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슈테파니 바이블링거(독일)의 "Who is Next". 전체 우승
거리 사진의 힘은 진정한 거리 사진을 전문으로 하는 여성 주도 플랫폼에서 운영하는 사진 공모전을 통해 조명을 받고 있습니다.
퓨어 스트리트 포토그래피 어워드(Pure Street Photography Awards)에는 5개 대륙 34개국에서 1,160점의 작품이 출품되었으며, 독일의 슈테파니 바이블링거(Stefanie Waiblinger)가 최우수상을 수상했습니다.
그녀의 사진은 한 여성이 신부 부케를 던지는 기쁨의
순간을 포착하여, 적절한 시간에 적절한 장소에 있다는 개념을 완벽하게 보여줍니다.
147점의 수상작과 결선 진출작 모두 뭄바이의 명망 높은 제한기르 미술관에 전시되어 거리 사진의 우수성을 선보일 예정입니다.
퓨어 스트리트 포토그래피의 공동 설립자인 딤피 발로티아는 "거리
사진은 세상이 그 모든 층위와 깊이를 통해 볼 가치가 있음을 일깨워줍니다.
"라고 말하며, "퓨어 스트리트 포토그래피 어워드는 그 진실을 생생하게 전달하기 위해 존재합니다.
"라고 덧붙였습니다.
부두에서 다이빙하는 장면을 포착하든, 길에서 대칭을 이루는 두 마리의 소를 발견하든, 이 사진작가들은 거리 사진의 모든 기본 원리를 보여줍니다.
놀라운 빛과 역동적인 구도가 수상작과 결선
진출작 모두에 스며들어, 예리한 관찰력이 얼마나 자연스러운 사진 촬영의 완성도를 높이는지 보여줍니다.
독일, 미국, 중국에서 수상한 Pure Street Photography Awards는 전 세계 어디에서나 놀라운 거리 사진을 찾아볼 수 있음을 보여줍니다.
아래로 스크롤하여 모든 수상작과 엄선된 최종 후보작을
확인해 보세요. 내년 대회 참가를 희망하는 거리 사진작가라면 공식 웹사이트에서 대기자 명단을 확인하실 수 있습니다 .
퓨어 스트리트 사진 어워드에는 5개 대륙, 34개국에서 1,160개의 작품이 출품되었습니다.
Tavs Cazerella(영국)의 "Meeting in the Middle" 1위
크리스 얀(중국)의 "Mirror" 2위
니콜 프룸(독일)의 "과거의 유령". 3위
마르코 분티치(크로아티아)의 "Fooling Around"
하재준(한국)의 "숨바꼭질"
게르트 본제(독일)의 "벤치레스팅". 결선 진출작
"거리 사진은 세상이 모든 층위와 깊이를 다 볼 만한 가치가 있다는 것을 일깨워줍니다."
에릭 데이비도브(미국)의 "좋은 놈, 나쁜 놈, 못생긴 놈" 최종 후보
제핀 크리슈나(인도)의 "신성한 집단". 최종 후보
젤리사 피터슨(미국)의 "Rise and Shine". 결선 진출작
다니엘 L 골드스타인(미국)의 "Redemption". 최종 후보
Mariana Basurto(미국)의 “A Twin Gaze at the Pas”. 결승 진출자
마르코 카하초(이탈리아)의 "시칠리아 아이들". 최종 후보
개빈 리보트(호주)의 "데스데모나". 최종 후보
니콜라 발레스트라치(이탈리아)의 "푸에블라". 결선 진출작
2025년 순수 거리 사진상 수상작, Candid and Poetic
슈테파니 바이블링거(독일)의 "Who is Next". 전체 우승
거리 사진의 힘은 진정한 거리 사진을 전문으로 하는 여성 주도 플랫폼에서 운영하는 사진 공모전을 통해 조명을 받고 있습니다.
퓨어 스트리트 포토그래피 어워드(Pure Street Photography Awards)에는 5개 대륙 34개국에서 1,160점의 작품이 출품되었으며, 독일의 슈테파니 바이블링거(Stefanie Waiblinger)가 최우수상을 수상했습니다.
그녀의 사진은 한 여성이 신부 부케를
던지는 기쁨의 순간을 포착하여, 적절한 시간에 적절한 장소에 있다는 개념을 완벽하게 보여줍니다.
147점의 수상작과 결선 진출작 모두 뭄바이의 명망 높은 제한기르 미술관에 전시되어 거리 사진의 우수성을 선보일 예정입니다.
퓨어 스트리트 포토그래피의 공동 설립자인 딤피 발로티아는
"거리 사진은 세상이 그 모든 층위와 깊이를 통해 볼 가치가 있음을 일깨워줍니다.
"라고 말하며, "퓨어 스트리트 포토그래피 어워드는 그 진실을 생생하게 전달하기 위해 존재합니다.
"라고 덧붙였습니다.
부두에서 다이빙하는 장면을 포착하든, 길에서 대칭을 이루는 두 마리의 소를 발견하든, 이 사진작가들은 거리 사진의 모든 기본 원리를 보여줍니다.
놀라운 빛과 역동적인 구도가 수상작과
결선 진출작 모두에 스며들어, 예리한 관찰력이 얼마나 자연스러운 사진 촬영의 완성도를 높이는지 보여줍니다.
독일, 미국, 중국에서 수상한 Pure Street Photography Awards는 전 세계 어디에서나 놀라운 거리 사진을 찾아볼 수 있음을 보여줍니다.
아래로 스크롤하여 모든 수상작과 엄선된 최종
후보작을 확인해 보세요. 내년 대회 참가를 희망하는 거리 사진작가라면 공식 웹사이트에서 대기자 명단을 확인하실 수 있습니다 .
퓨어 스트리트 사진 어워드에는 5개 대륙, 34개국에서 1,160개의 작품이 출품되었습니다.
Tavs Cazerella(영국)의 "Meeting in the Middle" 1위
크리스 얀(중국)의 "Mirror" 2위
니콜 프룸(독일)의 "과거의 유령". 3위
마르코 분티치(크로아티아)의 "Fooling Around"
하재준(한국)의 "숨바꼭질"
게르트 본제(독일)의 "벤치레스팅". 결선 진출작
"거리 사진은 세상이 모든 층위와 깊이를 다 볼 만한 가치가 있다는 것을 일깨워줍니다."
에릭 데이비도브(미국)의 "좋은 놈, 나쁜 놈, 못생긴 놈" 최종 후보
제핀 크리슈나(인도)의 "신성한 집단". 최종 후보
젤리사 피터슨(미국)의 "Rise and Shine". 결선 진출작
다니엘 L 골드스타인(미국)의 "Redemption". 최종 후보
Mariana Basurto(미국)의 “A Twin Gaze at the Pas”. 결승 진출자
마르코 카하초(이탈리아)의 "시칠리아 아이들". 최종 후보
개빈 리보트(호주)의 "데스데모나". 최종 후보
니콜라 발레스트라치(이탈리아)의 "푸에블라". 결선 진출작
영화 같은 사진은 신비로운 이야기를 담은 초현실적인 그림처럼 보인다 [인터뷰]
“전갈자리 보름달”(Midamerican Fever Dream에서)
아티스트 서머
바그너 는 스토리텔러이며, 렌즈는 그녀가 자신의 이야기를 전달하는 매개체입니다.
영화적 성격을 지닌 서사적 이미지와 영상은 독특한 미학을 지닙니다.
그녀의 사진은 채도가 낮은 색상 팔레트와 대비, 그리고 피사계 심도를
특징으로 하며, 이는 각 구도를 카메라로 촬영한 것이라기보다는 초현실적인 그림처럼 느껴지게 합니다.
등장인물의 침실부터 어두운 거리까지, 각각의 배경은 상징적인 이미지로 가득 차 있어 표면 아래에 무엇이 있는지 생각하게 합니다.
바그너의 구도와 비전 덕분에 초현실주의 가 가미된 사실주의가 탄생했습니다.
바그너의 이미지 제작 철학을 가장 잘 보여주는 작품 중 하나는 바로 < 미다메리칸 피버 드림(Midamerican Fever Dream)> 입니다.
2023년에서 2024년 사이에 제작된 이 시리즈는 미국 러스트 벨트 지역의 폐허 속에 사는 한 가족에 대한 이야기입니다.
영화처럼 연출된 9장의 와이드 샷 이미지와 119개의 애니메이션
에디션, 그리고 9개의 NFT가 수록되어 있습니다.
주디스, 어니스트, 브리짓, 더글러스, 이렇게 네 명의 등장인물이 등장하며, 그들의 이야기는 바그너가 "파도"라고 부르는 네 개의 챕터에 걸쳐 전개됩니다.
Wagner는 Midamerican Fever Dream 의 서문에서 "이러한 산업과 공간, 또는 그에 대한 기억은 이 인물들의 삶에 영향을 미칩니다.
"라고 말하며 , "그리고 그들은 자신의 몸을 바친 산업의 가치와 동기를 전수합니다.
"라고 덧붙 입니다.
코로나19 팬데믹 시대를 배경으로, 주디스는 의식을 치르고 가족의 기침약에 주문을 건다.
이 의식은 가족 구성원 각자가 자신의 "그림자"와 마주하게 만든다.
개념적으로 매력적이고 아름다운 촬영으로, 바그너의 경력은 의심할 여지 없이 밝습니다.
My Modern Met에서 그녀가 어떻게 경력을 시작하고 시각적 언어를 발전시켰는지에 대해 이야기를 나누었습니다.
아래로 스크롤하여 독점 인터뷰를 읽어보세요.
“Bridget in Her Old Room”(Midamerican Fever Dream에서)
귀하의 작업에 렌즈 기반 미디어를 사용하게 된 계기는 무엇입니까?
대학에서 영화를 전공했고, 영화 각본과 연출을 맡을 계획이었습니다.
하지만 코로나19 팬데믹으로 그 꿈은 물거품이 되었습니다.
일리노이주 록퍼드에 있는 집으로 돌아와 약 1년 동안 식료품점에서
일하다가 첫 카메라 비용을 마련했습니다.
그저 창의적인 일을 하고 싶었을 뿐입니다.
많은 사람들이 코로나19로 인해 엄청난 창작의 전환점을 겪었고, 저도 그중 한 명이었습니다.
카메라와 스틸 이미지 덕분에 제 목소리와 스타일을 더욱 다듬을 수 있었습니다.
전체 이야기를 연출하고 하나의 이미지로 압축해내는 도전을 기꺼이 받아들였습니다.
“샐리의 껍질”
"죽어"
당신의 작품은 독특한 미적 감각을 지녔습니다.
언뜻 보기에는
마치 초현실주의 그림처럼 보입니다.
어떻게 자신만의 시각 언어를 개발하셨고, 지금은 무엇에서 영감을 받으시나요?
저는 직감을 따라가며 제 스타일을 발전시켰습니다.
저는 항상 생동감 넘치는 꿈의 세계를 꿈꿔왔고, 초현실적인 일상의 자연스러운 표현에 깊은 감동을 받습니다.
많은 사람들이 깨닫지 못하는
점은 제 사진의 "효과"의 75%는 편집이 아니라, 완벽한 순간, 장소, 그리고 사람을 포착하는 데 있다는 것입니다.
빛이 얼굴이나 장면에 딱 맞게 닿는 순간 말입니다.
그런 순간을 찾고 직감하는 법을 배우면서 컬러 그레이딩은 자연스럽게 발전했습니다.
저는 수많은 영감을 받았지만, 최근에는 자키르 후세인, 라스 폰 트리에, 테드 창, 어슐러 K. 르귄, 레너드 코헨에게서 많은 영감을 받았습니다.
“나무의 그림자”
“목요일 밤 저녁 식사”(Midamerican Fever Dream에서)
작업하는 시간이 길어질수록 자신의 미적 감각이 어떻게 발전한다고
생각하시나요?
제 작업이 어떻게 발전하고 있는지 정확히 말씀드리기는 어려워요. 아직 걸음마 단계인 것 같아요! 확실히 말씀드릴 수 있는 건, 단순히 정지 이미지 그 이상의 방식으로 이야기를 전달하고 캐릭터를
발전시키고 싶은 갈망이 점점 커지고 있다는 거예요.
당신의 작품에는 연극적이고 서사적인 느낌이 있습니다.
촬영을
시작하기 전에 이야기를 "쓰는" 건가요? 아니면 작업하면서 이야기가 펼쳐지도록 두는 건가요?
프로젝트에 따라 다릅니다.
캐릭터가 뚜렷하게 정해져 있거나, 전체 이야기를 미리 써 놓은 장면들이 있는 세트도 있습니다.
하지만 저는 항상 캐주얼하게 촬영하기도 하고, 제가 포착한 순간들을
통해 이야기가 자연스럽게 전개되도록 합니다.
편집 과정에서도 여러 장의 사진을 동시에 촬영하지 않고 이어 붙이는 작업을 많이 합니다.
이러한 과정을 잘 조합할 때 최고의 결과물을 얻을 수 있다고 생각합니다.
“산업의 어머니”(Midamerican Fever Dream에서)
“사무실에 있는 어니스트”(Midamerican Fever Dream에서)
특히 자랑스러워하는 작품이나, 당신이 좋아하는 작품을 가장 잘 표현한다고
생각하는 작품을 하나 소개해 주시겠습니까?
저는 제가 수집한 Midamerican Fever Dream 에서 Coming of Age 라는 이름의 이 이미지를 정말 자랑스럽게 생각합니다 .
이 사진은 제 고향인 일리노이주 록퍼드에서 찍은 단일 노출 사진입니다.
아마 몇 년 동안 이 장소를 지날 때마다 바라보면서 언젠가는 꼭 그곳에서 사진을 찍을 거라는 생각을 했습니다.
사진에는
보이지 않지만, 사람들 위 언덕 꼭대기에는 주차장이 있는데, 그곳 잔디밭에 마치 시크워시처럼 노란빛을 띠고 있습니다.
이 사진은 해가 막 진 블루아워(일광절약시간)에 약 20분 만에 촬영해야 했습니다.
이 작품은 모든 추가 자료를 수집하고 조정해 준 제 친구 메건 데빈이 없었다면 탄생하지 못했을 겁니다.
이미지 중앙에는 이 시리즈의 한 등장인물(나이 든 여성)이 다른 등장인물(젊은 여성)에게
턱뼈를 건네주는 모습이 담겨 있습니다.
저는 사슴 턱뼈를 제 작품에서 반복적으로 상징으로 사용해 왔는데, 이 이미지가 그 상징을 다음 세대로 물려주는 것이 무엇을 의미하는지 잘 보여주는 것 같습니다.
“Coming of Age”(Midamerican Fever Dream에서)
다음에는 무슨 작업을 하고 계신가요? 혹시 재밌는 일이 있다면 공
해 주실 수 있나요?
올해 두 개의 영상 작품을 더 공개할 예정입니다.
연결과 관계에 대한 시각적인 비네트 같은 작품들이죠. 곧 공개될 예정입니다.
지난 한 해는 주로 글을 쓰고 책을 읽으며 세상을 음미하고
이 모든 혼란을 어떻게든 해석할 방법을 고민했습니다.
다음 컬렉션은 이제 막 프리프로덕션 단계에 들어섰는데, 아직 자세히 말씀드릴 수는 없지만 정말 기대됩니다!
“화학 세례 1: 자갈 숭배”
“나무의 그림자”
생각에
잠긴 여성들의 초현실주의 그림은 평온함과 불안감을 동시에 불러일으킨다.
“바다에서 길을 잃다,” 2025년.
최근 예술가 사라
존카스는 바다를 특히 좋아했습니다.
캐나다 출신인 이 작가의 최근 작품에서 여성들은 말미잘 밭에 몸을 담그고, 조개껍데기와 불가사리를 머리카락에 꽂고, 깊은 바닷속으로 잠수하고, 마치 기념비처럼 잔물결을 헤치고 나옵니다 . "바다에서 길을 잃다 "라는 적절한 제목이 붙은 그녀의 최근 개인전에서 이러한 주제가 두드러진다는 것은 어쩌면 당연한 일일지도 모릅니다.
현재 로스앤젤레스 싱크스페이스 프로젝트 에서 전시 중인 로스트 앳 씨(Lost at Sea) 는 욘카스의 신작 회화 16점과 종이 위에 그린 작품 3점을 함께 선보입니다.
전시된 작품들은 주로 여성들을 중심으로 하며, 그들의 얼굴은 생각에 잠긴 듯하면서도 때로는 멍한 듯, 마치 즐거운 백일몽이나 숨겨진 기억에 잠긴 듯합니다.
이 여성들을 둘러싼 물고기, 깃털, 수생 식물, 해부학적 심장 등 몽환적이고 추상적인 모티프들은 화면 중앙에 있는 차분한 인물들과 시각적인 대조를 이룹니다.
마치 각 장면 속 여성들이 이미 자신의 운명을 받아들이고
주변 자연과 순수한 하나됨을 이루는 듯합니다.
그럼에도 불구하고, 그 조화가 낙관적인 것인지 아니면 잠재적으로 위협적인 것인지는 불분명합니다.
많은 그림에서 촉수가 반복적으로 나타나 캔버스 위로 교활하게 기어 나옵니다.
예를 들어, <표면으로>에서 붉은 촉수가 가운데 있는 여성의 어깨를 가로질러 지나가며, 그녀가 방금 다시 수면 위로 올라온 물을
떠올리게 합니다.
물론 이러한 움직임은 위안이 될 수 있지만, 그림의 제목과 병치되면 더욱 불길한 분위기를 자아냅니다.
< 싸움이나 도주> 도 비슷합니다.
여성의 머리카락은 리본뿐만 아니라 다른 촉수로 묶여 있습니다.
촉수는 그녀의 머리카락을 붙잡고 있을 뿐만 아니라 비행기를 감싸고 있어 긴장감과 불확실성의 분위기를 자아냅니다.
하지만 이러한 상반된 분위기는 전시의 규모와 상충되는 것 같지는 않습니다.
결국, < Lost at Sea> 는 바다에 대한 명상이자, 바다가 어떻게 경외심에서 두려움까지 모든 것을 불러일으킬 수 있는지를 보여주는 작품입니다.
어떤 그림에서는 길을 잃는 것이 자기 성찰과 평화에 필수적인 것처럼 보이지만, 다른 그림에서는
방향 감각을 잃게 하는, 아니 완전히 두려운 경험으로 다가옵니다.
바로 이러한 긴장감이 욘카스의 관심을 사로잡는 것입니다.
Thinkspace는 이 전시에 대해 "종종 고조된 감정적 맥락 속에 놓이는 그녀의 주인공들은 중요한 이야기에 대한 서스펜스 넘치는 암시에 얽매이거나, 모호하거나 눈에 보이지 않는 전개되는 장면들 한가운데에
갇혀 있다"라고 평했다 . "줄거리, 미스터리, 그리고 상징주의에 대한 이러한 애정은 행동이 암시되는 동시에 포착되는 역동적인 정적의 순간에 포착된다."
사라 존카스: 로스트 앳 씨(Sarah Joncas: Lost at Sea) 는 현재 Thinkspace Projects에서 2025년 11월 1일까지 전시 중입니다.
예술가 사라 존카스의
최근 개인전 ' 바다에서 길을 잃다 '에서는 바다가 어떻게 경외심과 두려움의 원천이 될 수 있는지 고찰합니다.
"표면으로 오다", 2025년.
"오션 색조," 2025년.
"딥 블루," 2025년.
"잃어버린 영혼들", 2025년.
"코렐라인: 비밀의 문", 2025년.
사라 존카스: 로스트 앳 시(Sarah Joncas: Lost at Sea) 는 2025년 11월 1일까지 Thinkspace Projects에서 전시됩니다.
"싸움 또는 도피", 2025년.
"발키리," 2025년.
"땅을 추방하다", 2025년.
“집의 꿈,” 2025.a
"하트의 여왕", 2025년.
동양적 감성의 초상화로 여성의 고요하고 강한 힘을 포착한 예술가 [인터뷰]
많은 여성들이 감정을 억누르는 법을 배웁니다.
힘이 부족해서가 아니라, 사회가 여성들에게 감정을 조심스럽게 표현하도록 가르치기 때문입니다.
이러한 생각은 터키 출신 예술가 자리페 기젬 이브라히모을루 의 작품에서 잘 드러납니다 . 그녀의 여성 초상화는 차분한 표정 속에 숨겨진 미묘한 감정과 은은한 강인함을 보여줍니다.
이브라히모글루는 동양 문화, 직물, 그리고 전통 예술에서 영감을 얻으며, 종종 기모노를 입거나 무늬가 있는 직물에 둘러싸인 대상을 그립니다.
2015년 밀라노 스튜디오 이토 디자인에서
일본 디자이너들과 긴밀히 협력하며 동아시아 공예와 디자인에 대한 그녀의 관심은 더욱 커졌습니다.
이후 2015년부터 2019년까지 이스탄불 임라호르에서 이러한 영향을 탐구하며 동양 직물, 가구, 그리고 장인 정신을 가까이에서 연구할 기회를 얻었습니다.
이러한 경험은 그녀의 작품에 지속적으로 반영되어, 작품에서 영감을 받은 상징과 디테일을 끊임없이 반복합니다.
이브라히모을루의 작품은 시각적으로 눈길을 사로잡을 뿐만 아니라, 각각의 그림에는 이야기가 담겨 있습니다.
흑연, 목탄, 아크릴 물감을 사용하여 이브라히모을루는 자신의 연장선
또는 반영으로 여겨지는 여성들의 초상화를 제작합니다.
그녀는 각 작품을 통해 다양한 감정을 포착하고자 노력하며, 특히 오늘날 여성들이 겪는 감정의 변화와 내면의 경험에 초점을 맞춥니다.
이브라히모글루를 만나 그녀의 영향과 예술가로서의 삶에 대해 더 자세히 들어보았습니다.
아래에서 그녀의 아름다운 그림들을 감상하고, My Modern Met의 단독 인터뷰도 읽어보세요.
예술가 자리페 기젬 이브라히모글루의 아름다운 여성 초상화는 그들의 미묘한 감정과 은은한
강인함을 포착합니다.
작가의 작품에 대해 더 자세히 알아보려면 계속 읽어보세요.
어떻게 처음 예술에 관심을 갖게 되셨나요? 그리고 어떻게
자신만의 독특한 스타일을 발견하게 되셨나요?
어렸을 때부터 그림 그리는 게 제일 좋았어요. 하지만 오랫동안 제가 진정으로 할 수 있는 일이 아니라고 생각해서 다른 길을 선택했고, 실내 건축가가 되었어요. 그 분야에서 몇 년 동안
일했지만, 항상 뭔가 부족한 느낌이 들었어요. 시간이 지나면서, 그림 그리는 게 제가 진정으로 하고 싶은 유일한 일이라는 걸 깨달았죠. 예술로 돌아가는 건 선택이 아니라, 제가 누구인지 기억하는 것 같았어요. 그 과정에서 제 스타일은 자연스럽게 생겨났어요. 모든 것을 벗을수록, 제 목소리를 더욱 또렷하게 들을 수 있었어요.
당신의 작품은 여성의 감정과 심리적 변화를 자주 탐구합니다.
작품에서 어떤 감정이나 상태를 표현할지 어떻게 선택하시나요?
사실, 그들은 저를 선택했어요. 저는 말로 표현되지 않은 감정, 사회가 여성들에게 억누르도록 부추기는 감정들에 끌리거든요. 때로는 그리움이고, 때로는 분노이고, 때로는 이별 후의 섬뜩한
고요함이기도 하죠. 저는 그런 순간들을 무르지 않고 포착하려고 노력해요. 그들의 솔직함에는 힘이 있기 때문이죠.
당신은 예술을 자신을 되돌아보는 방법으로 보시나요,
아니면 특히 여성과 관련된 더 큰 사회적 문제에 대한 메시지로 보시나요?
여러모로 두 가지 모두에 해당합니다.
제 작업은 종종 매우 개인적인 곳에서 시작되지만, 그 감정들이 다른 많은 여성들에게도 공감을 불러일으킨다는 것을 깨닫게 되었습니다.
오랫동안 여성의 내면 세계는 간과되거나 지나치게 이상화되어 왔습니다.
저는 제 예술을 통해 그 공간을, 그 모든 복잡성과 모순, 그리고 강렬함을 있는 그대로, 있는 그대로 드러내고자 노력합니다.
어떤 면에서는, 이것이 저 자신과 타인 모두에게 소속감을 기억하는 방식이기도 합니다.
동양 문화는 당신의 예술, 특히 초상화를 그리는 방식에
어떤 영향을 미쳤나요?
동양의 미학은 제게 절제와 불완전함의 힘을 가르쳐 주었습니다.
저는 불완전함, 고요함, 덧없음의 아름다움을 뜻하는 '와비사비' 와 같은 철학에 매료되었습니다 . 초상화에서 이는 의도적인 비대칭, 차분한 색조, 또는 캔버스의 일부를 "미완성"으로 남겨두는 선택으로 나타납니다.
이러한 부재는 붓놀림만큼이나 강렬한 인상을 남깁니다.
당신의 작품에는 상징성이 많이 담겨 있습니다.
그
상징들이 당신에게 어떤 의미를 가지고 있는지, 그리고 당신의 작품에 어떻게 녹아드는지 설명해 주시겠어요?
저에게 상징은 감정을 시각적으로
표현하는 것입니다.
특히 시보리와 사시코 같은 일본 기법에서 영감을 받습니다 .
시보리 기법은 천을 접고, 꼬고, 묶은 후 의도적이면서도 놀라움으로 가득한 패턴을 드러냅니다.
저는 제 작품에도 비슷한 방식으로 접근합니다.
때로는 명확하고 때로는 숨겨진, 그리고 시간이 지나면서 발견되도록 의도된 상징을 추가합니다.
사시코의 반복적인 바느질은 치유, 인내, 그리고 고요한 힘을 떠올리게 합니다.
저는 이러한 기법의 정신을 제 작품에 담아내고자 노력하며, 보는 사람이 디테일 속에서 자신만의 의미를
찾을 수 있는 공간을 만들고자 합니다.
새로운 초상화를 그릴 때 어떤 과정을 거치시나요? 아이디어에
어떻게 생명을 불어넣으시나요?
모든 것은 얼굴이 아닌 분위기에서 시작됩니다.
저는 감정을 바탕으로, 때로는 문장이나 음악 한 곡으로, 그 핵심을 중심으로 작품이 형성되도록 합니다.
여러 겹을 덧대고, 다듬고,
다시 하는 과정이 많습니다.
완벽을 좇는 것이 아니라 존재감을 좇습니다.
그림이 저를 "돌아보기" 시작할 때, 저는 제가 가까이 있다는 것을 압니다.
공유하고 싶은 다가올 프로젝트나 전시회가 있나요?
네, 정말 기대됩니다! 이번 6월 아트 바젤 주간에 볼타(VOLTA) 에서 제 작품을 선보일 예정입니다.
제 작품을 국제적인 플랫폼에 공유하고 더 많은 관객과 소통할 수 있다는 점에서 저에게는 중요한 첫걸음입니다.
오랫동안 작업해 온 작품들 중 일부가 볼타에서 처음으로 공개될 예정이에요. 열기가 뜨겁고, 정말 기대됩니다.
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