정확한 시작 시점은 여전히 ​​논쟁의 여지가 있지만, 많은 미술사학자들은 현대 미술 의 종말 , 즉 모더니즘의 종말을 1960년대 후반이나 1970년대 초반으로 보는 것이 타당하다고 생각합니다.

하지만 현대 미술의 많은 원칙들은 이보다 훨씬 이전에 시작되었습니다.
 입체파 와 그 추상화로의 전환은 현대 미술의 중요한 한 단계였습니다.
 초현실주의 와 그 무의식에 기반을 둔 작품은 새로운 예술 형태를 향한 또 다른 추진력을 제공했습니다.
특히 제2차 세계 대전 이후의 포스트모던 사상은 예술가들이 현대적 주제를 표현하는 다양한 방식을 모색하기 시작하면서 전통적인 미술 개념에 도전했습니다.
추상 표현주의라는 단어가 만들어질 무렵, 미술계는 완전히 추상적인 예술 작품을 바라볼 준비가 되어 있었습니다.

주요 현대 미술 운동과 예술가

오늘날의 예술이라는 정의를 고려하면, 현대 미술이 실제로는 비교적 오랜 역사를 가지고 있다는 사실에 놀라실지도 모릅니다.
현대 미술의 진화 과정을 살펴보기 위해, 그 역사를 구성하는 주요 운동 과 중요한 예술가들을 살펴보겠습니다 .

 

팝아트

앤디 워홀, 꽃(사진: Radu Bercan/Shutterstock의 스톡 사진 )

이전 현대 미술 운동에 대한 반작용으로 시작된 현대 미술은 팝 아트 의 영향에서 시작된 것으로 여겨집니다 . 전후 영국과 미국에서 팝 아트는 앤디 워홀 과 로이 리히텐슈타인 같은 예술가들에 의해 개척되었습니다 . 팝 아트는 대중 문화를 묘사하고 상업 제품을 누구나 접근 가능한 예술로 재창조하는 데 관심을 두는 것으로 정의됩니다.
팝 아트 운동은 대략 1950년대부터 1970년대 초까지 지속되었지만, 1980년대 제프 쿤스와 같은 예술가들에 의해 네오팝 아트 로 재탄생했습니다 .

 

포토리얼리즘

척 클로즈의 초상화 (사진: Rushay/Shutterstock 제공 )

팝아트 스타일의 예술가들이 사물을 예술적으로 재현하고자 했던 것처럼, 동시대 미술 운동인 포토리얼리즘 에 참여한 예술가들은 극사실주의적인 드로잉과 회화를 제작하는 것을 목표로 했습니다.
포토리얼리즘 작가들은 종종 사진을 바탕으로 작업했는데, 이를 통해 초상화, 풍경화, 그리고 다른 상징들을 정확하게 재현할 수 있었습니다.
 척 클로즈 와 게르하르트 리히터  도 이러한 스타일로 작업했습니다.

 

개념주의

아이 웨이 웨이, 동물의 원/ 십이지신 머리, 2010 (사진: Alisa_Ch/Shutterstock 제공 스톡 사진 )

팝아트는 예술을 상품으로 보는 관념을 거부하는 개념주의의 형성에도 기여했습니다.
개념 예술에서는 예술 작품의 이면에 있는 관념이 우선시됩니다.
주요 개념 예술가로는 

데미안 허스트 , 아이웨이웨이 , 제니 홀저가 있습니다 . 이 실험적 운동은 21세기 초 미술에 뿌리를 두고 있지만, 1960년대에 정식 운동으로 등장하여 오늘날까지도 주요 현대 미술 운동으로 남아 있습니다.

 

미니멀리즘

도널드 저드, 제목 없음, 1973 (사진: Todamo/Shutterstock의 스톡 사진 )

개념주의와 마찬가지로 미니멀리즘은 1960년대에 구체화되어 오늘날까지도 여전히 널리 퍼져 있습니다.
테이트 미술관 에 따르면 , 두 운동 모두 예술을 제작하고, 전파하고, 감상하는 기존 구조에 도전했다.
그러나 미니멀리즘을 차별화하는 것은 그 단순하고 추상적인 미학이 관람객으로 하여금 주어진 예술 작품이 무엇을 나타낸다고 생각하는지가 아니라, 자신이 보는 것에 반응하도록 유도한다는 점입니다.
 도널드 저드 , 솔 르윗 , 댄 플래빈 은 주요 미니멀리스트 예술가들입니다.

 

퍼포먼스 아트

사진: Shelby Lessig, Wikimedia Commons 제공 (퍼블릭 도메인)

개념주의에 뿌리를 둔 또 다른 운동은 퍼포먼스 아트 입니다 . 1960년대에 시작되어 오늘날까지 인기를 누리고 있는 퍼포먼스 아트는 드라마에서 영감을 받은 예술 접근 방식입니다.
이름에서 알 수 있듯이 이 예술 형태는 예술가들이 공연하지만, 단순히 오락적인 목적을 가지고 있지 않습니다.
오히려 메시지나 아이디어를 전달하는 것을 목표로 합니다.
주요 퍼포먼스 아티스트로는  마리나 아브라모비치 , 요코 오노 , 요제프 보이스가 있습니다 .

 

설치 미술

야요이 쿠사마, 영혼의 빛나는 빛, 2008 (사진: ephst/Shutterstock 제공 스톡 사진 )

퍼포먼스 작품처럼 설치 미술은 몰입형 예술 매체입니다.
설치 미술은 주변 환경을 변화시키고 관람객의 공간 인식을 변화시키는 3차원 구조물입니다.
설치 미술은 종종 대규모이고 특정 장소에만 국한되어 있어, 작가는 어떤 공간이든 맞춤형 인터랙티브 환경으로 탈바꿈시킬 수 있습니다.
유명 설치 미술가로는 쿠사마 야요이 ,  데일 치훌리 , 브루스 먼로 등이 있습니다 .

 

지구 예술

로버트 스미스슨, 나선형 제티(사진: Wikimedia Commons를 통한 퍼블릭 도메인 )

설치 미술에 독특한 해석을 더한 대지 미술  (또는 랜드 아트)은 예술가들이 자연경관을 장소 특정적 예술 작품으로 변형하는 운동입니다.
 로버트 스미스슨 , 크리스토 와 잔 클로드 , 그리고  앤디 골즈워디는 아방가르드적인 대지 미술로 유명합니다.

 

거리 예술

키스 해링, 피사의 벽화, 1989년(사진: peepy/Shutterstock의 스톡 사진 )

가장 최근의 현대 미술 운동 중 하나인 거리 예술은 1980년대 그래피티의 부상 과 함께 주목을 받은 장르입니다 . 사회 운동에 뿌리를 둔 거리 예술에는 벽화, 설치 미술, 스텐실 이미지, 그리고 공공장소에 설치되는 스티커 등이 포함됩니다.
주요 거리 예술가로는 장 미셸 바스키아 와 키스 해링 같은 1980년대 예술가들 뿐만 아니라 뱅크시 와  셰퍼드 페어리 같은 현역 예술가들도 있습니다 .

 

현대 미술과 디지털 시대

사진: mundissima/Shutterstock의 스톡 사진

현대 미술은 끊임없이 진화하고 있으며, 점점 더 많은 예술가들이 새로운 기술을 활용하여 창의력을 키우고 있습니다.
여기에는 추상적인 작품부터 미래적인 벡터 초상화까지 무엇이든 제작할 수 있는 코드 생성 아트가 포함됩니다 . 인공지능의 발전이 계속됨에 따라, 일부 예술가들은 이 기술을 활용하여 현실과 상상의 경계를 시험하는 초현실적인 초상화를 제작하고 있습니다.

블록체인 기술을 활용하는 크립토 아트 ( 

crypto art) 는 2020년부터 주목을 받고 있습니다.
디지털 아티스트 비플(Beeple)이 크리스티 경매에서 NFT 콜라주 작품을 6,900만 달러에 낙찰 받으면서 , 더 많은 예술가와 미술 기관들이 이 예술 형태의 가능성을 주목하고 있습니다.
크립토 아트는 디지털 아티스트들이 이전에는 판매하기 어려웠던 작품을 수익화할 수 있도록 해줍니다.
2021년 NFT 아트 붐은 설치 미술, 퍼포먼스 미술, 벽화 미술 등 단명 작품을 창작하는 예술가들에게 이전에는 상상도 할 수 없었던 방식으로 보상을 제공하고 수집할 수 있는 기회를 제공했습니다.

AI 또한 이 분야에 침투하고 있으며, 인공지능을 활용한 디지털 아트는 더욱 엄격한 규제를 받고 있습니다.
 AI 아트는 많은 시각 예술가들을 양분하는 양극화된 트렌드로, 어떤 예술가는 이 기술을 수용하는 반면, 어떤 예술가는 자신의 작품이 AI 학습 모델에 사용되는 것을 막으려 하고 있습니다.

 

유명 현대 예술가들

 

야요이 쿠사마(1929년~현재)

야요이 쿠사마 사진, 2016년 (사진:  위키미디어 커먼즈 , CC BY 4.0 )

 

성명	쿠사마 야요이
태어나다	1929년 3월 22일(일본 마츠모토)
주목할만한 예술 작품	인피니티 미러 룸
움직임	컨셉추얼 아트

 

일본의 예술가 쿠사마 야요이는 현존하는 가장 유명한 여성 예술가로 손꼽힙니다.
그녀는 화려한 경력을 통해 자신만의 독창적인 접근 방식을 발전시켜 왔습니다.
물방울 무늬, 대담한 색상 팔레트, 유기적인 형태가 특징인 그녀의 미학은 아마도 호박 예술에서 가장 잘 드러날 것입니다.
호박 예술은 호박 이라는 소재의 관대하면서도 소박한 면모를 기념하는 작품들입니다.

대표작: 무한 거울의 방 - 남근의 들판

 (1965), 수선화 정원(1966), 호박 시리즈

 

마리나 아브라모비치(1956~현재)

마리나 아브라모비치의 사진, 2018년 (Photo: Wikimedia Commons , CC BY-SA 2.0 )

 

성명	마리나 아브라모비치
태어나다	1946년 11월 30일(세르비아, 베오그라드)
주목할만한 예술 작품	리듬 0, 아티스트가 존재합니다
움직임	퍼포먼스 아트

 

퍼포먼스 아트 의 할머니    로 불리는 마리나 아브라모비치  는 60년이 넘는 경력을 자랑하는 살아있는 전설입니다.
1970년대 초, 처음 등장한 그녀는 퍼포먼스 아트에 대한 인식을 바꾸고 사람들에게 무엇이 예술인지에 대한 질문을 던졌습니다.
세르비아계 미국인 예술가인 그녀는 인체를 모든 영적 발전의 출발점으로 생각합니다.
그녀는 논란의 여지가 있는 실험을 통해 정신, 인간 문화, 순수함, 그리고 통제력 등 다양한 주제를 탐구하기 위해 위험하고 격렬한 육체적 시련을 감내합니다.

대표작: 리듬 0

 (1974), 아티스트 이즈 프레젠트 (2010)

 

아이 웨이웨이(1957년~현재)

 

성명	아이 웨이웨이
태어나다	1957년 8월 28일(중국 베이징)
주목할만한 예술 작품	해바라기 씨앗
움직임	과도주의

 

예술가  아이웨이웨이 는 의심할 여지 없이 오늘날 가장 잘 알려진 중국 현존 예술가이지만, 그와 중국 정부 간의 관계는 복잡합니다.
언론의 자유가 엄격하게 통제되는 공산주의 중국에서, 아이의 다채로운 작품들은 경매에서 최고가에 팔리지 않고, 비평가들도 그를 칭찬하지 않습니다.
오히려 이 활동가는 조화로운 사회에 대한 위협으로 여겨집니다.
조각, 영화, 설치 미술, 사진, 건축, 그리고 도자기, 대리석, 페인트, 차 등 다양한 재료를 통해, 아이웨이웨이는 현대 사회 속 중국인의 정체성과 중국 문화의 사회적 역사를 탐구합니다.

대표작: 한나라 항아리 떨어뜨리기

 (1995), 해바라기 씨앗 (2011)

 

장 미셸 바스키아(1960–1988)

왼쪽부터 오른쪽으로: Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Bruno Bischofberger, Fransesco Clemente, 1984 (사진: Wikimedia Commons , CC BY-SA 4.0 )

 

성명	장 미셸 바스키아
태어나다	1960년 12월 22일(뉴욕시, 뉴욕)
사망	1988년 8월 12일(뉴욕시, 뉴욕)
주목할만한 예술 작품	제목 없음, 조니펌프에 탄 소년과 개
움직임	신표현주의

 

20세기 후반, 장 미셸 바스키아는 현대 미술계를 완전히 뒤바꿔 놓았습니다.
1970년대와 80년대 뉴욕에서 활동하며 활동했던 이 젊은 예술가는 그래피티를 갤러리에 도입함으로써 거리 예술 의 선구자이자 대중화에 기여했습니다 . 이는 모든 계층의 사람들이 예술계의 화려함과 매력을 접할 수 있게 한 기념비적인 사건이었습니다.

대표작: 제목 없음

 (1982), 조니펌프 안의 소년과 개 (1982)

 

무라카미 다카시(1962~현재)

사진: Wikimedia Commons 의 Sodacan (퍼블릭 도메인)

 

성명	무라카미 다카시
태어나다	1962년 2월 1일(일본 도쿄)
주목할만한 예술 작품	미스터 도브 시리즈, 꽃
움직임	슈퍼플랫

 

일본의 워홀로 불리는  무라카미 다카시는  예술과 소비주의의 경계를 모호하게 만드는 것으로 유명합니다.
그의 밝고 경쾌한 색채의 작품은  대중문화에 열광하는 사람들을 일컫는 용어인 '오타쿠'

 라는 일본 하위문화에서 영감을 얻었습니다 . 무라카미는 자신의 예술을 통해 일본의 현대 문화와 더불어 끊임없이 확대되는 서구의 영향력을 탐구합니다.

대표작: 미스터 돕

 시리즈, 론섬 카우보이 (1998), 플라워스 (2002)

 

트레이시 에민(1962~현재)

사진: Piers Allardyce, Wikimedia Commons 제공 ( CC BY 2.0 )

 

성명	데임 트레이시 카리마 에민
태어나다	1962년(크로이던, 영국)
주목할만한 예술 작품	내 침대 ,

내가 함께 잤던 모든 사람들 1963–1995

움직임

젊은 영국 예술가들

 

영국의 예술가 트레이시 에민은 다양한 매체를 통해 깊이 있는 고백적이고 개인적인 예술 작품으로 유명합니다.
에민은 데미안 허스트와 함께 1980년대 후반부터 함께 전시를 시작한 젊은 영국 예술가(YBA)의 주요 인물이었습니다.
1999년, 〈 나의 침대〉

 로 권위 있는 터너상 후보에 오르면서 폭넓은 찬사를 받았습니다 .

대표작:  My Bed

 (1998) , Everyone I Have Ever Slept With (1995)

 

뱅크시(1974년~현재)

 

성명	알려지지 않은
태어나다	알 수 없음 (브리스톨, 영국)
주목할만한 예술 작품	풍선 소녀, 디즈멀랜드
움직임	거리 예술

 

필명으로만 알려진 뱅크시는 오늘날 가장 유명한 거리 예술가 중 한 명일 것입니다 . 1990년대부터 영국을 기반으로 활동하는 이 신비로운 예술가는 정치적, 사회적으로 민감한 예술 작품을 만들어 왔으며, 때로는 어두운 유머 감각을 곁들여 왔습니다.
그의 얼굴과 진짜 정체는 아직 알려지지 않았지만, 시선을 사로잡는 그의 작품들은 끊임없이 세상을 충격과 유혹으로 가득 채웁니다.

대표작: Balloon Girl

 (2002),  Love is in the Bin (2018)

 

 

현대 미술의 미래는 어떻게 될까?

사진: mujiri/Shutterstock의 스톡 사진

우리가 살펴본 예술가 중 일부는 더 이상 살아 있지 않거나 활동할 수 없지만, 데미안 허스트 , 아이 웨이웨이 ,  마리나 아브라모비치 , 야요이 쿠사마 , 제프 쿤스 등을 포함하되 이에 국한되지 않는 앞서 언급한 많은 위대한 예술가들은 회화, 조각, 설치, 퍼포먼스 아트의 아방가르드 작품을 계속해서 창작하고 있습니다 .

이러한 유명 인사들 외에도 많은 신진 현대 예술가들이  독창적인 예술 접근 방식으로 세상을 놀라게 하고 있습니다.
회화, 조각, 설치 미술과 같은 전통적인 형식에 자신만의 해석을 더하는 것 외에도 자수 , 종이접기 , 문신 과 같은 예상치 못한 예술 형태를 대중화하며 , 모든 것을 아우르는 예술 장르의 무한한 가능성을 입증했습니다.

 

자주 묻는 질문

 

현대 미술을 정의하는 것은 무엇인가?

현대 미술은 오늘날 제작되는 회화, 조각, 사진, 설치 미술, 퍼포먼스, 비디오 아트 등을 아우르는 예술을 지칭합니다.
이 시기는 일반적으로 20세기 후반부터 21세기까지를 지칭합니다.

 

예술이 현대적이라는 것을 어떻게 알 수 있나요?

현대 예술이란 20세기 후반과 21세기 초반에 만들어진 예술을 말한다.

 

모든 미술사 애호가가 알아야 할 역사상 가장 유명한 예술 작품 37선

역사를 통틀어 다른 작품들을 압도하는 예술 작품들이 존재해 왔습니다.
예술가의 놀라운 기교 때문이든, 중요한 문화나 역사적 순간을 포착했기 때문이든, 일부 유명 예술 작품이 역사에 지울 수 없는 흔적을 남겼다는 것은 부인할 수 없습니다.
저희는 과거로 거슬러 올라가 미술사에서 가장 유명한 그림 과 조각들을 살펴보고 , 역사상 가장 유명한 예술 작품 목록을 정리했습니다.

고대 그리스 조각상부터 인상파 걸작까지, 이 작품들이 서양 문화의 중요한 표식입니다.
이 작품들에 대해 더 자세히 배우면 이탈리아 르네상스부터 사실주의, 인상주의, 입체파 등 주요 미술 사조 까지 다양한 예술 흐름을 접하게 될 것입니다.
저희 목록은 1940년대로 마무리되며, 오늘날까지도 우리 세계에 영향을 미치고 있는 수 세기 동안의 예술을 아우르는 연대기를 보여줍니다.

레오나르도 다빈치와 미켈란젤로를 시작으로 클로드 모네 와 파블로 피카소  까지, 여러 유명 예술가들이 이 목록에 두 번이나 이름을 올렸습니다 . 예술적 주제는 시스티나 성당 천장화의 아담 창조 

 에서 볼 수 있듯이 신화와 종교에서 프랑스 혁명과 같은 주요 사건을 다룬 역사적 소재로 확장됩니다.
베르메르의 진주 귀걸이를 한 소녀 와 같은 다른 작품들도 우리의 상상력을 사로잡는 소박한 초상화입니다.
그리고 비서구적 전통을 보여주는 가나가와 앞바다의 큰 파도 (The Great Wave off Kanagawa)도 있습니다  .

아래로 스크롤하여 역사에 흔적을 남긴 37개의 유명 예술 작품을 살펴보고, 링크를 클릭하여 각 작품의 중요성과 역사에 대해 자세히 알아보세요.

역사상 가장 유명한 예술 작품 37개를 연대순으로 정리했습니다.

목차 보기 

밀로의 비너스

“밀로의 비너스”, 기원전 2세기 후반 (사진: Nan Palmero , CC BY 2.0 )

 

사모트라케의 니케

“사모트라케의 니케” c. 기원전 200-190년 (사진: warasit/ Depositphotos )

 

Jan Van Eyck의 아르놀피니 초상화

얀 반 에이크, “아르놀피니의 초상화”, 1434년 (사진: Wikimedia Commons , 공개 도메인)

 

히에로니무스 보쉬의 쾌락의 정원

히에로니무스 보쉬, 세속적 쾌락의 정원, 1480년에서 1505년 사이 (사진: 위키미디어 커먼즈 , 퍼블릭 도메인)

 

산드로 보티첼리의 비너스의 탄생

산드로 보티첼리, 비너스의 탄생, 1486년경 (사진: 위키미디어 커먼즈 , 퍼블릭 도메인)

 

레오나르도 다빈치의 최후의 만찬

레오나르도 다 빈치, “최후의 만찬”, 1498년(사진: Haltadefinizione  via  Wikimedia Commons , 공개 도메인)

 

미켈란젤로의 다비드상

미켈란젤로, “다비드”, 1501-1504 (사진: Jörg Bittner Unna via  Wikimedia Commons ,  CC BY-SA 3.0 )

 

레오나르도 다 빈치의 모나리자

레오나르도 다빈치, 모나리자, 1503년경~1506년경 (사진: 위키피디아 , 퍼블릭 도메인)

 

미켈란젤로의 시스티나 성당 천장화

미켈란젤로, 시스티나 성당 천장화, 1508–1512 (사진: Jean-Christophe Benoist  via  Wikimedia Commons ,  CC BY-SA 3.0 )

 

라파엘로의 아테네 학당

라파엘로, 아테네 학당, 1511년 (사진: 위키피디아 , 퍼블릭 도메인)

 

피터 브뤼겔의 네덜란드 속담

피터 브뤼겔 대, 네덜란드 속담, 1559년 (사진: 위키피디아 , 퍼블릭 도메인)

 

렘브란트 반 레인 (Rembrandt van Rijn)의 <야경>

렘브란트, 야경, 1642년 (사진: 위키미디어 커먼즈 , 퍼블릭 도메인)

 

디에고 벨라스케스의 라스 메니나스

디에고 벨라스케스, “라스 메니나스”, 1656년 (사진: Wikiart , 공개 도메인)

 

요하네스 베르메르의 진주 귀걸이를 한 소녀

요하네스 베르메르, 진주 귀걸이를 한 소녀, 1665년경 (사진: 위키미디어 커먼즈 , 퍼블릭 도메인)

 

장 오노 레 프라고나르의 그네

장 오노레 프라고나르, “그네”, 1767년 (사진: Wikimedia Commons , 공개 도메인)

 

자크 루이 다비드의 마라의 죽음 

자크 루이 다비드, 마라의 죽음, 1793 (사진: 위키미디어 커먼즈 , 퍼블릭 도메인)

 

프란시스코 고야의 1808년 5월 3일 

프란시스코 고야, 1808년 5월 3일, 1814년 (사진: 위키미디어 커먼즈 , 퍼블릭 도메인)

 

카츠시카 호쿠사이의 가나가와의 큰 파도

가쓰시카 호쿠사이, 가나가와 앞바다의 큰 파도, 1826년경–1833년 (사진: 위키미디어 커먼즈 , 퍼블릭 도메인)

 

외젠 들라크루아의 《  민중을 이끄는 자유의 여신》

외젠 들라크루아, 민중을 이끄는 자유의 여신, 1830년 (사진: 위키미디어 커먼즈 , 퍼블릭 도메인)

 

에두아르 마네의 풀밭 위의 점심 식사

에두아르 마네, 풀밭 위의 점심, 1863 (사진: 위키피디아 , 퍼블릭 도메인)

 

제임스 애벗 맥닐 휘슬러의 휘슬러의 어머니 

제임스 맥닐 휘슬러, 회색과 검은색으로 구성된 편곡 1번, 1871년 (사진: 위키미디어 커먼즈 , 퍼블릭 도메인)

 

클로드 모네의 인상, 일출

클로드 모네, 인상 일출, 1872 (사진:  위키미디어 커먼즈 , 퍼블릭 도메인)

 

피에르 오귀스트 르누아르의 물랭 드 라 갈레트의 발(Bal du moulin de la Galette)

피에르 오귀스트 르누아르, “발 뒤 물랭 드 라 갈레트”, 1876년(사진: Wikimedia Commons , Public Domain)

 

조르주 쇠라의 라 그랑드 자트 섬의 일요일 오후

조르주 쇠라, 그랑자트 섬의 일요일 오후, 1884–1886 (사진: 시카고 미술관 , 퍼블릭 도메인)

 

빈센트 반 고흐의 별이 빛나는 밤

빈센트 반 고흐 , 별이 빛나는 밤 , 1889 (사진: 위키미디어 커먼즈 , 퍼블릭 도메인)

 

에드바르트 뭉크, 절규, 1893 (사진: 위키피디아 , 퍼블릭 도메인)

오귀스트 로댕, 생각하는 사람, 1904 (사진: Roman Suzuki via  Wikimedia Commons , CC BY 3.0 DEED )

클로드 모네, 수련, 1907 (사진: 위키미디어 커먼즈 , 퍼블릭 도메인)

파블로 피카소, “Les Demoiselles d'Avignon,” 1907 (사진: Wikimedia Commons , 공개 도메인)

구스타프 클림트, 키스, 1907–1908 (사진: 위키미디어 커먼즈 , 퍼블릭 도메인)

마르셀 뒤샹, 분수, 1917 (사진: 알프레드 스티글리츠, 위키 미디어 커먼즈 , 퍼블릭 도메인)

Grant Wood, American Gothic, 1930 (사진: Art Institute of Chicago via Wikimedia Commons , 퍼블릭 도메인)

피에트 몬드리안, 빨강, 파랑, 노랑의 구성 2, 1930년 (사진: 위키피디아 커먼즈 , 퍼블릭 도메인)

파블로 피카소, '게르니카', 1937

에드워드 호퍼, 나이트호크, 1942 (사진: 위키미디어 커먼즈 , 퍼블릭 도메인)

비틀즈의 스타덤 상승을 기록한 폴 매카트니의 사진이 브루클린 박물관에 전시됩니다.

폴 매카트니. 존 레논. 파리, 1964년 1월. 안료 잉크젯 프린트. © 1964 Paul McCartney, MPL Archive LLP 독점 라이선스.
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 자세한 내용은 공개 내용을 참조하십시오.

작년 런던 국립 초상화 미술관에서 처음 공개된 폴 매카트니의 미공개 사진들이 뉴욕에서 전시됩니다.
 폴 매카트니 사진 1963-64: 폭풍의 눈은

 비틀즈가 세계적인 아이콘으로 성장하는 과정 을 담은 사진들입니다.
이 전시는 비틀즈가 6개 도시를 순회하고 미국에 처음 상륙했을 당시의 광란적인 비틀매니아 시대를 보여줍니다.
2024년 5월 3일부터 브루클린 미술관 에서 열리는 이 전시는 음악 역사의 이 특별한 순간을 흥미롭게 조명할 것입니다.

매카트니의 35mm 카메라로 촬영된 이 사진들은 대부분 흑백으로, 미국 투어를 위해 리버풀, 런던, 파리를 누비는 밴드의 모습을 담았습니다.
이 시기에 그들은 에드 설리번 쇼

 에서 상징적인 공연을 펼치며 엄청난 명성을 얻었습니다.
매카트니는 그룹 내에서 차지하는 위치를 고려했을 때, 이 사진들을 촬영할 수 있는 독보적인 위치에 있었으며, 이 사진들은 역사적인 기록 보관소이자 네 명의 절친한 친구들의 애정 어린 사진 앨범 역할을 합니다.

1964년 2월 뉴욕에 처음 도착한 이후, 폴 매카트니는 뉴욕과 강력하고 지속적인 관계를 맺어 왔습니다.
비틀즈의 첫 방문 당시를 생생하게 담은 그의 사진들은 도시의 에너지, 미국 팬들의 흥분, 그리고 밴드가 유명인으로서 누리는 광란을 포착합니다.
하지만 그 사진들은 비틀즈가 서로 함께 즐기는 즐거움도 담고 있습니다.
매카트니의 렌즈를 통해 우리는 이처럼 특별한 사건들의 중심에 서 있는 듯한 강렬함을 느낍니다.
라고 큐레이션 담당 이사이자 장식 예술 수석 큐레이터인 캐서린 푸터는 말합니다.

그룹을 추적하던 사진작가들의 뻔뻔스러운 모습부터 마이애미 수영장에서 휴식을 취하는 조지 해리슨까지, 이 사진들은 젊은 메가스타들의 삶을 1인칭 시점으로 흥미롭게 담아냅니다.
매카트니의 사진들은 친밀하면서도, 자신의 삶이 곧 바뀔 것임을 깨닫는 다큐멘터리 작가의 시선을 담고 있습니다.

폴 매카트니 사진 1963-64: 폭풍의 눈은  2024년 5월 3일부터 2024년 8월 18일까지 브루클린 박물관에서 전시됩니다.

전시회에 참석할 수 없거나 전시의 일부를 집으로 가져가고 싶은 분들을 위해 작년에 출판된 275개 사진의 전체 카탈로그를 구매하실 수 있습니다 .

폴 매카트니가 찍은 비틀즈의 1960년대 스타덤에 오른 시절의 사진은 슈퍼그룹에 대한 친밀한 시선을 보여줍니다.

폴 매카트니. 존과 조지. 파리, 1964년 1월. 안료 잉크젯 프린트. © 1964 Paul McCartney, MPL Archive LLP 독점 라이선스

폴 매카트니. 자화상. 런던, 1963년. 안료 잉크젯 프린트. © 1963 Paul McCartney, MPL Archive LLP 독점 라이선스

이 사진들의 전시회는 2024년 5월 브루클린 박물관에서 개최될 예정이다.

폴 매카트니. 센트럴 파크의 사진작가들. 뉴욕, 1964년 2월. 안료 잉크젯 프린트. © 1964 Paul McCartney, MPL Archive LLP 독점 라이선스

폴 매카트니. 웨스트 58번가, 6번가 교차로. 뉴욕, 1964년 2월. 안료 잉크젯 프린트. © 1964 Paul McCartney, MPL Archive LLP 독점 라이선스

일부는 역사적 기록이고, 일부는 애정 어린 가족 사진 앨범인 맥카트니의 사진은 매력적입니다.

폴 매카트니. 링고 스타. 런던, 1964년 1월. 안료 잉크젯 프린트. © 1964 Paul McCartney, MPL Archive LLP 독점 라이선스

폴 매카트니. 조지 해리슨. 마이애미 비치, 1964년 2월. 크로모제닉 프린트. © 1964 폴 매카트니, MPL Archive LLP 독점 라이선스

폴 매카트니 사진 1963-64: 폭풍의 눈