스타일 아이콘을 이야기할 때, 우리는 종종 하나의 미학에 충실하고, 자신만의 스타일을 고수하며, 시간이 지남에 따라 약간의 변화만으로 그것을 따라갈 만한 트렌드로 만들어낸 사람들을 떠올립니다.
하지만 우리는 항상 예외가 있다는 것을 알고 있습니다.
바로 브래드 피트 입니다 .
소년 같은 얼굴, 푸른 눈, 그리고 애쉬 블론드 헤어. 영화 '델마와 루이스' 에서 윗옷을 벗고 헤어드라이어를 사용하는 그 아이는 이제 61세인데, 우아하고 대담하며 모던하고 캐주얼하면서도 세련된 스타일로 우리를 놀라게 할 기회를 놓치지 않는다 . 그가 가장 좋아하는 액세서리는 바로 '잔돈' 이다 .
처음부터 섹스 심볼
수년간의 단역과 카메오 출연 끝에, 피트에게 돌파구가 찾아온 것은 1993년, 두 절친, 델마 이본 디킨슨과 루이스 엘리자베스 소여 의 이야기에 관객들이 매료되면서였습니다 . 하지만 그게 전부는 아니었습니다.
도둑 JD 역을 맡은 지 7분 만에 피트는 전 세계 언론의 섹스 심벌로 등극했습니다 . 모텔 침대에 누워 윗옷을 벗고 카우보이 모자를 쓴 그의 모습은 마치 파란색 포드 썬더버드가 날아오르는
마지막 장면처럼 수많은 사람들의 기억 속에 새겨졌습니다.
푸른 눈과 금발에 의존하는 쉬운 길을 택했다면 너무 단순했거나, 어쩌면 너무 지루했을지도 모릅니다.
그래서 어쩌면 그런 꼬리표를 벗으려는 듯, 그의 머리카락이 길어지고 셔츠는 점점 더 오버사이즈로 바뀌는 모습이 보이기 시작합니다 . 모습은 바뀌지만, 매력은 여전합니다.
영화와 현실 사이: 다양한 페르소나를 입히다
배우이자 프로듀서로서 오랜 경력을 쌓는 동안, 여러 영화는 그의 영화 밖 스타일에도 뚜렷한 영향을 미쳤습니다.
전담 스타일리스트가 아직 흔하지 않았던 시절, 흰 티셔츠와 청바지 차림의 남자에서 거친 악동으로 변신한 것은 단 10년 만에 세 편의 영화에서 같은 의상 디자이너 와 함께 작업한 경험에서 비롯되었습니다.
마이클 카플란은 <세븐> , <파이트
클럽> , <미스터 & 미세스 스미스> 에서 피트의 스타일을 만들어낸 장본인입니다 .
그래서 형사 데이비드 밀스가 미치광이 존 도(케빈 스페이시)를 사냥하는 동안, 브래드 피트는 자신의 캐릭터의 머리 모양을 따라하고 약간 엉성한 느낌을 더하고, 콧수염과 염소 수염을 그대로 유지하며, 심지어 레드카펫에 흰색 셔츠와 캐주얼한 재킷을 입고 등장하기도 합니다.
몇 년 후인 1999년경, 피트는 파이트 클럽 에서 에드워드 노튼의 또 다른 자아인 타일러 더든 을 완벽하게 구현하며 다양한 성격을 표현하고 모든 성격을 옷차림으로 표현하는 것을 즐긴다.
W 매거진 에 따르면 , 그는 여전히 캐릭터의 미학을 고수하는 듯합니다.
영화에서 입었던 것과 똑같은 오토바이 티셔츠를 입고 말이죠 . 프린트 셔츠와 늘 입던 퍼 코트 도 다시 유행을 타고 있습니다.
반전이 가득한 스타일
그 시절 그의 레드 카펫 룩은 완전히 달랐습니다.
깔끔한 라인, 중립적인 색상, 넓은 칼라, 그리고 구조적인 재킷까지. 당시 그의 공식 석상에 등장한 것은 제니퍼 애니스톤 으로, 그녀의 상징적인 헤어스타일은 미국 전역의 여성들이 따라 했습니다.
두 사람은 편안한 캐주얼 패션 의 대명사였으며 , 심플한 실루엣은 90년대와 2000년대 초반의 스타일을 대변하는 기준이 되었습니다.
우리 모두 1999년 영화 '파이트 클럽'
시사회와 2000년 아카데미 시상식 의 검은색 의상을 기억합니다 .
이러한 단순함은 무대 밖에서도 이어졌습니다.
수많은 파파라치 사진에서 피트와 애니스톤은 항상 카고 팬츠와 심플한 티셔츠 같은 기본 아이템을 착용했습니다 . 유일하게 창의적인 디테일을 더한 것은 선글라스와 모자 같은 액세서리 였습니다 . 클래식 바이저부터 비니와 부니햇까지 다양했습니다.
하지만 피트 씨는 항상 다음 반전을 맞이할 준비가 되어 있습니다.
1999년, 롤링 스톤 화보 촬영이 그 예입니다 .
앞서 언급한 모든 것과는 달리, 그는 사진작가 마크 셀리거에게 대담한 아이디어를 제안했습니다.
바로 여성복 화보 촬영이었습니다.
오늘날 우리는 눈 하나 깜짝하지 않겠지만, 1999년에는 여성스러운 옷을 입은 남성을 보는 것이 그리 흔한 일은 아니었습니다.
그 결과는?
역사상 가장 상징적인 사설 중 하나였습니다.
만약 오늘날 이 사설이 재게재된다면, 아마도 핑크색 스팽글 미니드레스를 입은 피트의 사진을 다시 걸어두었을 것입니다 .
또 다른 전환점: 브란젤리나
2005년에는 또 다른 반전이 있었습니다.
제니퍼 애니스턴과의 이별과 2006년 초 안젤리나 졸리 의 임신 소식이었습니다 . 2004년 닉 나이트가 촬영한 배니티 페어
화보 에서 볼 수 있듯이, 그때까지 그를 규정했던 장난기 넘치고 캐주얼한 스타일은 새로운 방향으로 나아갔고, 피트의 이미지는 더욱 세련되고 우아한 모습으로 바뀌었습니다 .
정장과 턱시도, 그리고 나비넥타이는 레드 카펫의 필수 아이템이 되었지만, 안젤리나 졸리가 종종 스포트라이트를 독차지했습니다.
일상생활에서도 그의 외모는 더욱 세련되어 보였고, 셔츠는 항상 그의 옷차림이었습니다.
머리도 다시 길었지만, 10년 전과는 달리 이제는 항상 단정한 모습을 유지했습니다.
샤넬은 그를 샤넬 넘버 5의 얼굴로 선택했을 정도였습니다.
마치 그의 스타일이 섹스 심볼이 사회적,
직업적으로 헌신적인 아버지 로 진화했음을 보여주는 듯했습니다 .
다시 한번, 그의 역할과 현실 사이의 경계가 매우 희미해 보이고, 미스터 앤 미세스 스미스 , 오션스 3부작, 벤자민 버튼의 시간은 거꾸로 간다 , 생명의 나무 와 같은 영화에서 본 미학은 화면 밖에서도 존재합니다.
재발견된 90년대
여자들은 이별 후 헤어스타일을 바꾼다고들 하지만, 브래드 피트는 스타일 변신을 시도하는 듯합니다.
2017년 5월(안젤리나 졸리와 헤어진 지 1년도 채 되지 않은 시점), GQ는 " 브래드 피트, 이혼, 금주, 그리고 더 나은 남자가 되기에 대해 이야기하다" 라는 제목의 사설을 게재했습니다 . 라이언 맥긴리의 사진들은 우리를 거의 20년 전 브래드 피트의 모습으로 되돌려 놓습니다.
프린트
셔츠, 오버사이즈 핏, 스웨터나 탱크탑 같은 캐주얼한 아이템들이
다시 등장합니다 .
다시 한번, 그의 역할과 현실 사이의 경계가 매우 희미해 보이고, 미스터 앤 미세스
스미스 , 오션스 3부작, 벤자민 버튼의 시간은 거꾸로 간다 , 생명의 나무 와 같은 영화에서 본 미학은 화면 밖에서도 존재합니다.
재발견된 90년대
여자들은 이별 후 헤어스타일을 바꾼다고들 하지만, 브래드 피트는
스타일 변신을 시도하는 듯합니다.
2017년 5월(안젤리나 졸리와 헤어진 지 1년도 채 되지 않은 시점), GQ는 " 브래드 피트, 이혼, 금주, 그리고 더 나은 남자가 되기에 대해 이야기하다" 라는 제목의 사설을 게재했습니다 . 라이언 맥긴리의 사진들은 우리를 거의 20년 전 브래드 피트의 모습으로 되돌려 놓습니다.
프린트 셔츠, 오버사이즈 핏, 스웨터나 탱크탑 같은 캐주얼한 아이템들이
다시 등장합니다 .
GQ , 2017, Ryan McGinley 촬영
새로운 10년, 새로운 모습
최근 몇 년간의 키워드는 ' 컬러 ' 입니다 .
2022년 GQ 특집호 에서 입었던 우밋 베난 B+의 노란색 슈트 처럼 말이죠. 2022년 영화 '불릿 트레인' 시사회 에서 아디다스 x 구찌 가젤과 함께 입었던 녹색 리넨 슈트처럼요. 6월 25일 개봉하는 영화 'F1 ' 멕시코 시사회에서 최근 선보인 라벤더색 슈트 처럼요 . 그리고 며칠 전 뉴욕 호텔에서 나올 때 그가 입은 윌리 차바리아의 파란색 벨벳 재킷 처럼요.
물론, 많은 사람들이 90년대처럼 이 새로운 스타일 뒤에 의상 디자이너나 협업자가 있는지
궁금해합니다.
그의 스타일처럼 그의 습관도 변화했습니다.
최근 의상 중 상당수는 켄드릭 라마와 티모시 샬라메와도 작업하는 스타일 리스트 테일러 맥닐 이 큐레이팅했습니다 .
끊임없이 변화하는 스타일 아이콘
클래식하고 우아한 스타일부터 장난기 넘치고 엣지 있는 스타일,
"아빠 모드"부터 90년대 섹스 심벌까지, 그를 가장 좋아하는 버전을 고르는 건 불가능하죠. 하지만 그를 볼 때마다 그가 입고 있는 옷은 꼭 하나쯤은 갖고 싶어집니다.
다채로운 색상의 타이다이 트랙수트가 우리에게 어울릴지 궁금해서요.
브래드 피트가 우리에게 가르쳐 준 것이 하나 있다면, 우리는 그의 외모에
결코 익숙해져서는 안 된다는 것입니다 . 우리는 그의 외모의 아름다움과 독창성에 감탄할 뿐이며, 그의 옷장에서 나올 다음 놀라움을 기대할 뿐입니다.
마이클 노스럽의 샷 속 초현실적 에로티시즘
마이클 노스럽은 40년 넘게 일상생활에 대한 아이러니하고 에로틱하며 초현실적인 비전을 전달해 온 이름입니다.
이 미국 사진작가는 루카 로레티 의 예술 감독 아래 킹 코알라 프레스 에서 발행하고 마르셀 스완 과 루카 마타라 초가 큐레이팅한 독립 잡지 ' 배드 시드 진(Bad Seed Zine)' 7호의 주인공이었습니다 . 미국에서
시작된 이 프로젝트는 이제 이탈리아에서 새로운 편집 형태를 갖추며, 기원과 목적지, 시각적 뿌리와 새로운 해석 사이의 고리를 끊습니다.
마이클 노스럽의 사진은 개인적인 언어이자, 이국적임과 무례함, 어두운 유머와 가정적인 미학 사이를 오가는 이미지들로 점철된 친밀한 일기입니다.
노스럽은 자신의 인스타그램 프로필에 "저는 아이러니를 좋아해요."라고 적으며, 그의 가족이 가장 비극적인 순간에도 어떻게 항상 유머를 찾아냈는지 보여주고 설명합니다.
그의 비전은 그의 모든 사진 작업에 스며듭니다.
현실에서 가져온 사진들은 가볍고 날카로운
시선으로 삶의 경험을 반영합니다.
배드 시드 진(Bad Seed Zine) 이 큐레이팅한 작품은 바로 이러한 이중적 흐름을 강조합니다.
에로틱한 긴장감과 일상의 초현실주의 사이를 맴도는 신체, 사물, 상황의 이미지들입니다.
각 사진은 미시적인 시각적 서사이자, 현실이 새로운 해석으로 전환되는 정지된 순간을 보여줍니다.
종종 아이러니하면서도 때로는 불안한 해석이기도 합니다.
이 모든 것은 색채, 디테일, 구도, 그리고 물질의 시적인 무질서를
더욱 강조하는 레이아웃을 통해 완성됩니다.
페이지 곳곳에서 팝 음악의 영향, DIY 미학, 그리고 다층적인 문화적 참조가 엿보입니다.
하지만 작품의 핵심은 여전히 인간적이고, 육체적이며, 본능적입니다.
"저에게 이미지를 만드는 것은 일상의 일부입니다.
"라고 노스럽은 말합니다.
그리고 실제로 그의 프로젝트의 강점은 많은 사람들에게 사소해 보일 수 있는 것을 특별하게 만드는 데 있습니다.
따라서 이번 배드 시드 진(Bad Seed Zine) 호 는 장르, 시대, 그리고 의도를 넘나드는 시각 예술가에게 공간을 제공하는 큐레이션 작업입니다.
관습에 얽매이지 않으면서도 현실에 깊이 뿌리내린 관점을 재발견할 기회입니다.
Vito Lauciello의 레디메이드 샷에서의 디자인의 독창성
예술, 기술, 공학, 사회학의 결합인 디자인은 우리를 둘러싸고, 변화시키고, 특징짓습니다.
에토레 소트사스에게 디자인은 숙명과도 같았고, 브루노 무나리에게 디자인은 "디자이너는 미적 감각을 갖춘 기획자로서 공동체를 위해 일하는 사람"입니다.
하지만 디자인의 정의와 전문 분야가 확산되는 것 외에도, 디자인은 지난 몇 년간 진정한 문화 현상으로 자리 잡았다는 것은 분명합니다.
이는 살로네 델 모빌레(Salone
del Mobile)와 그보다 더 인기 있는 푸오리살로네(FuoriSalone)와 같은 전문 행사에 대한 국제적인 관심에서 확인할 수 있습니다.
하지만 만약 그 학문이 추구하는 기능성 추구가 사물을 순수한 형태로 환원하고, 그로 인해 본래의 기능을 상실한다면 어떻게 될까요? 아니면, 신체가 디자인 사물과 융합한다면 어떨까요? 아풀리아 출신의 젊은 사진 작가 비토 라우시엘로
는 "레디메이드" 프로젝트에서 뒤샹의 제작 방식을 차용하여 지난 세기의 상징적인 디자인 사물들을 해체하고 기능화하여 인체와 상호작용하는
중립적인 표면으로 만듭니다.
연극적인 미장센을 통해 두 퍼포머는 디자인 역사에 길이 남을 안락의자, 셰즈롱, 램프, 그리고 가구 소품들과 마주하며, 인간과 무생물의 경계가 서서히 사라지는 춤을 추는 듯한 경험을 선사합니다.
스튜디오에서 촬영된 이 장면들은 빈티지와 현대성이 공존하며 새로운 상호작용과 창의성을 모색하는 현대적인 카탈로그라는 개념을 전달합니다.
멜리사 슈릭의 안무에서 흔히 볼 수 있는 낡고 뒤틀린 굴곡을 떠올리게 하는
경계에 선 두 배우의 몸은 이번에는 다른 시대에서 탄생한 요소들과 마주하고, 그 냄새를 맡으며, 그것들과 관계를 맺고, 새로운 움직임의 공간을 만들어내며, 시대를 초월한 현대적 매력을 담아냅니다.
다리오 토뇽과 스튜디오 첼리가 아르테미데를 위해 만든 다니아 테이블 램프, 가비나를 위해 카즈히데 타카하마가 만든 몬테벨로 안락의자, 플로스가 제작하고 아킬레와 피에르 자코모 카스틸리오니 형제가 디자인한 타락사쿰 1 서스펜션 램프, 해리 베르토이아가 놀을 위해 만든 베르토이아 다이아몬드 안락의자 등이 있습니다.
이 모든
제품은 위대한 디자이너들이 디자인하고 소량으로만 생산한 것으로, 저렴한 복제품과 대량 생산이 만연한 세상에서 독특함의 중요성을 기념하는 제품입니다.
Hannah Modigh e la ricerca di Sivigami
한나 모디 (훗날 사진작가 가 됨 ) 는 세 살 때 가족과 함께 인도로 이주하여 약 4년간 머물렀습니다.
부모님이 일하시는 동안, 그녀와 자매들은 시바가미라는 여성의 보살핌을 받았습니다.
시바가미는 한동안 가족의 일원이 되어 함께했습니다.
시바가미는 삶의 중심 인물이자, 존재감과 사랑을 주는 존재였지만, 삶에서 실질적인 권리는 없었습니다.
사진작가에 따르면, 그것은 애정과 의존으로 이루어진 위태로운 균형이었다.
모든 몸짓은 진심이었지만, 필연적으로 깊은 비대칭성을 드러냈다.
모디그 가족이 스웨덴으로 돌아왔을 때, 시바가미는 울음을 터뜨렸다.
아직 어린아이였던 한나는 그 눈물이 떠나보낸 것에 대한 눈물이라고 생각했다.
오늘날 그녀는 그 눈물이 오히려 자신의 불확실한 미래에 대한 눈물이었을지 궁금해한다.
30년 후, 한나 모디그는 시바가미를 찾아 인도로 돌아온다.
그녀의 사진 프로젝트는 책으로 출간되었고, 『시바가미를 찾아서』 라는 제목으로 , 물리적인 탐구만큼이나 감정적인 탐구이기도 하다.
그녀를 찾을 수 있다는 확신도, 구체적인 단서도 없이, 오직 희미한 기억과 감정만이 존재할 뿐이다.
하지만 바로 이러한 단편들을 바탕으로 한나는 시바가미와 함께 걸었을 법한 거리, 함께 했을 법한 해변, 어쩌면
시바가미가 살았던 동네들을 탐험하며 자신만의 시각적 서사를 구축한다.
여행 중에 사진작가는 시바가미와 문자 그대로 닮은 것은 아니지만, 그녀의 사회적 상황, 경험, 그리고 취약성을 공유하는 여성들을 만난다.
그녀는 그들을 사진에 담고, 그들 각각에게서 무언가를 찾아낸다.
반영, 메아리, 그리고 가능성을.
이러한 이미지들은 이중 초상화가 되는데, 모디히는 렌즈 앞에 선 여성과 상상 속의, 어쩌면 이상화된 시바가미의 모습을 동시에 포착합니다.
그 결과, 상실과 기억뿐 아니라 관계가 우리의 정체성을 형성하고 왜곡하는 방식에 대해서도 이야기하는 강렬하고 우울한 서사가 탄생합니다.
Hannah Modigh의 반성
<시바가미를 찾아서>는 르포르타주도 일기도 아닌, 거리, 어린 시절, 그리고 한때 우리를 사랑했던 사람들의 흔적에 대한 성찰입니다.
어떤 사진으로도 채울 수 없는, 하지만 사진을 통해 적어도 인정받을 수 있는 공허함을 채우려는 섬세한 시도입니다.
사진술르포르타주
Collyrium – Xavier Dolan의 강력한 영화
안드레아 장 바로드
현대 영화의 신동, 자비 에 돌란에 대해 몇 줄 이야기할 때가 되었습니다 . 신동이라는 단어는 그저 별명처럼 들릴지 모르지만, 그 뒤에는 엄청난 진실이 숨겨져 있습니다.
사실 그의 감독 경력은 열아홉 살에 시작되었고, 그 전에는 스릴 넘치는 연기 경험이 있었습니다.
자비에 돌란은 1994년, 다섯 살 때부터 TV 시리즈에 출연하며 배우에서 다재다능한 예술가로 성장했습니다.
자비에 돌란은 1989년 몬트리올 에서 배우인 아버지와 교사인 어머니 사이에서 태어났습니다 . 사실 그의 영화 교육은 어린 시절부터 시작되었으며, 자비에 돌란은 수많은 광고와 몇몇 소규모 TV 작품에 출연했습니다.
그의 첫 번째 진정한 영광의 순간은 2008년 , 캐나다 공포 영화 <마터스> 에서 였습니다 . 이 영화는 순식간에 공포 장르 팬들 사이에서 컬트적인 인기를 얻었습니다.
이 훌륭한 해석 경험을 바탕으로 그는 이번에는 카메라 뒤에서 첫 영화 작업을 시작할 수 있게 되었습니다.
그렇게 이듬해, < 어머니를 죽였어요( J'ai tué ma merè )>가 극장에 개봉합니다.
신동이 각본, 감독, 그리고 해석까지 맡은 이 영화는 수많은 영화제에 출품하여 30여 개 부문에 후보로 오르고 무려 13개의 상을 수상했으며, 그중 몇몇은 칸 영화제 에서 수상했습니다.
이 데뷔작은 자서전이라고 할 수 있지만, 이미 돌란의 미래 영화를 특징짓는 여러 요소들을
보여주고 있습니다.
사실, <나는 어머니를 사랑합니다> 는 어머니와 대립하는 관계를 맺고 있는 동성애 소년의 이야기입니다.
부모와 자녀의 관계 분석은 돌란 감독의 후속작 거의 전반에 걸쳐 깊이 스며들어 있습니다.
몬트리올 출신의 감독에게 어머니는 부모이자 더 넓은 의미의 가족으로 이해되며, 모든 갈등의 시작점으로 여겨지며, 이는 종종 실존적 의사소통 능력 부족으로 나타납니다.
이 깊고 친밀하면서도 극적인 독서는 M에서 F로 성전환한 트랜스젠더와 그녀의 파트너 사이의 10년간의 사랑을 담은 이야기, 로렌스 애니웨이즈 에서 새로운 형태를 발견하게 될 것입니다 . 로렌스 애니웨이즈는 기쁨, 수용, 그리고 사랑의 폭발적인 향연입니다 .많은 경우 오해, 폭력, 절망의 감정이 뒤섞인 강점이 나타났습니다.
두 번째 작품은 매우 강력하고 확실히 돌란의 영화 중 가장 강렬하고
충격적인 영화 중 하나로 새로운 요소를 도입합니다.
그의 첫 작품인 '아웃사이더의 이야기'에서 언급된 것처럼, 돌란은 사회의 소외된 사람들, 괴롭힘을 당하는 동성애자와 트랜스젠더들에게 목소리를 부여하며, 돌란 특유의 시적이고 미적인 비전을 통해 자유와 활력을 표현합니다.
정체성은 다양성을 통해서도 형성됩니다.
고통스러운 존재.
비평가와 대중으로부터 널리 인정받은 이 첫 번째 예술 단계는 2014년 에 정점을 찍습니다.
바로 '마미'가 극장에 개봉한 해입니다 .
이야기는 매우 단순하고 간결하게 전개됩니다.
다시 한번 엄마와 아이의 어려운 관계에 세 번째 인물, 이웃이 추가되어 부부 관계에 새로운 균형을 만들어냅니다.
강렬한 미학을 자랑하는 이 영화는 거의 모든 부분이 파격적인 1:1 시네마 형식으로 촬영되었습니다.
이 영화는 돌란 영화의 대표적인 선언일 뿐만 아니라, 감독의 정확성으로 인해 예술사 7번째 작품으로 기록될 만합니다.
특히 마지막 장면에서 주인공이 팔을 움직여 1:1에서 16:9로 화면비를 바꾸는 장면이 인상적입니다.
그 순간 돌란은 이야기 이면에 숨겨진 진정한 서사를 만들어내는 데에는 장벽이 존재하는데, 형식 자체가 잔혹한 현대 사회가 강요하는 좁은 상부 구조를 드러내기 때문입니다.
클래식부터 팝
음악까지 아우르는 사운드트랙과 강렬한 미학적 접근을 통해, 우리는 캐나다 감독이 그토록 소중히 여겼던 주제들이 과장되게 표현된 것을 볼 수 있습니다.
우리가 이야기하는 것은, 필수적인 줄거리에도 불구하고 매우 중요한 문제들을 은밀 하고 섬세하며 무엇보다도 단순한 방식으로 다루는 영화입니다.
하지만 돌란의 공식적이고 실질적인 연구는 확실히 Mommy에서 끝나지 않습니다.
사실, 그 후 몇 년 동안 이 감독은 뮤직 비디오계에서도 작업했는데, Indochine College Boy 와 Hello from Adele을 언급하는 것만으로도 그의 트레이드마크가 쉽게 드러났습니다 .
칸 영화제 심사위원 대상을 비롯한 돌란 감독의 놀라운 성공에도 불구하고, 그의 후속작들도 그에 못지않은 찬사를 받을 것입니다.
2016년, <단지 세상의 끝일 뿐>( Juste la fin du monde )이 극장에 개봉했습니다.
이 영화는 동성애자 연극 연출가가 집으로 돌아와 건강이 악화되고 죽음이 임박했음을 밝히는 이야기입니다.
우리는 다시 한번, 사랑과 폭력으로 얼룩진 가족이 심각한
소통 부족의 원인이 되는 모습을 보게 됩니다.
마지막으로, 영화부터 비디오 클립에 이르기까지 앙팡 프로디지의 모든 작품을 특징짓는 시각적 취향을 간략하게 분석하는 것이 적절할 듯합니다.
돌란의 세계관은 삶과 죽음, 자유와 사회적 제약과 같은 대조와 과잉으로 이루어져 있으며, 이는 인물의 영혼을 되살리기 위해 길고 분산적인 숏과 매우 좁은 숏을 번갈아가며 사진적 차원에서도 표현됩니다.
뿐만 아니라, 색채와 음악의 사용은 돌란 영화의 또 다른 필수적인 요소이며,
이 경우 영화 역시 대조와 과잉 으로 가득합니다 . 우리는 주류 음악에서 가장 실험적인 음악으로 넘어가는 것처럼, 모든 작품이 죽음의 차가운 색채에서 더 따뜻하고 활기찬 팔레트로 변화하는 강렬하고 압도적인 색채로 가득 차 있는 것과 같은 방식으로 음악을 접합니다.
돌란의 영화는 오락 영화와는 극적으로 분리되어 우리를 가장 깊은 감정에 가까이 다가가게 하는 감정의 회오리입니다.