체코 예세니크 마을의 프리스니츠 스파 공원 내에서
발견된 미로 구조물. 두 계절에 걸쳐 촬영한 후 나중에 꿰매어 붙인 것입니다. (사진: 토마시 노이비르트 // 웹사이트 | 인스타그램 )
2025년의 마지막 달을 맞이하며, 우리는 잠시 멈춰 지난 한 해를 되돌아보고 싶은 충동을 느낍니다.
가장 좋아하는 방법 중 하나는 계절마다 우리를 사로잡았던 사진들을 다시 보는 것입니다.
전 세계 사진작가들의 끊임없는 노력 덕분에
우리는 상상할 수 있는 모든 관점에서 지구의 끝을 바라볼 기회를 얻었습니다.
이러한 사진들을 통해 우리는 다양한 풍경, 동물, 문화, 자연 현상을 볼 뿐만 아니라 끝없는 감정의 향연을 느낄 수 있습니다.
매년 전 세계적으로 많은 일이 일어나고, 모든 유형의 사진작가들이 항상 그 중심에 있습니다.
전쟁터의 사진기자, 정글의 야생동물 사진작가, 영하의 기온 속 천체 사진작가 , 아드레날린이 솟구치는 스포츠 경기의 액션 사진작가, 스튜디오에서 자신의 비전을 현실로 구현하는 순수 예술 사진작가 등 모든 사진은 순간을 포착하고 이야기를 전달합니다.
올해는 전쟁, 폭력, 그리고 불안에 대한 이미지와 이야기가 뉴스를 장악했지만, 이보다 더 많은 이야기들이 주목을 받고 기억되어야 합니다.
사진은 단순히 분열적인 정치를 위한 도구가 아닙니다.
사진은 관점을 공유하고 말로는 전달하기 어려운 것을 전달하는 수단입니다.
올해 우리는 사진뿐만 아니라 그 사진들의 배경 이야기에도 깊은 감동을 받았습니다.
아래로 스크롤하여 지난해에 촬영된 사진을 감상해 보세요.
이 사진들은 우리 모두에게 다양한 감정을 불러일으켰고, 사진 뒤에 숨겨진 스토리에 대한 호기심을 자극했습니다.
My Modern Met에서 선정한 2025년 최고의 사진은 다음과 같습니다.
풍경과 야생 동물 사진부터 포토저널리즘과 천체 사진까지 다양합니다.
케냐 라이키피아의 코뿔소 보호구역에서 새 떼에
둘러싸여 진흙투성이가 된 코뿔소가 우아하게 움직이는 모습입니다.
사진작가는 흑백 코뿔소들이 인간 이전의 땅으로 시간 여행을 떠나는 듯한 환경에서 자유롭게 활보하며, 이 장엄한 동물의 본질을 더욱 강조합니다.
라고 말합니다.
(사진: 알레산드로 마레나 // 웹사이트 | 인스타그램 )
난쟁이 밍크고래 한 마리가 호기심 어린 눈빛으로
사진작가를 바라보고 있습니다.
사진작가는 이 고래들은 겨울에 북부 그레이트 배리어 리프를 찾는 것으로 알려져 있는데, 이는 전 세계에서 유일하게 예측 가능한 밍크고래 집단입니다.
라고 말합니다.
(사진: 마르시아 리더러 // 웹사이트 | 인스타그램 )
프랑스령 폴리네시아 모레아에서 촬영된 혹등고래
눈의 근접 촬영입니다.
이 사진을 촬영한 지 불과 나흘 만에 '스윗 걸(Sweet Girl)'이라는 이름의 이 고래는 고속으로 움직이는 선박에 치여 죽었습니다.
그녀의 비극적인 죽음은 매년 선박 충돌로 2만 마리의 고래가 목숨을 잃는다는 사실을 여실히 보여줍니다.
(사진: 레이첼 무어 // 웹사이트 | 인스타그램 )
남극에서 이빨을 드러내는 표범물범 - 사진작가는
이를 누가 주인인지 상기시켜주는 지배력의 명확한 표현!이라고 묘사합니다.
(사진: James Ferrara // Instagram )
발정기 동안 붉은사슴 수사슴이 고개를 숙이고
있다.
(사진: 제이미 스마트 // 웹사이트 | 페이스북 | 인스타그램 )
인도네시아에서 촬영한 어린 깃털박쥐고기 사진.
느린 셔터 속도, 코를 찡그린 조명, 의도적인 카메라 팬닝을 사용하여 촬영했습니다.
(사진: Luis Arpa // Instagram | 사진작가 프로필 )
태양 채층과 로켓을 한 프레임에 담은 최초의 사진. 사진작가는 태양 망원경으로 촬영한 이 사진은 제가 아는 한, 현존하는 유일한 사진입니다.
수소 알파선에 담긴 태양을 담은 로켓 사진이죠. 라고 말합니다 . (사진:
앤드류 매카시 // 웹사이트 | 인스타그램 | X | 패트리온 | 틱톡 )
뉴질랜드 뱅크스 반도에서 포착된 오로라 오스트랄리스.
(사진: 카반 차이 // 웹사이트 | 페이스북 | 인스타그램 )
아이슬란드의 광활한 빙하 위에서 찍은 자화상.
(사진: Anna Isabella Christensen // 웹사이트 | 인스타그램 | 유튜브 )
경비행기에서 촬영한 뉴질랜드 아오라키/마운트쿡
국립공원의 높은 산에서 푸른 물과 푸른 빙하 강이 호수로 흘러드는 모습입니다.
물의 푸른색은 물속에서 발견되는 미세한 실트 입자 때문입니다.
(사진: 스튜어트 채프, 1839 어워드 수상 기념 사진 )
인간과 자연환경을 조화롭게 담은 독창적인 이미지
시리즈입니다.
(사진: Jeanne K. Simmons // 웹사이트 | 인스타그램 )
체코 남보헤미아 보드나니 인근에서 켈빈-헬름홀
파 구름을 만들어내는 놀라운 구름 현상. 사진작가는 계획한 건 아니었어요.
갑자기 일어난 일이죠. 하지만 이게 최고의 사진이라고 생각해요.
라고 말합니다.
(사진: 루카스 갈로 // 인스타그램 )
그린란드의 하얀 빙산과 대비되는 붉은 범선. (사진:
알베르트 드로스 // 웹사이트 | 인스타그램 | 페이스북 | 비핸스 )
현지에서 파라타라고 불리는 장완흉상어와 마주치는
순간. 그런 동물과 눈을 마주치는 것은 언제나 겸손함을 느끼게 합니다.
두려움을 떨쳐내고 그 자리를 교감으로 채워주죠. (사진: 시나 리터 // 웹사이트 | 인스타그램 )
남인도 정글에서 코끼리 상아 위에 앉아 있는 아름다운
순간. 사진작가는 한 시간 동안 그들과 함께 아름다운 순간들을 포착했는데, 그중에서도 가장 기억에 남는 순간은 마치 말없이 대화를 나누듯 코끼리 상아 위에 앉아 코끼리를 바라보는 모습이었습니다.
라고 말합니다.
(사진: 샤즈 정 // 웹사이트 | 페이스북 | 인스타그램 )
푸른 왜가리와 뱀의 장대한 싸움. (사진: 마르코스
로드리게스 // 웹사이트 | 인스타그램 )
수중 케이지 안에서 촬영한 백상아리 의 근접 사진입니다 . (사진: Euan Rannachan // 웹사이트 | 인스타그램 | 페이스북 )
장식용 나무 위에 거미줄이 드리워진 모습에 무지개가
굴절된 모습. (사진: Michael Friel // Flickr )
말레이시아 조명 예술가 준 옹 의 헤일로(Halo) . 이 장소 특정적 설치 작품은 대만 타이난에 있는 100년
된 옛 불교 사찰에 자리 잡고 있습니다.
(사진: 잔 웨이 신 // 인스타그램 )
빛으로 그림을 그리는 드론. 장시간
노출로 촬영한 이 사진은 하늘에 마치 천상의 베일이 드리워진 듯한 착시를 만들어냅니다.
(사진: 루벤 우 // 웹사이트 | 인스타그램 | 페이스북 )
해가 막 떠오르는 순간을 어안 렌즈로 포착한 물속의
해파리. (사진: 안토니오 베르트랑 레가스, 올해의 해양 사진작가 공모전 참여 // 인스타그램 )
밤에 찍은 모바일 사진, 우주로 가는 관문이라는
제목의 사진작가는 이렇게 말합니다.
지난번 아이슬란드 여행 때 북극광을 따라갔어요.
엄청난 오로라 폭풍이 몰아쳤는데, 처음으로 휴대폰으로 촬영해 보기로 했어요! 작은 기기를 손에 들고 하늘에서 펼쳐지는 아름다움을 더욱 생생하고 아름답게 볼 수 있어서 흥미로웠어요.
(사진: 사데크 하야티 // 웹사이트 | 인스타그램 )
예멘 소코트라 섬의 용혈수 숲 한가운데 홀로 우뚝
솟은 용나무 한 그루. 이 마지막 사진은 300장의 개별 노출로 구성되었습니다.
(사진: 올해의 천문 사진작가 대회 주최 벤자민 바라캇 // 웹사이트 | 인스타그램 )
Passé 라는 제목의 시리즈를 위한 발레리나들의 항공 사진. (사진: Brad Walls // 웹사이트 | Instagram )
중력을 거스르는 듯한 사진이 시적인 움직임으로
인체를 포착했습니다.
(사진: 마티유 포르겟 // 웹사이트 | 인스타그램 )
사진작가 협회 연례 공모전에서 신진 인재상을
수상한 잭 커리의 이 대담한 초상화는 그의 할머니 마가렛 커리(그가 갱스터 할머니라고 불렀던)가 레일 위에서 스케이트보드를 타는 모습을 담고 있습니다.
(사진: 잭 커리 // 웹사이트 | 인스타그램 )
버려진 감자튀김을 먹으려는 기회주의적인 비둘기들.
(사진: 벤 루카스 // 인스타그램 )
붉은 실이라는 제목의 시리즈에서
사랑과 연결의 시각화. 사진작가는 이렇게 설명합니다.
운명의 붉은 실에 대한 일본 전설에서 영감을 받아 다양한 배경과 국적의 커플, 가족, 형제자매, 친구들을 포착했습니다.
이 전설에 따르면, 보이지 않는 붉은 실이 시간, 장소, 상황에 관계없이 운명적으로 만날 사람들을 연결해 줍니다.
이 실은 늘어나거나 얽히더라도 결코 끊어지지 않으며, 우리를 서로 연결하는 끈을 상징합니다.
(사진: 엘리스카 스카이 // 웹사이트 | 인스타그램 )
Porcelain Petals라는 제목의 이 이미지는 킨츠기 와 도자기의 모티프를 결합한 작품입니다.
이 구도로 나탈리 보론초프는 2025 국제 사진 어워드에서 올해의 광고 사진작가(비전문) 상을 수상했습니다.
(사진: 나탈리 보론초프 // 인스타그램 )
젊은 남성의 옆모습을 담은 눈길을 사로잡는 미니멀리스트
초상화. (사진: Bruin Feskens // 웹사이트 | 인스타그램 )
“이 프로젝트['The Journey Home']는 남아프리카
공화국 케이프타운의 갱단이 지배하는 케이프 플랫츠 지역의 젊은이들의 격동적인 사회생활을 탐구합니다.
”(사진: 로라 패낵 // 웹사이트 | 인스타그램 )
사진작가 닉 브란트는 The Day May Break
시리즈의 네 번째 장에서 2013년부터 2015년 사이에 자국에서 전쟁을 피해 피난 온 시리아 난민들을 사진으로 담았습니다.
(사진: 닉 브란트 // 웹사이트 | 인스타그램 )
구멍이 난 나무줄기에 앉아 있는 딱따구리. 구멍에는
도토리가 가득하다.
(사진: 타린 M. 웨어 // 인스타그램 )
인도의 힌두교 순례 축제인 마하쿰브의 항공 사진입니다.
이 축제는 종종 세계 최대 규모의 종교 행사로 여겨집니다.
(사진: 사바드몬 아발라참베틸 // 웹사이트 | 인스타그램 )
홍콩의 화려한 농구 코트를 항공 사진으로 촬영했습니다.
(사진: 오스틴 벨 // 웹사이트 | 인스타그램 )
노르웨이 트롤퉁가 암석층에서 촬영된 놀라운 항공
사진, 제목은 어린 왕자입니다.
(사진: 앤드류 보드로프 // 웹사이트 | 페이스북 | 유튜브 )
아이슬란드 남부의 거대한 빙하 석호, 요쿨살론의
빙산. (사진: 루이스 빌라리뇨 // 웹사이트 | 인스타그램 | 페이스북 )
광활한 칼스배드 동굴 국립공원에 위치한 레추길라
동굴은 세계에서 가장 길고 정교한 동굴 중 하나로 손꼽히며, 놀라운 지형과 희귀 광물을 보유하고 있습니다.
(사진: 맥스 위샤크 // 웹사이트 | 인스타그램 )
물로 이루어진 산을 뛰어넘으려는 서퍼를 DJI Air
2S 드론으로 31m 상공에서 촬영했습니다.
(사진: Lorenzo Passalacqua // 웹사이트 | 인스타그램 )
아이오와 폭풍 세포(Iowa Storm Cell)라는
제목의 이 사진에 대해 사진작가는 바로 그런 폭풍 세포를 찾아 헤매던, 정말 정신없고 정신없는 하루였습니다.
정말 모험이었어요!라고 말합니다.
(사진: Ilene Meyers // 웹사이트 | 인스타그램 )
맹그로브 풍경이 멀리 도시 스카이라인과 대조를
이룹니다.
(사진: 아메드 바드완, 맹그로브 사진 어워드 제공 // 인스타그램 )
이 프로젝트는 제가 소중히 여기는 나라에
대한 진심 어린 헌사입니다.
모로코에서는 색깔을 단순히 보는 것이 아니라 경험하는 것입니다.
또한 제가 사랑하는 여인이 태어난 땅을 이해하고자 하는 매우 개인적인 여정이기도 합니다.
라고 사진작가는 설명합니다.
(사진: 니콜라 피오라반티 // 웹사이트 | 인스타그램 )
케냐의 영양 이동. (사진: 윌리엄 추아 // 웹사이트 | 인스타그램 )
노인과 젊은이의 관계를 묘사한 야외 사진. (사진: 아속 센굽타, reFocus 흑백 사진 공모전 참여 )
베트남에서 어망을 수리하는 여성들. 사진작가는
이 어망 수리는 그저 그런 것이 아니라, 대대로 이어져 온 인내와 기술의 예술입니다!라고 말합니다.
(사진: 다니엘 비네 가르시아 // 웹사이트 | 인스타그램 )
태양을 가장 높은 해상도로 관측한 사진입니다.
(사진: ESA & NASA/Solar Orbiter/EUI Team, E. Kraaikamp (ROB) ( CC BY-SA 3.0 IGO )
쌍둥이 빙하 강과 은하수. (
사진작가가 쿠바의 잊혀진 공간의 시대를 초월한 매력을 공개합니다
쿠바는 활기 넘치는 거리로 세계 여행객들을 끌어들였습니다.
화려하고 허물어져 가는 건물들과 클래식카들이 과거의 흔적을 고스란히 간직하고 있습니다.
이스탄불에 거주하는 영국 사진작가 제임스 커윈은 최근 카리브해 국가인 쿠바를 방문하여 이제는 버려져 있는 식민지 시대 건물, 아르데코 양식의 극장, 그리고 시대를 초월한 쿠바의 정신을 담은 미드센추리 양식의 주택들의 아름다움을 포착했습니다.
그의 연작 ' Time Suspended '는 쿠바의 매력과 역사의 무게를 동시에 담아냅니다.
커윈은 2013년부터 버려진 건물과 역사적 장소에 매료되었습니다.
대부분의 사람들이 간과했던 공간에 매료되었기 때문입니다.
그는 My Modern Met과의 인터뷰에서 영국의 버려진 공장과 유서 깊은 건물들을 탐험하면서 얼마나 많은 역사가 눈에 보이지 않게 숨겨져 있는지
깨달았습니다.
라고 말했습니다.
저는 도시와 마을 곳곳에 숨겨진 건축물들을 찾는 것을 좋아합니다.
매일 지나치면서도 알아차리지 못할 그런 곳들 말이죠.
그 이후로 커윈은 전 세계를 여행하며 지나간 시대의 독특한 건축 풍경을 포착해 왔습니다.
잊혀진 이 내부와 외관에는 이야기, 질감, 그리고 시간의 층위가 담겨 있습니다.
그것들이 사라지기 전에 제가 포착하고 싶은 것이죠.라고 그는 말합니다.
12년이
지난 지금, 저는 베오그라드의 입구부터 오만의 유령 도시까지 모든 것을 찾아다닙니다.
커윈은 쿠바에서 총 28일을 보내며 섬 곳곳을 여행하며 그 지역에서 가장 매혹적인 잊혀진 공간들을 포착했습니다.
커윈은 쿠바는 독특한 분위기를 가지고 있어요.
라고 말합니다.
수십 년 동안 훼손되지 않은 채 남아 있는 건물들이 많고, 색채와 역사가 겹겹이
쌓여 있죠. 시간이 아바나를 비롯해 시엔푸에고스, 트리니다드 같은 작은 마을들을 어떻게 만들어왔는지 궁금했어요.
건축과 일상생활이 놀라운 방식으로 겹치는 곳이죠. 사진작가는 이 섬은 간과되었던 유산과 도시 유적에 대한 제 작업의 자연스러운 연장선처럼 느껴졌어요.
라고 덧붙입니다.
여행 중 가장 기억에 남는 순간들을 떠올리며 커윈은 이렇게 말합니다.
시엔푸에고스의 한때 웅장했던 궁전 안에서 사진을 찍는 것은 잊을 수 없는 경험이었습니다.
또한 해안가에 있는 버려진 스파 단지에서 시간을 보냈는데, 그곳은 자연이 계단식 밭을 되찾기 시작한 곳이었습니다.
한편, 아바나에서 한 열정적인 사진작가는 몇 주 동안 옛 아르데코 아파트 단지의 식민지 시대 내부를 탐험하려 애썼습니다.
나선형 계단, 대리석 바닥, 그리고 화려한 창문들은 건물의 과거를 엿볼 수 있는 매혹적인 공간을 선사합니다.
커윈은 이렇게 회상합니다.
새벽과
해질녘의 거리, 자동차, 건물 외벽, 그리고 빛바랜 페인트가 뒤섞인 풍경은 제게 가장 기억에 남는 사진들을 선사했습니다.
이 사진작가는 2월에 쿠바로 돌아와 사진 투어를 공동 진행할 계획입니다.
아래에서 그의 'Time
Suspended' 시리즈를 살펴보고, JamesKerwin 웹사이트 에서 그의
다채로운 포트폴리오를 더 자세히 살펴보세요 .
사진작가 제임스 커윈은 최근 쿠바를 방문하여 이제는 버려진 섬의 건물들이 간직한 아름다움을 포착했습니다.
그의 시리즈 ' Time Suspended '는 쿠바의 매력과 역사의 무게를 모두 포착했습니다.
나선형 계단, 대리석 바닥, 화려한 창문은 각 건물의 과거를 엿볼 수 있는 흥미로운 기회를 제공합니다.
제임스 커윈
새로운 전시회는 댄스홀의 기쁨, 아름다움, 그리고 필요성을 기념합니다.
2007년, <토요일 밤>
제프리 홀더는 어린 시절부터 고향 트리니다드 곳곳에 흩어져 있는 댄스홀에 매료되었습니다.
그의 부모님은 이 댄스홀 중 한 곳에서 만났고, 그는 스무 살에 형이 운영하는 댄스팀을 이끌었으며, 1953년 뉴욕으로 이주한 후에도 여전히 그 열정을 잃지 않았습니다.
아마도 홀더의 댄스홀 그림만큼 그의
깊은 사랑을 잘 보여주는 작품은 없을 것입니다.
그의 많은 작품들은 현재 맨해튼 제임스 푸엔테스 갤러리 에 전시되어 있습니다.
《토요일 밤》 이라는 제목의 이 사후 전시는 댄스홀을 젊음과 공동체의 장소로 여깁니다.
전시에 등장하는 모든 그림은 마치 에너지로 가득 차 있으며, 이는 홀더의 표현력 넘치는 붓놀림, 대담한 색채 팔레트, 그리고 에칭 표면을 통해 포착됩니다.
예를
들어, 2007년에 제작된 동명의 작품 《토요일 밤》 은 한 남자와 한 여자가 팔다리를 허공에 뻗고 있는, 마치 자유롭게 움직이는 듯한 움직임을 보여줍니다.
캔버스 양옆에는 여러 인물들이 나란히 서 있는데, 각자가
똑같이 어지러운 듯하며, 거의 인상주의적인 선으로 표현되어 있습니다.
이 장면은 따뜻하고 리드미컬하며, 그림의 황금빛 액자 안에 거의 다 들어차 있습니다.
전시에 참여한 여러 작품들은 이러한 전반적인 방식을 따르지만, 순수한 운동감보다는 명상적인 느낌을 더하는 작품들도 있습니다.
1996년작 < 신발 >은 그러한 그림 중 하나로, 하이힐을 신는 여성들을 묘사하고 있습니다.
이 작품에서 올데의 선화는 격정적이기보다는 유연하며, 춤추기 전 휴식과 준비의 순간을 표현하고 있다는 점에서 적절한 변화입니다.
제목에서 알 수 있듯이 <춤을 기다리며>는 이러한 주제를 한 단계 더 발전시켜, 흐르는 듯한 드레스를 입고 댄스 플로어에서 차례를 기다리는 또 다른 여성들을 보여줍니다.
하지만 무엇보다도 <토요일 밤> 은 인종과 젠더에 대한 역동성과 움직임을 기념하는 작품입니다.
대부분의 그림은 여성을 중심으로 그려지며, 모든 작품은 흑인 공동체를 비롯한 유색인종이 댄스홀을 기쁨과 연대의 원천으로 삼아 어떻게 소통하는지 보여줍니다.
이는 홀더의 2006년작 < Getting Down/Showing
Off the Dip> 이나 <Untitled> 와 같은 관능적인 장면에서 가장 분명하게 드러납니다
. 두 그림 모두 남녀가 서로 가까이 붙어 춤을 추며, 음악의 박자에 맞춰 몸을 흔들며 서로를 껴안는 친밀함을 생생하게 보여줍니다.
이 작품들 전체를 살펴보면, 홀더가 춤과 뉴욕의 문화적 풍경에 보낸 러브레터와 같습니다.
그림 외에도 홀더는 춤에 대한 애정을 다른 방식으로도 표현했습니다.
그는 앨빈 에일리 아메리칸 댄스 시어터(Alvin Ailey American Dance Theater)의 의상과 안무를
디자인했고, 다운타운에 있는 그의 로프트는 앨리스 닐, 프랜시스 베이컨, 레나 혼 등 지역 예술가들을 위한 살롱으로 활용되었습니다.
<새터데이 나이트>에 담긴 모든 것은 그 어느 때보다 필요한 열정으로 빛납니다.
제프리 홀더: 토요일 밤 은 현재 제임스 푸엔테스 갤러리에서 2026년
1월 10일까지 전시 중입니다.
제프리 홀더의 활기찬 그림은 댄스홀을 특히 흑인과 소외 계층을 위한 활력, 연대, 기쁨의 장소로 찬양합니다.
“신발,” 1996년.
제목 없음, 2006년.
“댄스 홀,” 2008–11.
댄스 홀, 세부 묘사, 2008-11년.
“춤을 기다리며,” 2001년.
이러한 역동적인 작품들은 제프리 홀더: 토요일 밤 에 한데 모여 있으며 , 현재 뉴욕의 제임스 푸엔테스 갤러리에서 2026년 1월 10일까지 전시됩니다.
1998년, <토요일 밤>
“떨어지다 / 딥을 보여주다”, 1990년대.
1994년 제임스 푸엔테스 갤러리에서 열린
Girls Stepping Out 전시 전경.
제목 없음, 1990년대 중반.
스트리퍼, 1980년.
전시 정보 :
Geoffrey Holder 2025년 11월 8일
토요일 밤
– 2026년 1월 10일
James Fuentes Gallery
52 White St., New York, NY
아프리카의 유산, 정체성, 회복력을 기념하는
감동적인 초상화를 그리는 예술가 [인터뷰]
자기애 I, 린넨에 유채, 2024년.
다른 예술 형태와 비교했을 때, 초상화는 가장 친밀한 예술 형태 중 하나라고 할 수 있습니다.
초상화는 예술가와 대상
사이에 일정 수준의 이해, 신뢰, 그리고 상호성을 요구하며, 숙련된 손길 아래 완성된 작품에는 이러한 상호성이 반영되는 경우가 많습니다.
오시메 고드스탠드는 이러한 상호 작용을 자신의 작업 전반에 걸쳐 추구합니다.
갓스탠드의 그림은 무엇보다도 대상을 위해 존재한다는 것을 언뜻 보면 알 수 있습니다.
나이지리아 출신의 이 작가는 다양한 사색에 잠긴 여성들을
자주 묘사하는데, 그들의 표정과 몸짓은 너무나 의도적이어서 그들의 성격이 곧바로 드러납니다.
화려한 질감과 선명한 색채로 표현된 이 그림들은 마치 캔버스 너머에서 우리에게 말을 거는 듯한 느낌을 줍니다.
Godstand에게 있어 이것이 바로 핵심입니다.
각 그림은 그 안에 등장하는 인물의 목소리로 기능하며, 하나의 작품 안에 개인적 역사와 공동체적 역사를
모두 담아냅니다.
저는 제 예술을 저 자신과 감정을 표현할 수 없는 모든 사람을 위한 목소리로 보고, 시간을 초월하는 대화에 참여하는 방식으로 여깁니다.
라고
예술가는 설명합니다.
현대 아프리카 예술가라는 그의 입지를 고려할 때, 이러한 주제는 갓스탠드에게 특히 두드러집니다.
그는 작품 전반에 걸쳐 아프리카뿐 아니라 디아스포라와
그 너머의 흑인 공동체의 회복력, 유산, 그리고 문화를 강조합니다.
흑인 문화, 아프리카 역사는 언제나 표현에 관한 것이었고, 침묵 속에서도 말할 방법을 찾는 것에 관한 것이었습니다.
라고 갓스탠드는 덧붙인다.
그것이 바로 제 작품이 하려는 것입니다.
My Modern Met에서는 오시메 갓스탠드와 그의 창작 활동과 주제적 토대에 대해 이야기를 나눌 기회를 가졌습니다.
작가와의 단독 인터뷰를 지금 바로
확인하세요.
고독 I, 린넨에 유채, 2023년.
“CMS 1n 9ths,” 카드에 그린 유화, 2023년.
원래 그림 그리는 것을 주요 매체로 삼게 된 계기는 무엇이었나요?
그리고 세월이 흐르면서 개인적인 스타일이 어떻게 변화했나요?
일이 어떻게 돌아가는지 참 재밌네요.
사실 화가가 되겠다고는 생각도 못 했어요.
음악이 첫사랑이었는데, 중학교 때 정식 미술 수업도 없이 그냥
그림만 그렸어요.
마치 제 안의 무언가가 밖으로 나와야 하는 것 같았죠. 마침내 미술을 공부할 기회가 생겼을 때, 딱 맞아떨어졌어요.
특히 그림은 제가 느끼는 것, 제 주변 세상에서 보고 있는 것을 표현하는 데 딱 맞는 방법이라고 생각했어요.
처음에는 제 스타일이 좀 더 직설적이었던 것 같아요.
어쩌면 닮은꼴을 만드는 데 좀 더 집중했던 것 같지만, 시간이 지나면서 확실히 발전했죠. 단순히
사물의 겉모습을 그리는 게 아니라, 그 사물의 느낌을 포착하는 것이 중요하다는 걸 깨닫기 시작했어요.
그때부터 흐릿한 배경을 실험하고, 용매와 다양한 기법을 사용해 더욱 분위기 있는 느낌을 만들어내기 시작했죠. 숨겨진 감정, 말로 표현하지 못한 감정들이 온전히 드러날 수 있는 공간을 만들고 싶었어요.
복잡한 구도에도 더 익숙해졌고, 더 큰 캔버스를 다루게 되었습니다.
마치 그림 속에 온전한 세계, 모든 감정과 이야기가 공존할 수 있는 공간을 만들어내는
것 같습니다.
제가 포착하려는 감정의 강렬함을 온전히 전달하기 위해 색채 또한 더욱 생생하고 표현력이 풍부해졌습니다.
정말 긴 여정이었습니다.
제 스타일은 인간 경험의 본질을 포착하고, 종종 말로 표현되지 않는 감정에 목소리를 부여하는 데 더 중점을 두게 되었다고
생각합니다.
공감과 소통, 그리고 우리 모두가 공유하는 인간성의 아름다움과 복잡성을 인식할 수 있는 공간을 만드는 것입니다.
평화 찾기, 린넨에 유채, 2024년.
장미, 리넨에 유채, 2024년.
당신과 당신이 그리는 주제 사이에는 어떤 관계가 있나요?
오랜 세월 동안 대화와 상호작용을 통해 저는 모든 사람이 자신의 의견을 들려주고 싶어하며, 자신의 감정을 표현할 기회를 원한다는 것을 깨달았습니다.
하지만 아무도 진심으로 들어주지 않고, 모두가 너무 바빠서 진정으로 들을 시간이 없는 것 같습니다.
저는 제 예술을 저 자신과 자신의 감정을 표현할 수 없는 모든 이들을 위한 목소리이자, 시간을 초월하는 대화에 참여하는 방식으로 생각합니다.
저는
개인들의 매력적인 이야기를 엮어내며, 그들이 자신의 정체성과 역사를 받아들이고, 어떤 상황에서도 자신의 깊은 아름다움을 항상 인정하도록 격려합니다.
고독 III, 린넨에 유채, 2024년.
라고스 섬 cms, 리넨에 유채, 2023년.
여러분이 계속해서 다시 보는 시각적 주제가 있나요?
제 작업을 떠올려 보면, 어떤 일들이 반복되는 게 참 재밌어요.
제 예술은 몇 가지 핵심적인 시각적 요소로 계속 돌아가는 것 같아요.
우선: 감정 상태. 그게 핵심이잖아요, 그렇죠? 그 복잡하고 말로 표현되지 않은 감정들을 포착하려고 노력하는 거죠. 마치 사람들이 어떻게 느끼는지, 그리고
제 삶과 주변 환경에 대해 이야기하는 방식에 끊임없이 끌리는 것 같아요.
제 그림은 라고스 섬의 음울한 도시 풍경부터 인물 초상화, 특히 여성의 초상까지 다양합니다.
이 초상화들은 대형 리넨 표면과 하드카드에 그려집니다.
저는 항상 이런 이야기들을 들려줍니다.
아시죠? 사람들, 그들의 고난, 그리고 아름다움에 대한 이야기 말입니다.
제 주변 환경과 제 주변 사람들, 특히 결국 좋은 친구가 되는 낯선 사람들은 제 작품에서 큰 부분을 차지합니다.
분위기 있고 흐릿한 배경을 활용하는 것도 있어요.
온갖 기법을 동원해서 몽환적이고 거의 흐릿한 공간을 만들어내죠. 마치 캔버스에 제 감정을 쏟아붓는
듯한 느낌이 들어요.
물론, 생생하고 분위기 있는 색채도 있죠. 유화 물감이 이렇게 풍부하고 강렬한 색조를 만들어내는 방식이 정말 좋아요.
마치 그 자체로 생명력을 가진
것 같아요.
제가 계속 되돌아가는 부분들이죠. 마치 제 예술적 DNA의 일부인 것 같아요.
우정의 결속 II, 리넨에 유화, 2024년.
자기애 II, 린넨에 유채, 2024년.
일요일 아침, 카드에 그린 유화, 2024년.
현대 아프리카 예술가가 된다는 것은 무엇을 의미하며, 귀하의
작업은 더 광범위한 아프리카 예술계와 문화와 어떻게 관련이 있습니까?
현대 아프리카 예술가가 된다는 게 어떤 의미인지 생각해 보면, 어떤 꼬리표나 틀에 갇히는 게 아니에요.
오히려 어떤 무게와 책임을 지는 게 중요하죠.
아시잖아요? 우리에게는 들려주고 싶은 이야기가 있어요.
늘 들려주지 못했던 이야기들이죠.
생각해 보세요.
흑인 문화, 아프리카 역사는 항상 표현의 문제였고, 침묵 속에서도 말할 방법을 찾는 문제였습니다.
제 작업이 바로 그것입니다.
사람들이 억눌러 온 감정, 갈등, 의심, 그리고 인정받고자 하는 갈망을 담아내고자 합니다.
우리 모두 공유하는 부분이지만, 역사의 무게, 그리고 우리를 짓누르려는 사회적 압력에 맞설 때는 그 느낌이 다르게 다가옵니다.
우리는 항상 예술을 통해 우리의 이야기를 전하고, 목소리를 내기 위해 싸워왔습니다.
노예제 시대에 암호화된 메시지를 전달했던 영가부터 시민권 시대에
부상했던 벽화까지, 예술은 언제나 저항하고 우리의 이야기를 되찾는 방식이었습니다.
제 작품은 그 이야기의 또 다른 장일 뿐입니다.
저는 우리의 고난 속에 숨겨진 아름다움을 보여주고, 우리의 역사, 정체성, 그리고 환경이 기념해야 할 소중한 가치임을 일깨워주고 싶습니다.
우리는
가장 힘든 시기에도 아름다움을 찾아낸 회복력의 유산을 가지고 있습니다.
바로 그것이 제가 제 예술에 반영하고 싶은 것입니다.
저는 생동감 넘치는 스타일을 믹스매치하고 색상을 사용합니다.
우리 문화가 바로 그런 것이기 때문입니다.
모든 것이 뒤섞이고 끊임없이 진화하는
것이죠. 사람들과 인간적인 차원에서 소통하는 것뿐만 아니라, 우리가 지닌 특별한 경험들을 인정하는 것도 중요합니다.
예술을 통해 진실을 말하고, 치유하고, 영감을 주는 오랜 전통의 일부가 되는 것입니다.
고독 II, 린넨에 유채, 2024년.
최근 몇 년 동안 그린 그림 중에 가장 좋아하는 그림은 무엇이며,
그것들이 당신의 전반적인 작업에서 어떤 모범을 보이는가요?
최근 작품 몇 가지를 떠올려보면, 몇몇 작품이 정말 눈에 띄고, 제가 하려는 일의 핵심을 잘 포착한 것 같습니다.
먼저, <솔리튜드> 가 있습니다 . 고요하고 내면적인 공간에 깊이 빠져든 작품입니다.
단순히 혼자 있는 것이 아니라, 말로 표현되지 않은
감정의 무게, 붐비는 방 안에서도 보이지 않는 느낌에 대한 이야기입니다.
인물과 그 고립감에 더욱 집중하기 위해 배경을 흐리게 처리했습니다.
내면의 갈등을 가시화하고, 우리가 흔히 억누르는 감정에 얼굴을 부여하려는 제 노력의 좋은 예입니다.
레이디 샤카라(Lady Shakara, 자만심이 강한 여인) 도 있습니다 . 이 작품은 조금 색다르고, 더 생동감 넘치며, 사회적 압력에 대한 직접적인 논평을
담고 있습니다.
사회적 기대가 우리가 쓰는 가면을 어떻게 만들어내는지, 유쾌하면서도 날카로운 시선으로 바라봅니다.
대담한 색채와 자신감 넘치는 포즈는 사회적 기대에 얽매여 있을 때조차도 정체성의 강인함과 복잡성을 기리고자 합니다.
세상이 우리에게 다른 말을 하려 할 때조차도, 우리는 스스로를 정의하고, 우리의 역사와 아름다움을 받아들일 힘이 있음을 일깨워줍니다.
레드 스카프 시리즈는 서사에 대한 진정한 탐구였습니다.
이 시리즈의 각 작품은 연결의 상징인 레드 스카프를 통해 삶의 한 조각, 하나의 이야기를
들려줍니다.
이 시리즈는 그 매력적인 서사들을 엮어내고, 개인과 그들의 여정에 목소리를 부여하는 것을 목표로 합니다.
이 작품들은 모두 제 핵심 작업 방식을 반영합니다.
인간 경험의 감정적 깊이를 포착하고, 목소리 없는 이들에게 목소리를 부여하며, 우리 모두가 공
하는 인간성의 아름다움과 회복력을 기리는 것입니다.
이 모든 것은 더 깊은 차원에서 소통하고, 영혼에 공감하며 말을 건네는 예술을 창조하려는 끊임없는 대화의 일부입니다.
“레이디 샤카라 1세(자만심의 여인),” 리넨에 유채, 2022년.
순진한 시선, 린넨에 유채, 2023년.
사람들이 당신의 작품을 통해 무엇을 얻기를 바라시나요?
솔직히 말해서, 무엇보다도 사람들이 제 작품을 통해 자신을 발견하기를 바랍니다.
그들이, 특히 자신의 목소리가 중요하지 않다고 느끼는 사람들에게,
그들이 자신의 존재를 보고 자신의 이야기를 들어주는 느낌을 갖기를 바랍니다.
아시다시피, 우리의 유산, 흑인 문화 속에서 우리는 항상 자신의 이야기를 나누고 이야기할 방법을 찾아왔습니다.
비록 다른 사람들이 우리를 침묵시키려 했을 때조차도요.
저는 바로 그 길을 계속 이어가려고 노력하고 있습니다.
사람들이 용기를 얻고, 자신의 고난과 기쁨, 그리고 모든 이야기가 소중하다는 것을 느끼기를 바랍니다.
저는 그들이 우리의 일부였던 강인함과 아름다움,
우리가 간직한 유산을 알아차리기를 바랍니다.
제 예술을 통해 우리는 혼자가 아니라는 사실, 우리의 경험과 감정이 우리를 하나로 연결한다는 사실을 다시 한번 일깨워주고 싶습니다.
“레이디 샤카라 3세(자만심의 여인),” 리넨에 유채, 2024년.
올해 흥미로운 프로젝트가 있나요?
축하하고 싶은 마음(A Wish to Be Celebrated) 이라는 새 프로젝트가 정말 기대됩니다 . 이 프로젝트는 인정받고 인정받고 싶은 욕구를
깊이 있게 탐구하는 프로젝트인데, 이는 우리 공동체에 깊이 공감하는 부분이라고 생각합니다.
우리의 이야기와 기여가 인정받고 싶다는 그 갈망을 담아내는 프로젝트입니다.
영국 예술가의 관음주의적 유화 작품, 미국 생활의 조용한 친밀함을 드러낸다
영국 출신으로 뉴욕을 기반으로 활동하는 예술가 나이젤 반 위크는 타인의 사생활을 엿보며 마치 관음증에 걸린 듯한 느낌을 주는 은밀한 인간적 순간들을 포착합니다.
스스로를 스토리텔러이자 미국 사실주의자라고 칭하는 반 위크는 자신이 보는 것을 그림으로 표현하며, 미국 곳곳의 술집, 거리 모퉁이, 역, 해변에서 영감을 얻습니다.
솔직한 가족사진부터 기차를 기다리는 한 남자의 고요한 순간까지, 반 비크의 유화 작품 하나하나는 사람들이 일상생활 속에서 어떻게 살아가는지에 대한 그의 호기심을 담아냅니다.
빛을 포착하는 작가의 탁월한 능력을 통해 각각의 작품은 생동감을 더하며,
평범한 순간들을 영화 같은 캔버스로 탈바꿈시켜 관객이 그 뒤에 숨겨진 이야기를 상상하게 합니다.
반 비크의 아내 산드라는 현재 3만 7천 명이 넘는 팔로워를 보유한 그의 인스타그램 계정을 관리하고 있습니다 . 그의 팬 중 상당수는 밀레니얼 세대로, 그의 솔직하고 공감 가는 일상 묘사에 매료됩니다.
특히 'Q 트레인' 이라는 제목의
그림은 수천 번 공유되었습니다.
이 그림은 뉴욕 Q 트레인의 주황색 좌석에 웅크리고 있는 젊은 여성을 묘사하고 있습니다.
제가 <Q 트레인> 에서 해낸 것은 절망을 그려낸 것이었습니다.
그 절망을 완벽하게 포착했다고 생각합니다.
반 비크는 이렇게 밝혔습니다 . 우리 모두는 인생의 어느 시점에서 그런 상황에 처해 본 적이 있을 겁니다.
제가 제대로 표현했기 때문에 사람들은 특히 그 그림에 공감했습니다.
최근 반 윅과 연락하여 그의 작품과 창작 과정에 대해 자세히 알아보았습니다.
My Modern Met의 단독 인터뷰를 확인해 보세요.
당신에게 그림을 그릴 만한 가치가 있는 장면은 무엇입니까?
여러 가지가 있습니다.
하나는 빛이고, 다른 하나는 제가 보고 있는 것의 기하학입니다.
아니면 제 눈앞에 펼쳐지는 시나리오일 수도 있습니다.
예를 들어, 어느 날 저녁이 끝나갈 무렵 친구와 술집에서 술을 마시고 있었는데, 한 커플이 들어와
테이블에 앉았습니다.
그들은 취한 후 말다툼을 했습니다.
그 여자는 정신을 잃었습니다.
남자는 일어나 그녀를 테이블에 엎드려 놓았습니다.
저는 그날 밤을 결코 잊지 못했습니다.
몇 년 후, 스튜디오에 있던 제 모델은 그날 저녁을 떠올리게 하는 드레스를 입고 있었습니다.
저는 테이블 위에 시트를 덮고 모델에게 잠을 자라고 말했습니다.
그리고 제 그림, ' Closing Time'을 그리기 시작했습니다 .
회화로 돌아오기 전 10년 동안 네온 기반 키네틱 아트를 제작하셨는데요, 그 경험이 오늘날에도 작품에 어떤 영향을 미치고 있는지 설명해 주시겠어요?
그 경험은 제게 빛에 대한 이해와 그림을 그리는 이유를 주었습니다.
다시 그림을 그리기로 결심했을 때, 저는 빈 캔버스 앞에 앉아 무엇을 그릴지 고민했습니다.
어느 날 베르메르 에 대한 책을 펼쳤는데, 아이러니하게도 두 페이지 분량의 『회화의 알레고리』가 펼쳐져 있었습니다 . 베르메르가 빛을 그렸다는 것을 바로 알아챘습니다.
저는 키네틱 아트를 통해 빛을 이해했고, 그것이 제가 다시 그림으로 돌아가는 길이라는 것을 깨달았습니다.
다음 날, 저는 『치마』 라는 제목의 그림을 그리기 시작했습니다 .
어떤 예술가나 영화감독이 당신과 당신의 작업에 영감을 주었나요?
여러 가지가 있습니다.
이미지 제작은 간단할 수도 복잡할 수도 있지만, 결정적인 요소는 시각적으로 효과적이라는 것입니다.
저는 빛을 잘 활용하는 예술가들에 특히 관심이 있습니다.
예를 들어 19세기 허드슨파 화가들과 카라바조, 베르메르,
호퍼, 슬론과 같은 인상파 화가들은 모두 자연광을 사용하여 그림을 그렸습니다.
필름 누아르를 정말 좋아해서 제가 이미지를 그리는 방식에 영향을 미치기도 합니다.
로드아일랜드주 뉴포트에 영화관이 있는데, 그곳에 들어가면 마치 과거로 걸어 들어가는 듯한 느낌이 듭니다.
항상 그 영화를 그리고 싶었지만, 에드워드 호퍼 의 영화와 너무 비슷할 것 같아서 망설였습니다.
그러다가 누아르 조명을 사용해서 호퍼의 뉴욕 무비를 제 스타일로 그려보기로 했습니다 . 그 결과, 영화 'After
the Gig' 가 탄생했습니다 .
그림이 일반적으로 어떻게 발전하는지 설명해 주시겠습니까? 처음 떠오르는 영감에서 마지막 작품이 나올 때까지요.
저는 그림을 그리는 방식이 매우 유연합니다.
그림은 제 상상력에서 비롯되죠. 사진을 통해 사물의 모습이나 빛이 어떻게 비치는지 기억해 내고, 실제 모델을 사용하기도 하지만, 그림 속에 영원히 남는다는 보장은 없습니다.
끊임없이 재창조되니까요.
한번은 해변에서 카드놀이를 하는 아이들을 그렸는데, 지우자 인명구조대원이 등장했고, 그는 작품의 주제가 되었습니다.
몇 년 후, 아이들이 아직 작품 속에 있을 때 작업 중이던 그림의 사진을 보고, 아이들을 지우는 것이 실수였다는 것을 깨달았습니다.
그래서 다시 그림을 그리기 시작했고, < 해변의 하트>를 그렸습니다 .
그림 그리는 것과 함께 디지털 도구는 어떻게 활용하시나요?
매일 작업 종료 시에는 그림을 촬영합니다.
그런 다음 컴퓨터에 다운로드해서 작업을 계속합니다.
이렇게 하면 작업 속도가 빨라진다는 장점이 있습니다.
앞서 말씀드렸듯이 제 그림은 매우 유동적이고 유화는 마르는 데 시간이 걸립니다.
그래서
인물을 지우거나 추가하는 데 시간이 걸리지만, 포토샵이 있는 컴퓨터에서는 몇 초 만에 작업을 마칠 수 있고, 컴퓨터에서 수정한 내용은 다음 날 그림에 다시 채색합니다.
제 그림에서 두 번째로 중요한 요소는 바로 서사입니다.
저는 이야기꾼이고, 그 이야기들에 대해 열린 결말의 서사를 그려냅니다.
답을 주기보다는 질문을 던지는 것이죠. 그림을 그릴 때 종종 다양한 상황을 시도해 보는 것도 좋지만, 똑같은 이미지를
그리는 것은 좋지 않다고 생각합니다.
최근에는 AI를 활용해 스토리를 이어갈 수 있는 영상을 제작하고 있습니다.
정말 흥미로운 디지털 도구죠.
영국에서 태어나 런던에서 수학하셨지만, 미국 리얼리즘과 깊은 인연을 맺으셨습니다.
영국인이라는 사실이 당신의 예술 세계에 미국적 삶을 어떻게 반영하고 있나요?
저는 영국에서 키네틱 아티스트로 활동했습니다.
뉴욕에 살면서 본격적으로 그림을 그리기 시작했는데, 제가 그린 건 미국뿐이었습니다.
저는 미국 사실주의자입니다.
영국인이라는 것은 다른 나라 사람이라는 것보다 덜 중요합니다.
외부인으로서 바라보는 저는 다른 관점을 갖게 되었습니다.
저는 스스로를 영국인이라고 생각하지만, 영국 화가라고 생각하지는 않습니다.
저는 뉴욕에서 미국적인 이미지를 그리며
그림을 독학했습니다.
미국에 도착했을 때 저는 추상 표현주의가 미국 미술이라고 생각했습니다.
하지만 이제 저는 진정한 미국 미술은 사실주의 라고 믿습니다 . 미국 사실주의는 도시의 거친 모습을 그려라라고 주창했던 로버트 앙리가 20세기에 만들어낸 개념입니다.
사실주의는 미국 회화에서 항상
지배적인 위치를 차지해 왔으며, 특히 그 상징적인 이미지인 고독한 인물이 그렇습니다.
저도 그 점에 공감합니다.
당신은 작곡에서 우울함과 낙관주의 사이의 섬세한 균형을 어떻게 이루시나요?
제 그림에서는 균형이 중요하지만, 당신이 말하는 균형은 본능적인 것입니다.
저는 제 직감을 믿습니다.
며칠 전, 뉴욕에 처음 도착했을 때 제게 아이들을 그려달라고 부탁했던 친구들과 저녁 식사를 하게 되었습니다.
그때 저는 그들에게 완전히 낯선 사람이었습니다.
그림 속 소녀 중 한 명의 남편은 제가 그녀들을 포착했을 뿐만 아니라 그들 사이의 역동적인 관계까지 포착했다고 말하며, 어떻게 그렇게 했는지 물었습니다.
저는 저는 제가 보는 것을 그립니다.
라고 대답했습니다.
젊은 청중들이 온라인에서 당신의 작품을 발견한다는 것은 당신에게 어떤 의미인가요?
제 작품이 그들에게 말을 건넨다는 건 정말 만족스러운 일이에요.
제 작품이 오래갈 거라는 뜻이기도 하고요.
나이젤 반 위크(Nigel Van Wieck
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