예술가, 미세한 디테일로 가득한 초현실적 그림 창조

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"포로"

마르코 그라시는

 자신의 예술적 영향에 대해 질문받으면 종종 스푸마토를 그 중 하나로 꼽습니다.
색, 빛, 그림자를 점진적으로 혼합하는 이 기법은 르네상스 시대에 등장했으며, 당시의 특징인 흐릿하면서도 사실적인 캔버스에 잘 어울렸습니다.
그라시는 스푸마토에 매료되었지만, 그 스타일을 더욱 발전시켜 그 핵심 원리를 현대 미술 의 원리와 접목시키고자 했습니다 .
이렇게 그라시만의 시각 언어가 탄생했습니다.
이탈리아 출신의 이 예술가는 수년간 미세한 디테일로 가득 찬 기념비적인 그림들을 제작하며 놀라운 초현실주의를 구현해 왔습니다.
하지만 이러한 효과는 단순한 형상을 넘어, 그라시의 피부 표현 방식에서 가장 극명하게 드러납니다.
각 그림은 대상의 피부에서 느껴지는 부드러움과 생동감을 포착하는 동시에, 초현실적인 구도나 포즈를 통해 대상의 신체를 고양시킵니다.

그러한 그림 중 하나인 <숨쉬기> 는 꽃과 나뭇잎, 그리고 다른 푸른 식물들로 가득한 넓은 화단에 자리 잡은 한 여성을 묘사하고 있습니다.
인물과 그녀를 둘러싼 유기적인 형태는 모두 놀라울 정도로 사실적이지만, 그라시는 이 둘을 결합하여 더욱 몽환적인 분위기를 자아냅니다.


<에테리얼 엠브레이스> 는 이러한 현상의 또 다른 가슴 아픈 예입니다.
이 작품에서 한 여성이 탁자 위로 쓰러지고, 백조 한 마리가 그녀 옆에 앉아 날개를 활짝 펴고 그녀를 덮고 있습니다.
멀리서 보면 백조는 여성 위로 우뚝 솟아 위협적으로 보일 수 있지만, 자세히 들여다보면 동화에 등장하는 영리하고 다정한 동물들처럼 오히려 위안을 주는 듯합니다.

"저는 보통 상징적이고 초현실적인 요소를 활용합니다.
"라고 그라시는 My Modern Met과의 인터뷰에서 설명합니다.
"인간 본성을 탐구하는 다양한 이미지뿐만 아니라 인간과 자연 세계의 관계를 다루는 이미지도 그렸습니다.
"

마르코 그라시와 그의 창작적 영향, 작업 과정, 그리고 극사실주의와의 관계에 대해 이야기를 나눌 기회를 가졌습니다.
My Modern Met에서 마르코 그라시와 진행한 단독 인터뷰를 확인해 보세요.



"진화의 역설"에서 발췌한 내용입니다.

처음에 당신을 초현실주의 회화에 끌어들인 것은 무엇이었으며, 시간이 지나면서 어떻게 표현 기술을 발전시켰습니까?

처음부터 초현실주의적인 방식으로 그림을 그리는 것이 제 목표였다고는 할 수 없습니다.
그저 그렇게 된 거죠. 저는 항상 옛 거장들을 존경했고, 그들의 눈을 통해 현실을 보려고 노력했습니다.
르네상스 시대에 그들이 완성한 인물들의 부드러운 표현과 부드러운 전환을 포착하고 싶었습니다.
시간이 흐르면서 제 스타일은 오늘날의 모습으로 발전했습니다.
초현실주의와 상징주의의 요소들이 결합된 것입니다.



"진화의 역설"에서 발췌한 내용입니다.

당신의 그림은 어떤 과정을 거쳐 만들어지나요?

모든 것은 아이디어에서 시작됩니다.
제가 관심 있는 것, 걱정되는 것 말이죠. 그러면 아이디어가 구체화됩니다.
처음에는 흐릿하지만, 생각할수록 더욱 명확해집니다.
저는 먼저 여러 장의 스케치를 그리고, 구도, 모델의 포즈, 주변 환경, 그리고 색상 팔레트를 계획합니다.
그런 다음 캔버스를 준비합니다.
저는 캔버스에 직접 구도를 스케치하는 것을 선호합니다.
그런 다음 여러 겹의 색을 칠합니다.
많은 사람들이 디테일이 가장 중요하다고 생각하지만, 그 아래에 있는 디테일을 제대로 준비하지 않으면 어색해 보일 것입니다.



"진화의 역설."



"가상현실"의 세부 내용입니다.

당신은 어떻게 그림에서 그토록 미세한 수준의 세부 묘사를 구현하시나요?

저는 어느 정도 정확하고 꼼꼼하다고 생각합니다.
하지만 자연에 대한 관찰을 가장 중요한 측면으로 생각합니다.
빛은 표면에 어떻게 닿을까요? 색은 어떻게 변할까요? 그림자는 어떻게 움직일까요? 이러한 모든 질문은 인간의 형태를 연구할 때뿐만 아니라 아주 작은 디테일을 포착할 때도 마찬가지로 중요합니다.
같은 원리가 적용됩니다.



"영원한 포옹."



"Ethereal Embrace"의 일부입니다.

전통적인 스푸마토 기법은 무엇인가요? 당신의 작품에서 이 기법이 중요한 이유는 무엇이며, 어떻게 재해석하셨나요?

스푸마토는 르네상스 시대에 개발된 회화 기법입니다.
색채, 빛, 그림자를 매끄럽게 혼합하여 변화의 흔적을 거의 느낄 수 없고, 붓놀림도 거의 눈에 띄지 않습니다.
저는 스푸마토의 극히 미묘한 그라데이션, 차분한 색조, 그리고 섬세한 유약에 늘 감탄해 왔고, 자연스럽게 제 작품에 일찍부터 이러한 기법을 접목시켰습니다.

저는 스푸마토 기법이 그림에 초현실적인 부드러움과 세련미를 더할 수 있다고 믿습니다.
하지만 르네상스 작품들과 제 그림을 비교해 보면, 같은 기본 원리를 공유하고 있음에도 불구하고 상당히 다릅니다.
저는 스푸마토 기법을 단순히 넓은 전환뿐 아니라 피부의 모든 디테일과 미묘한 차이에도 적용합니다.
또한, 더 많은 색을 혼합한다고 생각합니다.
옛 거장들이 단일 색조의 그라데이션을 사용하는 반면, 제 접근법은 더욱 풍부한 색조의 상호작용을 포함합니다.



“비밀의 방.”

그림에서 여성을 자주 묘사하시는데, 예술적, 주제적 소재로서 여성에 대한 당신의 관심은 무엇인가요?

맞아요. 제가 지금까지 그린 인물상은 대부분 여성이었지만, 현재는 남성상을 담은 새로운 그림을 작업하고 있습니다.
모델을 찾을 때는 대개 명확한 생각을 하고 있습니다.
특정한 표정, 분위기, 그리고 제가 이전 프로젝트에서 추구했던 특징들을 다양한 여성 모델에게서 발견하는 것이죠. 게다가 저는 앤틱한 미학, 즉 시대를 초월하는 아름다움에 끌립니다.
꼭 현대적 트렌드에 얽매이지 않는 그런 아름다움 말입니다.



“자아의 가장자리.”

자신의 업무에 대해 잘 모르는 사람에게 몇 문장으로 자신의 업무를 설명하려면 어떻게 해야 할까요?

저는 주로 인물을 서정적이고 초현실적으로 묘사합니다.
사람을 있는 그대로 묘사하는 경우는 거의 없습니다.
주로 상징적이고 초현실적인 요소를 접목하여 팔다리를 도자기나 보석처럼 무생물로 변형합니다.
제 작품은 인간의 본성, 즉 자연 세계 및 비인간 동물과의 타락한 관계를 탐구합니다.



“진주조개.”



"진주조개"의 세부 묘사.



스튜디오에 있는 마르코 그라시.

사람들이 당신의 작품을 통해 무엇을 얻기를 바라시나요?

우선, 이 그림을 진심으로 즐기셨으면 좋겠습니다.
박물관이나 미술관에 가면 항상 이 그림에 푹 빠져 있거든요. 제 마음을 사로잡는 작품을 처음 마주하는 순간이 정말 행복합니다.
다른 분들도 제 그림 앞에 서서 저와 같은 감정을 느끼셨으면 좋겠습니다.

그 외에도 제가 깊이 공감하고 제 작품의 배경에는 종종 자리 잡고 있는 주제들이 많습니다.
저는 인간 본성을 탐구하는 다양한 이미지들을 그렸고, 인간과 자연 세계의 관계를 다루는 이미지들도 그렸습니다.
제 그림을 보는 것이 단순히 세부적인 부분만 관찰하는 것을 넘어서기를 바랍니다.
우리가 우리의 터전인 지구와 서로에게, 그리고 감각이 있음에도 불구하고 사물처럼 취급하는 다른 동물들에게 어떤 짓을 하고 있는지, 그리고 어쩌면 자기 성찰의 순간이 되기를 바랍니다.

마르코 그라시: 웹사이트

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2024년 올해의 클로즈업 사진작가 콘테스트에서 선정된 멋진 사진들


매혹적인 거미 사진부터 놀라운 점균류 관찰까지, 2024년 올해의 클로즈업 사진작가

 후보 명단은 우리가 흔히 보지 못하는 세상에 대한 통찰력을 제공합니다.
 클로즈업, 매크로, 마이크로 사진 부문에서 우수 작품을 선정하는 이 대회에는 전 세계 사진작가 11,500여 명이 출품했습니다.

결국, 카린 아이그너와 그렉 르쾨르 같은 수상 경력에 빛나는 사진작가들을 비롯하여 잡지 편집자, 환경 보호 활동가, 작가 등으로 구성된 전문가 심사위원단이 출품작 중 최고의 작품들을 엄선한 최종 후보작 목록을 만들었습니다.
부문별 수상작과 상위 100개 사진은 2025년 1월까지 발표되지 않지만, 이번 공모전은 이 최종 후보작 목록을 공개하며 우리에게 큰 기쁨을 선사했습니다.

동물과 거미류부터 친밀한 풍경과 식물까지, 총 11개 카테고리로 분류된 이 사진들은 세상을 바라보는 놀라운 방법을 제시합니다.
사진들을 보면 우리 눈앞에서 얼마나 많은 일들이 벌어지고 있는지, 그리고 자세히 들여다볼수록 발견할 것이 얼마나 많은지 새삼 깨닫게 됩니다.

아래로 스크롤하여 각 카테고리에서 가장 마음에 드는 이미지를 살펴보고, 공식 웹사이트

 로 이동하여 최종 선정된 모든 이미지를 확인하세요.

2024년 올해의 클로즈업 사진작가 콘테스트 최종 후보 명단이 공개되었습니다.



루이 기요의 "에메랄드 보석". 동물, 최종 후보



Benjamin Salb의 "진드기를 가진 모기 오우거". 곤충, 최종 후보 목록



요리스 베그터의 "Let There Bee Love". 곤충, 최종 후보



제이 버밍엄의 "솔방울 위의 버밍엄 균류". 균류 및 점액 곰팡이, 최종 후보작



요하네스 코토나우의 "치커리". 식물, 최종 후보 목록



안나 바일마키의 "육식동물". 식물, 최종 후보



제이미 홀의 "프레슐리". 무척추동물 초상화, 최종 후보


클로즈업, 매크로, 마이크로 사진 분야에서 뛰어난 작품을 선정하는 이 대회에는 11,500장이 넘는 사진이 출품되었습니다.


울리케 운터브루너의 <갯벌>. 친밀한 풍경, 후보 목록



팔 허만센의 "군주들". 나비와 잠자리, 최종 후보작



로랑 헤세망의 "경쟁에 키스하기". 거미류, 최종 후보



아달베르트 모이르지쉬의 "델리아스 나비 비늘". 나비와 잠자리, 최종 후보작



페렌츠 로린츠의 "더 매치". 언더워터, 최종 후보



페드로 하르케의 "왈라비 베이비". 동물, 최종 후보


수상자와 상위 100개 이미지는 2025년 1월에 발표됩니다.


아리스 콜로콘테스의 "에레수스 발케나에리우스". 무척추동물 초상화, 최종 후보작



오펙 리에파즈의 "Holding On". 수중 최후 후보



알로이스 피샤르의 "Tiny Host". 동물, 최종 후보



Jeannet van der Knijff의 "회복력". 친밀한 풍경, 후보 목록



토마스 바빈의 "줄무늬 오리나무 구멍뚫기벌레 일몰". 무척추동물 초상화, 최종 후보작



구스타프 파렌마크의 "욕실 손님". 거미류, 최종 후보



배리 웹의 "홀리 스파이크에 붙은 람프로데르마". 곰팡이 및 점균류, 최종 후보


CUPOTY:  웹사이트

  |  페이스북  |  인스타그램

My Modern Met에서는 CUPOTY의 사진을 게재하도록 허가했습니다.

 

오늘날에도 영향력을 행사하는 역대 최고의 화가 16인


메리 카사트, 빈센트 반 고흐, 파블로 피카소, 그리고 아르테미시아 젠틸레스키. (사진: (왼쪽 상단부터 시계 방향으로) (1) 위키  미디어 커먼즈

 (The Met) , 퍼블릭 도메인; (2)   위키미디어 커먼즈  (  The Art Institute of Chicago) , 퍼블릭 도메인; (3) 아르헨티나. 위키미디어 커먼즈(The Wikimedia Commons) , 퍼블릭 도메인; (4) 위키 미디어 커먼즈(The Wikimedia Commons ), 퍼블릭 도메인)
이 게시물에는 제휴 링크가 포함되어 있을 수 있습니다.
구매 시 My Modern Met에서 제휴 수수료를 받을 수 있습니다.
 자세한 내용은 공개 내용을 참조하십시오.

역사상 "최고"라는 말을 떠올릴 때, 그 진정한 의미는 무엇일까요? 무엇이 그 칭호를 얻게 하는 걸까요? 순수한 천재성과 혁신일까요? 아니면 노력과 인내일까요? 미술사에는 훌륭한 화가들이 많습니다.
하지만 그중에서도 다른 화가들보다 조금 더 뛰어나 평생을 두고도 남을 만한 유산을 남긴 화가들이 있습니다.


 
그렇다면 역사상 가장 위대한 화가는 누구일까요? 뛰어난 기교뿐 아니라, 이들은 모두 서구 문화에 큰 영향을 미친 중요한 공헌을 했습니다.
이들 중 상당수는 경계를 허물고 놀라운 혁신을 이루어냈기에 아방가르드로 여겨졌습니다.
대부분의 화가들은 생전에 이미 천재로 평가받으며 비할 데 없는 성공을 거두었지만, 사후에야 인정받는 화가들도 있었습니다.

역사상 가장 위대한 화가 중 한 명으로 꼽히려면 뛰어난 기교, 기발한 창의적 사고, 그리고 결단력이라는 특별한 조합을 갖춰야 합니다.
이러한 모든 자질이 어우러져 탄생한 뛰어난 천재 작품은, 처음 탄생한 지 수백 년이 지난 지금도 여전히 사람들의 마음을 사로잡고 있습니다.

우리는 이러한 모든 요소와 그들의 가장 유명한 걸작들을 고려하여 역사상 가장 위대한 화가 16인을 선정했습니다 . 이 목록에 포함되었으면 하는 이름들이 몇 명 있을지 모르지만, 선정된 예술가들이 우리가 아는 예술과 문화에 지울 수 없는 영향을 미쳤다는 것은 부인할 수 없습니다.


역대 최고의 화가 16인

목차 보기
 


레오나르도 다빈치(1452~1519)


레오나르도 다 빈치, '모나리자', ca. 1503-1516 (사진: Wikimedia Commons를

 통한 Galerie de tableaux en très haute définition )


성명
레오나르도 디 세르 피에로 다빈치
태어나다
1452년 4월 15일(이탈리아 빈치)
죽었다
1519년 5월 2일(프랑스 앙부아즈)
주목할만한 예술 작품
모나리자, 비트루비우스적 인간
움직임
이탈리아 르네상스



레오나르도 다빈치는

 매체를 실험 했을 뿐만 아니라 , 인상적인 구도를 만드는 다양한 방식을 혁신했습니다.
실제로 그의 시그니처인 삼각형 구도는 오늘날에도 여전히 사용되고 있으며, 시각적으로 가장 아름다운 그림 레이아웃 중 하나로 널리 인정받고 있습니다.
그는 또한 자신의 예술을 완성하기 위해 해부학 모형을 연구하는 것을 일찍부터 지지했는데, 당시에는 불법이었던 행위였습니다.

모나리자 , 최후의 만찬 등의 그림으로 전설적인 인물이기는 하지만  , 다빈치의 예술적 업적은 상대적으로 작았습니다.
 현재까지 남아 있는 작품 중 그의 작품으로 인정받는 작품은 17개뿐입니다

 .

유명한 예술 작품:  담비를 안은 여인

  (1489–91),  비트루비우스적 인간  (1492년경),  최후의 만찬  (1498),  모나리자  (1503–1516)

다빈치 작품을 감상하기 가장 좋은 장소:

 )
  • 산타 마리아 델레 그라치에 ( 티켓 구매
    •  )
  • 런던 국립 미술관 ( 가이드 투어 예약
    •  )


    미켈란젤로(1475–1564)


    미켈란젤로, "아담의 창조", 1511년경 (사진: 위키미디어 커먼즈를

     통한 퍼블릭 도메인 )


    성명
    미켈란젤로 디 로도비코 부오나로티 시모니
    태어나다
    1475년 3월 6일(이탈리아 카프레제)
    죽었다
    1564년 2월 18일(이탈리아, 로마)
    주목할만한 예술 작품
    시스티나 성당 천장화, 다비드
    움직임
    이탈리아 르네상스



    미켈란젤로는

     스스로를 조각가 로 여겼을지 모르지만 , 이 목록에 오른 것은 그의 진정한 천재성을 보여줍니다.
    미켈란젤로의 그림은 비교적 소수만 남아 있지만, 남아 있는 그림들은 세계 최고 수준의 작품으로 손꼽힙니다.
     프레스코화를 빠르게 마스터 하고 새로운 경지로 끌어올리는 그의 능력은 시스티나 성당 천장화와  최후의 심판 에서 여실히 드러나며 , 오늘날까지도 예술가들에게 영감을 주고 있습니다.

    유명한 예술 작품:  피에타

      (1498–99)  , 다비드  (1501–4),  시스티나 성당 천장화  (1508–12),  최후의 심판  (1536–1541)

    미켈란젤로를 감상하기 가장 좋은 장소:

     )
  • 우피지 미술관 ( 티켓 구매
    •  )



    라파엘(1482–1520)


    라파엘로, "자화상", 1504–1506 (사진: 위키미디어 커먼즈

     , 퍼블릭 도메인)


    성명
    라파엘로 산치오 다 우르비노
    태어나다
    1483년 3월 28일 또는 4월 6일(이탈리아 우르비노)
    죽었다
    1520년 4월 6일(이탈리아, 로마)
    주목할만한 예술 작품
    아테네 학당
    움직임
    이탈리아 르네상스



    라파엘로

     (1482~1520) 라는 이름으로 더 잘 알려진 라파엘로 산치오 다 우르비노는   오늘날 형태와 구성의 거장으로 추앙받고 있습니다.
    37세라는 젊은 나이에 세상을 떠났음에도 불구하고, 이탈리아의 건축가이자 화가였던 그는 방대한 작품을 남겼습니다.
    그는 주로  생생한  <풀밭의 성모>를 비롯한 성모 그림 과 철학을 기리는 대형 벽화 <아테네 학당>으로 유명합니다 .

    대표작: 성모   마리아의 결혼  (1504),  아테네 학당

      (1511),  변모  (1520)

    라파엘을 감상하기 가장 좋은 장소:

     )
  • 우피지 미술관 ( 티켓 구매
    •  )



    아르테미시아 젠틸레스키(1593~C. 1656)


    아르테미시아 젠틸레스키, "홀로페르네스를 살해하는 유디트", 1614-1620 (사진: Wikimedia Commons를

     통해 , 공개 도메인)


    성명
    아르테미시아 젠틸레스키
    태어나다
    1593년 7월 8일(이탈리아, 로마)
    죽었다
    1656년경(이탈리아 나폴리)
    주목할만한 예술 작품
    홀로페르네스를 죽이는 유디트
    움직임
    바로크



    바로크 회화

     의 거장인 그녀는 큰 성공을 거둔 최초의 여성 예술가 중 한 명이기도 합니다 . 그녀는 젊었고 15세라는 어린 나이에 이미 전문적인 예술 활동을 시작했습니다.
    17세기 동안 아르테미시아 젠틸레스키는 그녀만의 특징인 명암법 과 풍부한 색채가 돋보이는 역동적이고 강렬한 그림들을 탄생시켰습니다 . 그녀의 예술은 바로크 시대의 동료인 카라바조의 그늘에 가려지기도 했지만 , 시간이 흐르면서 그녀의 놀라운 기량과 여성 예술가들의 선구적인 역할은 인정받게 되었습니다.

    유명한 예술 작품:  홀로페르네스를 죽이는 유디트  (1614–1620)

    아르테미시아 젠틸레스키를 볼 수 있는 최고의 장소:

     )
  • 피티 궁전 ( 티켓 구매
    •  )
  • 카포디몬테 박물관 ( 티켓 구매
    •  )



    렘브란트(1606–1669)


    렘브란트, “니콜라스 툴프 박사의 해부학 강의”, 1632년 (사진: Wikimedia Commons를

     통한 Mauritshuis 온라인 카탈로그 )



    성명
    렘브란트 Harmenszoon van Rijn
    태어나다
    1606년 7월 15일(네덜란드 라이덴)
    죽었다
    1669년 10월 4일(네덜란드 암스테르담)
    주목할만한 예술 작품
    나이트 워치
    움직임
    바로크



    렘브란트 반 레인

     은 너무나 유명해서 오늘날까지도 우리는 이 네덜란드의 거장을 그의 이름으로 부릅니다.
    풍속화부터 풍경화, 위대한 역사화, 신화화에 이르기까지 모든 것을 그린 렘브란트는 17세기 대부분 동안 네덜란드 미술을 지배했습니다.
    그는 네덜란드 황금기의 가장 중요한 단체 초상화들을 제작했을 뿐만 아니라, 회화, 에칭, 드로잉 등 약  80점의 자화상을 남겼습니다  .

    그는 빛을 능숙하게 활용하고, 세련되고 표현력이 풍부한 회화 기법을 구사하여 오늘날까지도 미술 애호가들에게 사랑받는 화가입니다.
    그의 작품을 직접 보고 싶다면, 그의 초상화나 성경 삽화를 찾아보세요. 이 작품 들이 그의 작품 중 가장 높은 평가를 받고 있습니다.

    유명한 예술 작품:  툴프 박사의 해부학 강의

      (1632) ,  야간 순찰대  (1642)

    렘브란트를 감상하기 가장 좋은 장소:

     )
  • 메트로폴리탄 미술관 ( 티켓 구매
    •  )
  • 런던 국립 미술관 ( 가이드 투어 예약
    •  )


    JMW 터너(1775–1851)


    JMW 터너, “바다의 어부들”, 1796년 (사진: WikiArt

     , 퍼블릭 도메인)



    성명
    조셉 말로드 윌리엄 터너
    태어나다
    1775년 4월 23일(영국 런던)
    죽었다
    1851년 12월 19일(영국 첼시)
    주목할만한 예술 작품
    비, 증기, 그리고 속도 - 그레이트 웨스턴 철도
    움직임
    낭만주의



    영국 낭만주의

     화가 JMW 터너는 현대 미술의 선구자로 알려져 있습니다.
    전통적인 신고전주의 회화 에서 출발한 터너는 당시로서는 전례가 없던 사실주의를 작품에 담아내기 위해 노력했습니다.
    수천 점의 수채화 와 유화를 통해 그는 빛, 색채, 그리고 붓놀림을 실험했습니다.
    심지어 야외에서 유화를 그리기도 했는데, 이는 훗날 인상파 화가들 에게 영향을 미쳤습니다 .

    유명한 예술 작품: 비, 증기 그리고 속도 - 그레이트 웨스턴 철도 (1844)

    터너를 볼 수 있는 최고의 장소: 

     )
  • 예일 영국 미술 센터( 방문
    •  )
  • 피츠윌리엄 박물관( 방문
    •  )


    폴 세잔(1839–1906)



    폴 세잔, <생트빅투아르 산>, c. 1895년 (사진: Wiki Art를

     통해 공개 도메인)


    성명
    폴 세잔
    태어나다
    1839년 1월 19일 (프랑스 엑상프로방스)
    죽었다
    1906년 10월 22일(프랑스, 엑상프로방스)
    주목할만한 예술 작품
    몽 생트 빅투아르, 카드 플레이어들
    움직임
    후기인상주의




    후기인상파의 거장 폴 세잔은

     혁신적인 원근법, 생생한 색채 팔레트, 그리고 정교하게 배열된 기하학적 형태의 회화적 붓놀림 덕분에 오랫동안 명성을 떨쳐왔습니다.
    형태를 해체하고 대담한 색조를 선호하는 그의 성향은 종종 그를 입체주의의 선구자로 일컬었 습니다 .

    유명 예술 작품:  카드 플레이어  시리즈(1890년대 초),  목욕하는 사람들  시리즈(1898~1905)

    세잔을 감상하기 가장 좋은 장소:

     )
  • 현대 미술관(MoMA) ( 티켓 구매
    •  )
  • 에르미타주 박물관 ( 티켓 구매
    •  )


    클로드 모네(1840~1926)


    클로드 모네, "수련", 1906년 (사진: 시카고 미술관

     , 퍼블릭 도메인)


    성명
    오스카 클로드 모네
    태어나다
    1840년 11월 14일(프랑스 파리)
    죽었다
    1926년 12월 5일 (프랑스 지베르니)
    주목할만한 예술 작품
    수련 시리즈
    움직임
    인상주의



    클로드 모네는

     스튜디오에서 이젤을 꺼내 주변 환경으로 옮기는 것부터 시간과 빛에 대한 획기적인 연구까지, 아마도 모든 인상파 화가 중 가장 사랑받는 화가일 것입니다 . 실제로 그의 그림  <인상, 일출>  은 인상파 미술 운동 전체의 시발점으로 평가받고 있으며, 그의 수련 연작은 250점이 넘는 수련 연작으로 그의 영원한 유산을 이어가고 있습니다.

    대표작:  인상파, 일출

      ( 1872),  수련  연작  (1883~1926)

    모네를 감상하기 가장 좋은 장소:

     )
  • 보스턴 미술관 ( 티켓 구매
    •  )
  • Musée de l'Orangerie ( 티켓 구매
    •  )



    메리 카사트(1844–1936)


    메리 카사트 "아이의 목욕", 1893년. (사진: 위키 미디어 커먼즈

     , 퍼블릭 도메인)


    성명
    메리 스티븐슨 카사트
    태어나다
    1844년 5월 22일(미국 펜실베이니아주 앨러게니 시티)
    죽었다
    1926년 6월 14일 (프랑스 르 메닐 테리부스)
    주목할만한 예술 작품
    아이의 목욕
    움직임
    인상주의



    인상파 그룹의 일원으로서 메리 카사트는

     인상파 운동의 유산을 형성하는 데 중요한 역할을 했습니다.
    이 미국 예술가는 자유로운 붓놀림과 선명한 색채로 경계를 허물었고, 어머니와 아이들을 주제로 삼은 것으로 잘 알려져 있습니다.
    모성의 가장 평범한 순간까지도 보여주는 그녀의 친밀한 묘사는 당시로서는 혁명적이었으며, 그녀의 유산을 구축하고 미래 여성 예술가들의 길을 닦는 데 도움이 되었습니다.

    대표작:  파란 안락의자에 앉은 소녀  (1878),  아이의 목욕탕  (1893)

    메리 카사트를 볼 수 있는 최고의 장소:

     )
  • 워싱턴 DC 국립 미술관( 방문
    •  )
  • 브루클린 박물관 ( 티켓 구매
    •  )



    빈센트 반 고흐(1853~1890)


    빈센트 반 고흐, " 별이 빛나는 밤

     ", 1889 (사진: 위키 미디어 커먼즈 , 퍼블릭 도메인)



    성명
    빈센트 빌렘 반 고흐
    태어나다
    1853년 3월 30일(네덜란드 준데르트)
    죽었다
    1890년 7월 29일 (프랑스 오베르 쉬르 우아즈)
    주목할만한 예술 작품
    별이 빛나는 밤, 해바라기
    움직임
    후기인상주의



    오늘날 서양 미술계에서 가장 영향력 있는 화가 중 한 명으로 평가받지만, 빈센트 반 고흐는

     생전에 상업적으로 성공하지 못했습니다.
    그러나 20세기 초부터 그의 걸작들은 풍부한 감정 표현으로 높이 평가받아 왔습니다.
    극적인 붓놀림과 대담한 색채로 가득한 후기인상파 화가의 작품은 현대 미술로 나아가는 지침서입니다.

    반 고흐의 작품, 특히 '  별이 빛나는 밤 '은 오늘날에도 몰입형 미술 설치물

     로 기념되고 있으며 , 드론 기술을 사용하여 재현되고 있습니다 .

    유명한 예술 작품:  별이 빛나는 밤

      (1889),  해바라기  (1887)

    반 고흐를 감상하기 가장 좋은 장소:

     )
  • 현대 미술관(MoMA) ( 티켓 구매
    •  )
  • 오르세 미술관 ( 티켓 구매
    •  )



    구스타프 클림트(1862–1918)


    구스타프 클림트, "키스", 캔버스에 유화 및 금박, 1907–1908 (사진: Belvedere via Wikimedia Commons

     , 퍼블릭 도메인)


    성명
    구스타프 클림트
    태어나다
    1862년 7월 14일(오스트리아 바움가르텐)
    죽었다
    1918년 2월 6일(오스트리아, 비엔나)
    주목할만한 예술 작품
    키스
    움직임
    비엔나 분리파, 아르누보



    빈 분리주의 예술 운동( 아르누보

     와 관련됨 )의 지도자였던 오스트리아 화가 구스타프 클림트는 수천 점의 드로잉 과 방대한 회화 작품을 남겼습니다 . 그는 황금기 에 제작한 반짝이는 금박 작품들로 가장 잘 알려져 있습니다 .

    유명한 예술 작품: 키스

     (1907–8)

    구스타프 클림트를 감상하기 가장 좋은 장소:

     )
  • 분리주의 건물 ( 티켓 구매
    •  )
  • 노이에 갤러리( 방문
    •  )


    파블로 피카소(1881–1973)



    파블로 피카소, “Le Demoiselles d'Avignon,” 1907. (사진: MoMA

     via Wikimedia Commons , Fair Use)


    성명
    파블로 디에고 호세 프란시스코 데 파울라 후안 네포무세노 마리아 데 로스 레메디오스 치프리아노 데 라 산티시마 트리니다드 루이스 이 피카소
    태어나다
    1881년 10월 25일 (스페인 말라가)
    죽었다
    1973년 4월 8일(프랑스 무장)
    주목할만한 예술 작품
    레 드모아젤 다비뇽, 게르니카
    움직임
    입체파



    80년 동안 다양한 스타일

     과 2만 점이 넘는 작품을 선보인 파블로 피카소 는 의심할 여지 없이 서양 미술계에서 가장 널리 알려진 인물 중 한 명입니다.
     입체파를 시작한 그의 역할 만으로도 역사에 그의 위상을 굳건히 할 수 있지만, 피카소는 그 이상의 업적을 남겼습니다.
    그는 고전 미술을 어떻게 마스터하고, 또 어떻게 변형하여 새롭고 신선하며 현대적인 것으로 만들어낼 수 있는지 보여준 것으로 인정받고 있습니다.

    유명한 예술 작품:  Les Demoiselles d'Avignon

      (1907),  Guernica  (1937)

    피카소를 감상하기 가장 좋은 장소:

     )
  • 레이나 소피아 미술관 ( 티켓 구매
    •  )
  • 현대 미술관(MoMA) ( 티켓 구매
    •  )


    조지아 오키프(1887–1986)



    성명
    조지아 토토 오키프
    태어나다
    1887년 11월 15일(미국 위스콘신주 선프레리)
    죽었다
    1986년 3월 6일 (미국 뉴멕시코주 산타페)
    주목할만한 예술 작품
    소의 두개골: 빨간색, 흰색, 파란색
    움직임
    미국 모더니즘



    선구적인 예술가 조지아 오키프는

     창의적인 비전으로 기존의 회화 양식을 완전히 뒤엎었습니다.
     꽃 그림은 오랜 전통이지만, 오키프만큼 독창적인 작품을 만든 사람은 없었습니다.
    그녀는 추상화를 그린 최초의 미국 예술가 중 한 명일 뿐만 아니라, 꽃을 확대하여 묘사한 그녀의 작품은 역사 ​​속에서도 독보적인 위치를 지켜왔습니다.
    미국 남서부에서 영감을 받은 오키프의 폭발적인 작품은 현대 미술이 뉴욕시에 집중되던 시기에 미국의 새로운 지역에 대한 관심을 불러일으키는 데 기여했습니다.
    그녀는 뉴멕시코에 정착하여 그곳을 "처음 보는 순간, 바로 내 나라가 되었어요."라고 말했습니다.
    "이런 풍경은 전에 본 적이 없었지만, 제게 딱 맞았어요."

    유명 예술 작품:  Jimson Weed  (1936) , Sky Above Clouds IV  (1965)

    조지아 오키프를 볼 수 있는 최고의 장소:

     )
  • 워싱턴 DC 국립 미술관( 방문
    •  )
  • 조지아 오키프 박물관 ( 티켓 구매
    •  )


    타마라 데 렘피카(1898~1890)



    성명
    타마라 로살리아 구르윅-고르스카
    태어나다
    1898년 5월 16일(폴란드 바르샤바)
    죽었다
    1980년 3월 18일 (멕시코 쿠에르나바카)
    주목할만한 예술 작품
    Autoportrait(녹색 부가티를 탄 타마라)
    움직임
    아르데코



    폴란드 출신의 화가 타마라 데 렘피카

     는 20세기 초의 슈퍼스타였습니다.
    파리의 아방가르드 미술과 교류하며 당대 유행하던 인상주의에서 벗어나 자신만의 길을 개척하는 데 집중했습니다.
    그래픽적인 면모와 풍부하고 선명한 색채는 그녀를 아르데코 회화 의 선구자로 만들었고 , "붓을 든 남작부인"이라는 별명을 얻게 해 주었습니다.
    오늘날에도 그녀의 작품은 디자이너들에게 영감을 주며, 황금기를 상징합니다.

    유명한 예술 작품: 자화상(녹색 부가티를 탄 타마라) (1928)

    타마라 드 렘피카를 볼 수 있는 최고의 장소:

     )
  • 메트로폴리탄 미술관 ( 티켓 구매
    •  )
  • 국립 여성 예술 박물관 ( 티켓 구매
    •  )


    프리다 칼로(1907–1954)


    성명
    막달레나 카르멘 프리다 칼로
     이 칼데론
    태어나다
    1907년 7월 6일 (멕시코 멕시코시티 코요아칸)
    죽었다
    1954년 7월 13일 (멕시코 멕시코시티 코요아칸)
    주목할만한 예술 작품
    두 명의 프리다
    움직임
    초현실주의, 마법적 사실주의




    그녀의 매우 친밀한 자화상

     시리즈 와 그녀의 문화적 유산에 대한 포용은 프리다 칼로를 20세기 최고의 화가 중 한 명으로 만드는 몇 가지 요소에 불과합니다 . 오늘날 그녀는 대중문화의 아이콘이 되었지만, 이것이 그녀의 뛰어난 화가적 재능과 멕시코 문화를 더 많은 사람들에게 소개한 혁신을 가리는 것은 아닙니다.
    그녀의 매우 개인적인 자화상은 현대 예술가들에게 새로운 방향을 제시합니다.
    예술은 수집가나 후원자를 만족시키기보다는 내면의 감정을 표현하는 것이었습니다.

    대표작:  두 명의 프리다

      (1932),  가시 목걸이를 한 자화상, 벌새  (1940)

    프리다 칼로를 감상하기 가장 좋은 장소:

     )
  • 현대 미술관(MoMA) ( 티켓 구매
    •  )
  • Museo de Arte Moderno( 방문
    •  )


    잭슨 폴록(1912~1956)



    성명
    폴 잭슨 폴록
    태어나다
    1912년 1월 28일(와이오밍주 코디)
    죽었다
    1956년 8월 11일(뉴욕주 사라토가 스프링스)
    주목할만한 예술 작품
    가을 리듬
    움직임
    추상 표현주의



    미국 화가 잭슨 폴록은

     혁신적인 회화 기법으로 가장 잘 알려져 있습니다.
     추상 표현주의 화가인 그는 캔버스에 물감을 떨어뜨리는 방식으로 역동적이고 추상적인 예술 작품을 창조하여 미술계에 혁명을 일으켰습니다.
    폴록은 온몸의 힘을 이용해 캔버스에 물감을 튀기고 쏟아부으며, 화가의 작업 방식에 대한 전통적인 관념을 뒤집었습니다.
    그의 작업실에는 못이나 담배꽁초가 묻은 그림들이 종종 있었습니다.

    대표작 :  5번  (1948),  가을의 리듬: 30번 

     (1950)

    명태를 구경하기 가장 좋은 장소:

     )
  • 페기 구겐하임 컬렉션 ( 티켓 구매
    •  )
  • 테이트 모던 ( 방문
    •  )

    10가지 유명한 초상화와 그 그림에 영감을 준 실제 인물을 만나보세요


    요하네스 베르메르, "회화의 예술(세부)", 1666년경–1668년경 (사진: Google Arts & Culture

     via Wikimedia Commons , 퍼블릭 도메인)
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    좋아하는 주제

     의 범위와 관계없이  , 대부분의 예술가는 오랜 역사를 지닌 초상화 예술에 손을 대 왔습니다 . 인물 묘사로 정의되는 이 장르는 미술사에서 가장 영향력 있는 화가들 에 의해 실천되어 왔으며 , 세계적으로 유명한 초상화들을 다수 소장하게 되었습니다.

     
    이 작품들을 만든 작가들은 널리 알려져 있지만, 주제는 종종 덜 분명합니다.
    구스타프 클림트의 반짝이는 금빛     아델레 블로흐-바우어의 초상화를 포함한 많은 작품들은 모델의 신원을 암시하지만, 앙리 마티스의 기발한 작품인  모자를 쓴 여인  처럼 더 모호한 작품도 있습니다.
    두 작품 모두, 그림의 주제에 대해 더 많이 알게 되면 익숙하면서도     유명한 이 초상화들을 새로운 시각으로 바라볼 수 있습니다 .

    유명한 그림과 그 그림 속의 실제 사람들


    목차 보기
     

    아르놀피니 초상화 , 1434


    얀 반 에이크, “아르놀피니 초상화”, 1434년. (사진: Wikimedia Commons를

     통한 국립 미술관 , 공개 도메인)

    현재 벨기에에서 태어난 화가 얀 반 에이크는 유화 기법의 초창기 거장이었으며, 이를 활용하여 섬세하고 정교한 구도를 만들어냈습니다.
    그의 가장 두드러진 작품인 < 아르놀피니의 초상화>는

     북유럽 르네상스의 상징으로 남아 있으며, 당시의 다양한 미적 이상과 기술적 혁신을 집약적으로 보여줍니다.

    이 그림은 부유한 상인( 조반니 디 니콜라우 디 아르놀피니 로 추정됨 )과 그의 아내가 호화롭게 장식된 방에 있는 모습을 묘사하고 있는데, 방은 그들의 부유함을 과시합니다.
    여성의 머리 장식은 15세기 플랑드르 지역에서 미혼 여성만이 머리를 풀어헤쳤던 것을 생각하면, 두 사람이 실제로 부부임을 암시합니다.
    그러나 많은 사람들이 생각하는 것과는 달리, 아내는 임신한 것이 아니라 당시 관습대로 풍성한 오버드레스를 가슴에 걸치고 있을 뿐입니다.


    얀 반 에이크, <조반니 아르놀피니의 초상>, c. 1434(사진: Wikimedia Commons

     , 공개 도메인)


    모나리자 , 1503년경–1516년


    레오나르도 다빈치, '모나리자', c. 1503~1516년(사진: Wikimedia Commons를

     통한 Galerie de tableaux en très haute définition , 공개 도메인)

    미술사에서 가장 유명한 초상화로 손꼽히는 모나리자는

      이탈리아의 화가이자 발명가, 그리고 작가인 레오나르도 다빈치가 1506년에 그린 작품입니다.
    이 걸작은 로지아 (적어도 한쪽 면이 열린 방) 에 앉아 흐릿한 자연 풍경을 바라보는 여성의 반신 초상화입니다  . 이 인물은 보는 사람을 바라보며 부드럽게 미소 짓고 있습니다.

    그렇다면 모나리자는 누구일까요 ? 수 세기 동안 이 유명한 인물의 정체는 미스터리로 남아 있었습니다.
    그러나 2005년, 독일 학자들은 하이델베르크 사본 에서 그녀가 피렌체 귀족 출신의 리사  델 조콘도 (결혼 전 성 게라르디니)임을 분명히 보여주는 필사본을 발견했습니다.
    이 초상화는 상인이었던 그녀의 남편 프란체스코 조콘도의 의뢰로 제작되었습니다.

    파리 루브르 박물관

     에 걸려 있는 초상화가 가장 유명한 모나리자 이기는 하지만 , 유일한 모나리자는 아닙니다.
    수 세기 동안 수많은 예술가들이, 특히 프라도 미술관의 복제품인 레오나르도 다빈치의 제자들을 포함하여, 이제는 전설적인 존재가 된 리자 델 조콘도의 초상화를 직접 그려왔습니다.

    레오나르도 다빈치의 워크숍, “모나리자(프라도 카피)”, ca. 1503-1516 (사진: Museo del Prado

     via Wikimedia Commons Public Domain)


    진주 귀걸이를 한 소녀, 1665년경


    요하네스 베르메르, "진주 귀걸이를 한 소녀", 1665년경 (사진: Mauritshuis 

    , Wiki Art 제공 , 퍼블릭 도메인)

    1665년, 네덜란드 화가 요하네스 베르메르는 그의 가장 유명한 예술 작품인 진주 귀걸이를 한 소녀를

     그렸습니다 . 여러 미술사학자들은 이 그림에 묘사된 젊은 여성의 진짜 신원에 의문을 제기해 왔습니다.
    가장 유력한 이론 중 하나 는 문제의 여성이 화가의 장녀인 마리아 베르메르 라는 것입니다 . 그러나 여전히 이를 의심하는 학자들이 많습니다.
    이 유화는 종종 가장 중요한 초상화 중 하나로 여겨지지만, 엄밀히 말하면 초상화는 아닙니다.

    진주 귀걸이를 한 소녀는 사실 신원 미상의 인물을 연구하는 ' 트로니' 입니다 . 트로니는 특히 네덜란드 황금기에 인기가 많았는데, 당시 베르메르와 렘브란트

     같은 예술가들이  이름 없는 인물을 "초상화"에 사용하기 시작했습니다.
    이러한 인물들은 종종 화려한 옷을 입고 소박한 배경에 배치되어 익명성을 강조했습니다.

    진주 귀걸이를 한 소녀는 이러한 전통을 잘 보여주는 작품으로, 화려한 옷을 입은 정체불명의 소녀를 묘사하고 있습니다.
    미술사학자 아서 K. 휠록과 벤 브루스는 전시 카탈로그에서 "어둠 속에서 뿜어져 나오는 환영처럼, 그녀는 특정한 시간이나 장소에 속하지 않습니다.
    "라고 말합니다  . "수정처럼 맑은 

    푸른색 으로 머리를 감싸고 있는 이국적인 터번 위에는 어깨 뒤로 드리워진 강렬한 노란색 천이 드리워져 있어 신비로운 분위기를 자아냅니다.
    "


    메트로폴리탄 미술관의 렘브란트의 트로니



    회색과 검은색으로 구성된 배열, 1871년경


    제임스 애벗 맥닐 휘슬러, "회색과 검은색으로 구성된 배열 1번", 1871년(사진: Musée d'Orsay

     via Wikimedia Commons , 퍼블릭 도메인)

    미국의 예술가  제임스 애벗 맥닐 휘슬러는

     1871년에 그의 어머니 안나 맥닐 휘슬러 의 초상화인  Arrangement in Grey and Black No. 1을 그렸습니다   .

    노스캐롤라이나에서 태어난 안나 맥닐 휘슬러는 1830년대에 남편 조지 워싱턴 휘슬러와 함께 러시아로 이주했습니다.
    몇 년 후 남편이 사망하자 그녀는 영국으로 이주하여 아들 제임스와 함께 살았습니다.
    제임스는 바로 런던에 있는 그들의 집에서 회색 벽 앞에 앉아 있는 67세의 여성을 묘사한 이 유명한 초상화를 그렸습니다.

    이 작품은 흔히 ' 휘슬러의 어머니' 로만 불리지만 , 작가는  자신의 서정적인 회화적 접근 방식을 기리기 위해 '회색과 검은색의 편곡 1번' 이라는 제목을 붙였습니다.
    그는 1878년에 "음악이 소리의 시이듯, 회화는 시각의 시입니다.
    주제는 소리나 색채의 조화와는 아무런 상관이 없습니다.
    … 바로 그렇기 때문에 저는 제 작품을 편곡  과 화성이라고 부르고 싶습니다 ."라고 말했습니다.


    안나 마틸다 휘슬(사진 출처: 위키미디어 커먼즈

     , 퍼블릭 도메인)


    마담 X , 1884


    "마담 X(피에르 고트로 부인)", 존 싱어 사전트, 1884년. 현재 메트로폴리탄 미술관 소장. (사진: 위키미디어 커먼즈

     , 퍼블릭 도메인)

    미국 화가 존 싱어 사전트는

     1886년 이후 영국에 거주했던 영국과 미국의 부유층과 귀족들을 그린 초상화로 가장 잘 알려져 있습니다.
    미덕의 상징성을 강조하는 위풍당당한 귀족 초상화의 전통인 그랜드 매너(Grand Manner)에서 영감을 받았지만, 사전트의 초상화는 확연히 현대적인 감각을 지녔습니다.
    신고전주의적인 자세나 양식화된 경직성 대신, 사전트는 시간에 갇힌 자연스럽고 자연스러운 순간을 암시하는 포즈를 선택했습니다.

    그의 가장 유명한 초상화 <마담 X> 는 프랑스 은행가와 결혼하여 파리에 거주했던 미국 사교계 명사, 비르지니 아멜리 아베뇨 고트로 부인 을 묘사한 것입니다 . 고트로 본인은 이 그림에 만족했지만, 1884년 파리 살롱에 전시되었을 당시 도발적인 의상과 편안한 자세 때문에 논란을 불러일으켰습니다.

    사전트와 살롱은 고트로의 신원을 비밀로 유지하려 했지만, 결국 이 사실이 널리 알려지면서 화가와 모델 모두 이 그림에 큰 실망감을 느꼈습니다.
    사전트는 그 직후 파리를 떠나 런던으로 향했습니다.


    Virginie Amélie Avegno Gautreau의 사진, c. 1878년(사진: Wikimedia Commons

     , 공개 도메인)


    모자를 쓴 여자, 1905년


    앙리 마티스, "모자를 쓴 여인", 1905년 (사진: SFMOMA

     via Wikimedia Commons , 퍼블릭 도메인)

    1905년, 화가 앙리 마티스는

     아내 아멜리 의 다채색 초상화인 < 모자를 쓴 여인>을 그렸습니다 . 이 그림은 마티스의 표현주의적 회화 접근 방식과 야수파의 형성을 보여주는 것 외에도, 아멜리의 실제 직업인 모자 가게 주인의 모습을 유쾌하게 보여줍니다.

    아멜리는 오랫동안 남편의 매니저로 일했지만, 남편의 예술에 대한 집착은 결국 두 사람을 갈라놓았습니다.
    마티스는 아내에게 "당신을 진심으로 사랑합니다, 아가씨."라고 유명한 말을 남겼습니다.
    "하지만 저는 그림 그리는 것을 더 사랑할 거예요."

    두 사람은 40년이 넘는 결혼 생활을 마치고 1939년에 헤어졌지만, 그들의 낭만적인 관계와 업무 관계는 ' 모자를 쓴 여자 '와 마담 마티스가 등장하는 여러 다른 그림에 의해 불후의 명성을 얻었습니다 .


    아멜리 마티스(사진 출처: 위키미디어 커먼즈

     , 퍼블릭 도메인)


    거트루드 스타인의 초상화, 1905–6


    파블로 피카소, "거트루드 스타인의 초상화", 1905–1906 (사진 출처: Wikimedia Commons

     , 퍼블릭 도메인)

    20세기 초, 저명한 작가이자 미술품 수집가였던 거트루드 스타인은 파리 아방가르드의 선두에 있었습니다.
    1903년 캘리포니아 오클랜드에서 프랑스 수도 파리로 이주한 후, 그녀는 F. 스콧 피츠제럴드와 어니스트 헤밍웨이 같은 선구적인 작가부터 앙리 마티스

     와 파블로 피카소 같은 아방가르드 예술가에 이르기까지 주요 모더니스트 인물들과 긴밀히 협력했습니다.

    슈타인의 지원은 피카소

     에게 특히 중요했는데, 그는 그녀의 후원이 자신의 초기 성공 의 촉매제였다고 생각했습니다 . 1905년, 피카소는 장미 시대 의 전형적인 스타일로 슈타인의 초상화를 그렸습니다 . 장미 시대는 아프리카 가면과 이베리아 조각과 같은 "원시적인" 영향과 따뜻한 색채 팔레트가 특징인 시기였습니다.

    이 중요한 시기의 주요 특징들을 보여주는 것 외에도, <거트루드 스타인의 초상>은 스타인의 자신감 넘치는 태도와 자수성가한 위상을 생생하게 포착하여, 스타인 스스로도 매우 만족스러워했습니다.
    그녀는 자신의 저서 『피카소』에서 "저는 제 초상화에 만족했고, 지금도 만족합니다.
    저에게 초상화는 바로 저이고, 항상 저 자신을 보여주는 유일한 복제품입니다.
    "라고 썼습니다

     .

    칼 반 베첸, "미국 국기를 배경으로 한 거트루드 스타인의 초상화", 1935년 (사진: 위키미디어 커먼즈를

     통한 미국 의회 도서관 , 퍼블릭 도메인)



    아델레 블로흐-바우어의 초상, 1907년


    구스타프 클림트, "아델레 블로흐-바우어 1세", 1907 (사진: Neue Galerie

     via Wikimedia Commons , 퍼블릭 도메인)

    황금기를

     맞은 화가 구스타프 클림트는 캔버스에  금박을 입히기 시작했습니다 . 이 기념비적인 결정은 그의 가장 소중한 두 작품,  <키스>  와 <아델레 블로흐-바우어의 초상 I> 으로 이어졌습니다 .

    <아델레 블로흐-바우어의 초상 I> 은 빈 출신의 부유한 유대인 여성 아델레 블로흐-바우어를 주인공으로 합니다.
    블로흐-바우어는 예술가의 친구 또는 정부로 여겨졌으며, 예술의 후원자였습니다.
    그녀와 남편 페르디난트 블로흐-바우어는 400점이 넘는 예술 작품을 수집했는데, 그중에는  페르디난트가 시댁 식구들의 기념일 선물로 의뢰한 <아델레 블로흐-바우어의 초상>도 있습니다 .

    블로흐-바우어 부인의 초현실적인 묘사 외에도, 이 그림은 논란의 여지가 있는 역사로 유명합니다.
    그녀는 유언장에서 이 그림을 빈의 오스트리아 국립 미술관에 기증하라고 했지만, 그녀의 매제는 이를 "요청"으로 간주하여 가족에게 맡기기로 했습니다.
    이 그림은 종종 박물관과 미술관에 전시를 위해 대여되었지만, 1941년 나치에 의해 도난당했습니다.

    전쟁 후, 이 작품은 비엔나의 오스트리아 갤러리 벨베데레에 전시되었고, 2006년에 블로흐-바우어 가족에게 반환될 때까지 그곳에 있었습니다.
    몇 달 후, 그들은 이 작품을 1억 3,500만 달러에 판매했습니다.

    Getty Images에서 임베드


    아메리칸 고딕, 1930


    그랜트 우드, "아메리칸 고딕", 1930년 (사진: Google Arts & Culture

     via Wikimedia Commons , 퍼블릭 도메인)

    예술가 그랜트 우드는 1930년에 가장 유명한 현대 미국 그림 중 하나인 아메리칸 고딕을

     그렸습니다  . 많은 사람들이 엄숙해 보이는 남자와 여자가 ​​실제 농부와 그의 아내를 모델로 했다고 생각하지만, 이 상징적인 그림은 실제로는 예상치 못한 듀오를 그린 것입니다.
    바로 예술가의 여동생 낸 우드 그레이엄 과 치과 의사 바이런 맥키비입니다 . 

    우드는 아이오와주 엘든에 있는 "그리기에 아주 적합한" 네오 고딕 양식의 주택인 디블 하우스를

     보고 이 그림을 그리게 되었습니다 . 그는 배경을 설정하기 위해 "그 집에 살면 좋겠다고 생각했던 사람들"을 포함하기로 했습니다.
    그는 그림을 그릴 모델을 찾는 대신 그레이엄과 맥키비에게 모델을 부탁했습니다.
     

    우드는 이 두 인물이 아버지와 딸을 표현하도록 의도했지만, 보는 사람들의 해석에도 열려 있었습니다.
    "물론 이런 세부적인 묘사는 중요하지 않습니다.
    "라고 작가는 1941년 편지에 썼습니다.
    "중요한 것은 이 얼굴들이 미국 사회의 모습을 그대로 담고 있는지, 그리고 그 사회의 모습을 드러내고 있는지 여부입니다.
    "

    낸 우드 그레이엄과 바이런 맥키비 박사

    기념비적인 걸작: 미술사에서 가장 유명한 대형 회화 10점


    위대한 예술은 다양한 형태와 크기로 존재합니다.
    우뚝 솟은 조각품부터 작은 스케치까지, 예술가들은 미술사 전반에 걸쳐 크기를 자유자재로 다루는 작품들을 만들어 왔습니다.
    이러한 실험에 대한 관심은 매체와 장르를 가리지 않고 두드러지지만, 회화에서는 특히 그 역할이 컸습니다.
    말 그대로 말입니다.


    여기서는 보티첼리의 신화적 걸작부터 폴록의 아방가르드 "액션 페인팅"까지 가장 유명한 대형 캔버스 그림 중 일부를 살펴보겠습니다 .

    미술사에서 가장 큰 규모의 캔버스 그림 10점을 감상해 보세요.

    목차 보기
     

    산드로 보티첼리의 비너스의 탄생 (1483년경~1485년) — 5′ 8″ x 9′ 2″


    산드로 보티첼리, "비너스의 탄생", 1483년경–1485년 (사진: 위키미디어 커먼즈

     , 퍼블릭 도메인)

    1482년에서 1485년 사이에 제작된  <비너스의 탄생>은

     산드로 보티첼리 의 가장 유명한 작품 중 하나이자 가장 유명한 르네상스 그림 중 하나 입니다 . 신화를 담은 이 기념비적인 그림은 사랑과 아름다움의 로마 여신 비너스가 특유의 조개껍데기를 입고 바다에서 나오는 모습을 묘사하고 있습니다.

    우피지 미술관 보티첼리 룸의 관광객들 (사진: vvoe/Shutterstock 제공 )

    신화를 기반으로 한 주제( 르네상스 예술가들이

     일반적으로 탐구하지 않은 도상학의 한 장르) 외에도, 이 그림은 생동감 넘치는 색상 팔레트, 섬세한 붓놀림, 그리고 물론 5′ 8″ x 9′ 2″라는 규모로 유명합니다.


    Rembrandt Harmenszoon van Rijn의 The Night Watch (1642)— 11′ 11″ x 14′ 4″


    렘브란트, “야경”, 1642년 (사진: Rijks Museum

     via Wikimedia Commons , 공개 도메인)

    가장 중요한 고전 거장 중 한 명인 렘브란트

     의 작품에는 유명한 회화, 판화, 드로잉이 풍부하게 담겨 있습니다.
     프란스 바닝크 코크 대위가 지휘하는 제2지구 민병대 ( 야경 으로 더 잘 알려져 있음  ) 는 여전히 그의 가장 중요한 예술 작품으로 남아 있습니다.

    유명한 그림 '야경'을 감상하는 젊은이 (사진: Luboslay Tiles/Shutterstock 제공 )

    11′ 11″ x 14′ 4″ 크기에 민병대를 묘사한 이 작품은 렘브란트의 빛에 대한 연극적 처리와 대규모 초상화에 대한 그의 유명한 선호도를 모두 보여줍니다.



    Las Meninas (1656-1657) 디에고 벨라스케스 — 10′ 5″ x 9′ 1″


    디에고 벨라스케스, <라스 메니나스>, 1656~167년. (사진: Museo del Prado

     via Wikimedia Commons , 공개 도메인)

    스페인 화가  디에고 벨라스케스

      는 펠리페 4세의 궁정 화가였으며, 인물들의 외모와 개성을 생생하게 포착한 표현력 넘치는 초상화로 유명했습니다.
      그의 가장 존경받는 작품 중 하나인 라스 메니나스  는 오늘날까지도 그 복잡한 구도로 미술사학자들의 찬사를 받고 있습니다.
    이 작품에는 시녀들, 시녀, 호위병, 시종, 그리고 벨라스케스 본인까지, 인판타 마르가레테 테레사 공주를 둘러싼 모습이 그려져 있습니다.

    사진: rubiphoto/ Depositphotos


    수많은 인물들이 10′ 5″ x 9′ 1″ 캔버스에 예술적으로 배열되어 있습니다.


    외젠 들라크루아의 '민중을 이끄는 자유의 여신' (1830년) — 8′ 6″ x 10′ 8″


    외젠 들라크루아, "민중을 이끄는 자유의 여신", 1830년 (사진: 위키미디어 커먼즈를

     통한 1st-Art-Gallery , 퍼블릭 도메인)

    프랑스 화가

     외젠 들라크루아는 1830년에 자유의 여신이 민중을 이끄는 작품을 그렸습니다 . 제2차 프랑스 혁명에 영감을 받은 들라크루아는 왕의 축출을 기념하기 위해 이 작품을 그렸습니다.

    루브르 박물관의 사람들 (사진: Takashi Images/Shutterstock 제공 )

    2.4m x 3.7m 크기의 이 거대한 작품은 강렬한 인상을 주는 도상학과 상징적인 모티프를 특징으로 합니다.
    작가는 < 자유의 여신이 민중을 이끄는 >을 그리며 "현대적인 주제, 바리케이드 풍경을 그리기 시작했습니다.
    "라고 썼습니다.
    "조국을 위해 싸우지는 않았지만, 적어도 조국을 위해 그림을 그렸습니다.
    "



    Le Déjeuner sur l'herbe (1863) Édouard Manet — 6′ 10″ x 8′ 8″


    Édouard Manet, "Le Déjeuner sur l'herbe", 1863년. (사진: Musée d'Orsay

     via Wikimedia Commons , 공개 도메인)

    마네의 대작 <  풀밭 위의 점심 >  (  Le Déjeuner sur l'herbe

     )은 사실주의 와 인상주의 미술 운동 사이의 간극을 메우는 작품 으로, 현대적인 스타일과 소재를 사용합니다.
    두 명의 잘 차려입은 남자와 함께 피크닉을 즐기는 누드 여성을 묘사한 이 작품은 고전 여성 누드화에서 영감을 얻었지만, 현대적인 배경을 활용했습니다.

    사진: Bumble-Dee/ Depositphotos


    마네는 180cm x 220cm 크기의 대형 캔버스에 도발적인 장면을 그려내며 주제를 강조했습니다.
    오늘날 이 작품은 오르세 미술관의 하이라이트입니다.


     조르주 쇠라의 라 그랑자트 섬의 일요일 오후 (1884–1886) — 7′ x 10′


    조르주 쇠라, "그랑자트 섬의 일요일 오후", 1884-1886 (사진: 시카고 미술관, 위키 미디어 커먼즈

     제공 , 퍼블릭 도메인)

    점묘주의

    의 선구자조르주 쇠라가1880년대에그린 <그랑자트 섬의 일요일 오후> . 쇠라는 이 대형 평면 작품을 만들기 위해 2.7m x 3.2m 크기의 캔버스에 수백만 개의 손으로 그린 ​​점을 꼼꼼하게 찍었습니다.
     

    쇠라는 기념비적인 마지막 작품 외에도 더 작은 규모의 습작들을 제작했습니다.
    각각의 작품에서 구성 자체는 비교적 그대로 유지되지만, 후원자들의 모습, 수, 그리고 배치는 스케치마다 다릅니다.


    구스타프 클림트의 키스  (1907–1908) — 5′ 11″ x 5′ 11″



    구스타프 클림트, "키스", 1907–1908 (사진: Wikimedia Commons를

     통한 Google Art Project , 퍼블릭 도메인)

    1908년, 상징주의 화가 구스타프 클림트는 영묘한 포옹을 담은 반짝이는 그림 <키스>

     를 그렸습니다 . 이 작품은 작가의 황금기 , 즉 금박이 풍성했던 시기 에 제작되었습니다 . 클림트는 이 시기에 반짝이는 작품들을 많이 만들었지만, <키스>는 감상적인 소재와 몽환적인 분위기로 가장 강렬한 공감을 불러일으켰습니다.

    하지만 이 작품의 크기는 5′ 11″ x 5′ 11″로 클림트의 가장 큰 작품과는 거리가 멉니다.
    가장 큰 작품이라는 영예는 그의 벽화, 특히 112피트 높이의 베토벤 프리즈 에 돌아갑니다 .



    클로드 모네의 수련 시리즈 (1915년경~1926년) - 총 길이 약 300피트


    클로드 모네

     , "수련", 1915-1926년경 (사진: 위키미디어 커먼즈 를 통한 넬슨-앳킨스 미술관 , 퍼블릭 도메인)

    인상파 화가 

    클로드 모네는  1883년부터 43년 후 세상을 떠날 때까지 프랑스 북부의 작은 마을 지베르니에서 살았습니다.
    모네는 일본식 정원의 아름다움에 둘러싸여 있었는데, 이 정원을 "가장 아름다운 걸작"이라고 묘사했습니다.
    모네는 수련을 작품의 소재로 자주 사용했습니다.

    파리의 오랑주리 미술관(사진: EQRoy/Shutterstock 제공 )


    그가 그린 약 250점의 수생 꽃 유화 중 가장 유명하고 규모가 큰 작품들은 파리의 오랑주리 미술관 에 소장되어 있습니다 . 이 컬렉션에 있는 곡선 캔버스들을 나란히 배치하면 거의 90미터에 달합니다!


    파블로 피카소의 게르니카  (1937) - 11′ 6″ x 25′ 6″


    파블로 피카소, "게르니카", 1937 (사진: Wiki Art

     의 xennex , 공정 사용)

    1937년, 피카소는

     스페인 내전의 참혹한 여파를 묘사한 흑백 그림 < 게르니카>를 그렸습니다 . 이 혼란스러운 장면에는 나치와 파시스트 이탈리아 전투기의 폭격 이후 슬픔에 잠긴 어머니, 뿔에 찔린 말, 그리고 위풍당당한 황소 등 여러 인물이 등장합니다.

    이 그림의 상징성에 대한 인식은 다양하지만, 이 그림은 반전 예술 작품이라는 것이 보편적으로 받아들여지고 있습니다.
    즉, 11′ 6″ x 25′ 6″ 크기의 이 그림은 규모와 메시지 면에서 기념비적입니다.


    1950년 1호(라벤더 미스트) (1950) 잭슨 폴록 작품 — 7' 3″ x 9' 10″



    잭슨 폴록의 'Number 1 (라벤더 미스트)' (1950) (사진: Wiki Art

     Fair Use의 xennex)

    추상 표현주의 화가

      잭슨 폴록은  1950년에 <Number 1 (Lavender Mist)>을 그렸습니다 . 이 그림은 7피트 3인치 x 9피트 10인치 크기의 작품입니다.
    그의 다른 벽화 크기 걸작들처럼, 이 작품 역시 그의 시그니처 기법인 "액션 페인팅"을 사용하여 제작되었습니다.
    그는 이젤 위에 프라이머를 바른 캔버스를 올려놓고 붓으로 그림을 그리는 대신, 바닥에 놓인 캔버스 위에 물감을 붓고, 뿌리고, 흩뿌리는 방식을 택했습니다.


    "바닥에 앉으면 더 편안해요."라고 그는 설명했다.
    "그림에 더 가까이 다가가고, 그림의 일부가 된 것 같은 기분이 들어요. 이렇게 하면 그림 주변을 걸으며 네 방향에서 작업할 수 있고, 말 그대로 그림 속에 있을 수 있거든요."



    자주 묻는 질문


    대규모 그림이란 무엇을 말할까?

    대형 회화는 규모가 엄청난 예술 작품을 말합니다.
    단순히 큰 그림을 넘어, 대형 회화는 그 엄청난 웅장함으로 인해 압도적인 느낌을 주는 경우가 많으며, 그 크기가 각 작품의 매력을 더합니다.
    대형 회화는 흔히 "실물보다 크다"라고 불립니다.

    세계에서 가장 큰 그림은 무엇인가?

    2020년 9월 29일 기네스 세계 기록에 따르면 세계에서 가장 큰 캔버스 그림은 사샤 자프리의 2020년작 < 인류의 여정 >입니다.
    17,000제곱피트(약 4,100제곱미터)가 조금 넘는 면적에 경매에서 6,200만 달러(약 700억 원)에 낙찰되었습니다.

    눈부신 금색 디테일로 장식된 매혹적인 그림


    금빛 디테일로 가득한 그림에는 본질적으로 마법 같은 무언가가 있습니다.
    스코틀랜드 출신의 예술가 스테파니 루는

     이러한 접근 방식을 자신의 창작 활동에 적용하여, 화려한 금속 소재와 정교한 의상을 입은 우아한 여성상을 조화롭게 결합합니다.
    금빛과 화려한 패턴의 조화는 각 캔버스를 옷, 빛, 그리고 드라마를 기념하는 공간으로 격상시킵니다.

    루의 그림에는 각각 최소 한 명의 여성 인물이 등장하지만, 그들의 정체성이 핵심은 아닙니다.
    오히려 관객은 작품의 분위기를 형성하는 연극 의상을 바라보게 됩니다.
    루는 "직물과 의상의 패턴, 색상, 질감은 제 작품의 본질적인 요소로, 그림에 촉각적이고 극적인 요소를 부여하여 모델을 시대를 초월한 공간에 놓이게 합니다.
    "라고 설명합니다

     . "최근에는 금박을 작품에 접목하여 장식적인 반사 금박 표면과 완전히 구현된 유화 사이의 관계를 탐구하고 있습니다.
    "



    풍성한 치마의 무도회복부터 민소매 드레스까지, 이 모든 의상은 정교한 디테일로 장식되어 있습니다.
    보통 금색으로 표현되는 이러한 패턴은 의상을 금속 배경과 연결해 줍니다.
    "저는 바로크 양식의 유화에서 영향을 받았으며, 고전 미술가들의 기법과 제 기법을 조합하여 사용합니다.
    "라고 루는 덧붙입니다.
    "고전 기법을 현대에 접목하는 것을 좋아합니다.
    예술가로서 시간을 되돌아보고 배우는 데 큰 도움이 되었습니다.
    "

    Rew의 온라인 매장을

     통해 인쇄물을 구매할 수 있으며, Instagram 에서 그녀를 팔로우하면 아티스트의 최신 프로젝트에 대한 최신 소식을 받아볼 수 있습니다 .

    스코틀랜드의 예술가 스테파니 루는 반짝이는 금색 디테일이 돋보이는 놀라운 그림을 그립니다.







    각 작품에는 화려하게 장식된 역사적 의상을 입은 여성 인물이 한 명 이상 등장합니다.





    이러한 의류는 캔버스에 금박 장식이 추가되어 더욱 돋보입니다.









      

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