 
다니엘 L 골드스타인, 호텔 객실을 자신의 초상화로 바꾸다
공간은 종종 더 깊은 감정을 비추는 거울이 됩니다.
뉴욕을 기반으로 활동하는 사진작가 다니엘 L 골드스타 인 의 신간 『Transience』 에서 이러한 직관은 14년에 걸쳐 전 세계 호텔 객실에서 촬영한 62장의 자화상을 통해 구체화됩니다.
단순한 여행 일기가 아닌, 이별, 무질서, 그리고 재탄생을 겪으며 변화하는 정체성의 기록으로, 호텔 객실과 관련된 덧없음을 우리 자신을 새롭게 읽어낼
수 있는 진정하고 안정적인 기반으로 탈바꿈시킵니다.
모든 것은 오래된 스페인 호텔에서 시작됩니다.
사진작가는 그곳에서 이전 투숙객들의 삶의 흔적을 감지합니다.
그 공백을 채우기 위해 그녀는 그 장면 속으로 들어가기로 선택합니다.
그녀의 몸은 보편적인 형상, 탐구, 그리고 존재가 됩니다.
거의 미신적인 행위로 시작된 것은 곧 의식으로 변합니다.
장소의 변화에 따라 그녀의 내면 세계가 어떻게 변하는지 이해하기 위한 자화상입니다.
책의 형식은 이러한 긴장감을 따릅니다.
항상 오른쪽 페이지에 사진이 배치되어, 정돈된 구도를 이루며, 초기 이미지에서는 통제력과 완벽함을 드러냅니다.
그러다 무언가가 깨집니다.
그녀의 시선은 부드러워지고, 그녀의 몸은 공간을 다르게 점유하며, 거울은 마치 정체성이 깨져야만 이해될 수 있는 것처럼 시점을 증폭시킵니다.
이후 이미지에서는 그녀의 앉는 방식, 바라보는 방식, 망설이는 모습 등 아주 작은 디테일에서도
고통이 느껴집니다.
이 책은 작가의 딸인 캐롤라인 골드스타 인 의 텍스트와 대화를 나누며 , 짧은 글들을 통해 순수하게 감정적인 이야기를 구축합니다.
허구적이지만 사진작가의 실제 경험에 가까운 그녀의 글은 존재론적 조건으로서의 움직임을 반영합니다.
공식적인 경로에서 벗어난 사람들이 만들어낸 욕망의 선 , 그 길은 변화의 순간에 우리를 인도하는 본능을 은유적으로 표현합니다.
이처럼 익명적이고 일시적인 장소인 호텔은 정체성의 실험실이 됩니다.
모든 방은 시험장이며, 진정으로 무엇이 변하는지 관찰할 수 있는 중립적인 틀입니다.
덧없음 은 움직이는 여성의 초상이 되지만, 무엇보다도 자신과 주변의 변화하는 것들을 지켜보는 여성의 초상이 됩니다.
무상함, 고독, 그리고 우리를 가두어 두려는 것이 아닌 바로 그 장소에서 자신을 발견할 가능성에 대한 이야기입니다.
미시시피 강을 따라 여성으로 사는 것
사진작가 조 앤 월터스는 20년이 넘는 기간 동안 미시시피 강과 그 너머를 아우르는 사진 프로젝트 '우드 리버 블루 풀(Wood River Blue Pool)' 을 통해 백인 노동자 계층이 주도하는 미국의 심장부를 탐구합니다.
이 작품의 제목은 그녀의 고향인 일리노이주 올턴 근처의 두 수역에서 영감을 얻었습니다.
하나는 거대한 강과 합류하는 작은 지류이고, 다른 하나는 지역 전설에 뿌리를 둔 버려진
채석장입니다.
이야기와 미스터리가 가득한 이 장소들은 미국 사회에서 여성의 역할에 대한 친밀하면서도 집단적인 탐구의 배경이자 은유 역할을 합니다.
이 프로젝트는 자기 성찰, 즉 자신의 뿌리를 기억하고 질문하는 방식으로 시작되었습니다.
월터스는 자신이 속한 공동체의 여성, 소녀, 어린이, 그리고 가족에 초점을 맞춰 20세기 중서부 노동자 계층 도시에서 여성이자 백인으로 성장하는 경험을 묘사하고자 했습니다.
그녀의 초상화를 통해 겉보기에 확고부동해 보이는 고정관념 위에 구축된 현실 감각이 드러납니다.
이상화된 어린 시절, 포장된 여성성, 그리고 유일한 목적지인
모성 역할.
월터스의 이미지는 백인성이 가부장제에 의해 보호받는 가치로 자리 잡은 세상을 보여줍니다.
가부장제는 종종 무의식적으로 체화되는 사회의 현실입니다.
그녀가 묘사하는 여성들은 잘 관리된 목조 외관을 갖춘 깔끔한 집에 살며, 이러한 공간 안에서 외부 세계를 맞이하고, 시간이 흐르면서 전해져 내려오는 모델을 영속화합니다.
작가의 의도는 판단이 아니라, 허영심과 순응의 윤이 나는 표면 아래 파고들어 여성으로서의
경험의 복잡성을 드러내는 연약함, 고통, 아름다움의 흔적인 작은 균열을 포착하는 것입니다.
조 앤 월터스의 사진은 윌리엄 에글스턴과 같은 거장들을 포함한 시각적 전통과 맥을 같이합니다.
에글스턴은 1980년대에 그녀를 독창적인 색채 언어를 발전시킨 몇 안 되는 사진작가 중 한 명으로 인정했습니다.
그녀의 작품은 구겐하임 펠로십을 비롯한 상당한 인정을 받았으며, 뉴욕 현대 미술관과 샌프란시스코 현대 미술관 등 권위 있는 컬렉션에 소장되어 있습니다.
2018년 코넬 대학교 ITI에서 출간된 그녀의 책 『우드
리버 블루 풀(Wood River Blue Pool) 』은 애퍼처/파리 퍼스트 북 어워드(Aperture/Paris First Book Award) 최종 후보에 올랐고, 타임지 에서 올해 최고의 사진집 중 하나로 선정되었습니다 .
조앤 월터스는 내부자의 관점을 통해 확실성에 도전하는 이미지를 만들어내며, 변하지 않을 것으로 믿어지는 세상을 묘사하지만 사진을 통해 깨지기 쉽고, 구성된, 그리고 매우 인간적인 모습을 드러냅니다.
신성한 음핵, 요니의 이야기
요니(yoni)라는 단어를 들어보신 적 있으신가요 ? 아마 여러분 중 더 영적인 분들이 들어보셨을 겁니다.
요니는 사실 산스크리트어(인도의 신성하고 고대 언어)로 여성의 생식기를 지칭 하지만, 그뿐만 아니라 더 일반적으로는 생명의 기원인 질(vagina)과 관련된 신성한 장소를 의미합니다.
오늘은 수천 년 동안 여성 생식기에 내재되어 온 강력한 상징성과 수세기에 걸친 여성의 생식기 표현에 대해
이야기해 보겠습니다.
우리는 어떻게 외음부에 대한 숭배에서 완전한 검열로 나아갔을까요? 오늘날 우리는 어떻게 외음부에 대한 성적 표현을 사실상 배제하게 되었을까요?
 @the.vulva.gallery
먼 옛날 구석기 시대와 신석기 시대로 거슬러 올라가 보면, 다산과 관련된 여성의 표상이 남성의 표상보다 훨씬 더 일찍 나타났음을 알 수 있습니다.
고대 인디언들에게 요니, 즉 신성한 외음부는 숭배의 대상 이었습니다.
바위에 새겨지고 아래로 향한 삼각형으로 표현된 요니 의 벽 조각은 신성함이 인간에게 나타난 가장 오래된 표현 중 하나입니다.
가장 오래되고 잘 알려진 것은 의심할 여지
없이 기원전 2만 4천 년의 빌렌도르프 비너스 입니다.
2018년 페이스북이 이를 음란물로 간주하여 플랫폼에서 삭제하면서 스캔들의 대상이 되었습니다 . 이 조각상 에는 신성한 외음부가 선명하게 보입니다.
 빌렌도르프의 베네레
따라서 수 세기 동안 요니는 다양한 문화권, 특히 동양 문화권에서 숭배되어 왔습니다.
그러나 새로운 가부장적 종교 의 등장으로 이러한 관습은 사소하고 비밀스러워졌으며, 난해한 의미를 지니게 되었습니다.
특히 서구에서는 기독교의 부상으로 요니 에 대한 완전한 검열이 이루어졌고, 더 나아가 성적인 관점에서 여성의 몸에 대한 검열도 이루어졌습니다.
우리는 수 세기 동안 지속된 여성
억압이 지나간 후에야 요니 , 즉 외음부, 혹은 질의 상징이 가짜로 해방될 때까지 기다려야 했습니다.
이제 요니는 더 이상 금기시되거나 겸손을 위해 숨겨져야 하는 것이 아니라, 여성성과 생명의 힘과 연관지어졌습니다.
 에두아르 마네, 올랭피아
19세기 후반 예술과 여성 해부학 묘사와 관련된 일련의 스캔들로 전환점이 발생했습니다.
에두아르 마네의 매우 유명한 올랭피아만 생각해 보면 되는데 , 이 그림 은 자랑 스럽고 뻔뻔스러운 포즈로 완전히 알몸의 매춘부를 묘사하고 있습니다.
당시 마네는 스캔들의 왕이 되었는데, 무엇보다도 그의 작품 ' 풀밭 위의 저녁 식사' 로 말입니다.
물론, 이는 그때까지
여성 누드가 존재하지 않았다는 것을 의미하지는 않습니다.
오히려 그들은 모두 신성한 영역(여신, 님프, 우화, 악덕 또는 미덕)이나 신화적 영역과 관련되어 있었기 때문에 더 견딜 만했습니다.
마네에게 알몸은 평범한 여성, 심지어 매춘부였습니다.
마네의 작품에서 요니는 보이지 않는다는 점을 언급해야 합니다 . 인상파 이전의 화가는 완전히 모험하지 않고 어느 정도 겸손함을 유지했으며, 실제로 올랭피아 의 손은 생식기를 포함하고 있습니다.
 구스타프 쿠르베, 로리진 델 몽도 – 로즈마리 트로켈, 나를 대신해
불과 3년 후, 기준이 높아졌습니다.
귀스타브 쿠르베 는 외음부를 클로즈업으로 묘사하고 세상의 기원 (1866)이라는 제목을 붙였습니다.
이 작품의 독특한 점은 의심할 여지 없이 유혹적인 힘이지만, 외설적이고 장난스러운 영역에서 벗어납니다.
개인적이고 일상적인 순간이 일반 대중에게 사실적으로 보여집니다.
이 작품은 파리의 오르세 미술관 에 전시되어 있으며 오늘날에도 그러한
노골적인 누드가 어떻게 특정 스캔들을 일으킬 수 있는지를 증명합니다.
거의 150년 후, 독일 예술가 로즈메리 트로켈은 쿠르베의 작품을 재작업하여 음모가 타란툴라로 대체된 포토몽타주 Replace me (2009) 를 제작했습니다 .치명적인 것으로 여겨지는 동물의 모습은 외음부와 위험한 것 사이에 평행선을 만들어내며, 새로운 천년에도 여전히 여성 생식기에 대해 공개적으로 이야기하는 것이 얼마나 "무섭습니까"를 강조합니다.
 제이미 매카트니, 라 그란데 무라글리아
쿠르베 이후, 시각적 영역과 대중문화에서 요니 의 해방으로 이어질 입장을 목격하려면 거의 100년을 기다려야 할 것이라고 말할 수 있습니다 . 1960년대와 1970년대부터 주로 여성을 중심으로 한 여러 예술가들이 퍼포먼스, 설치 미술, 그리고 더 나아가 외음부를 주제로 한 온갖 종류의 예술 작품을 창작하기 시작했습니다 . 금지된 면이 드러났습니다.
외음부는 성적인 언급에서 벗어나 페미니스트 관점에서
혁명적인 메시지를 전달하는 매개체가 되었습니다.
쿠보타 시게코, 질 그림
그중 몇 가지를 나열하고 가장 흥미롭고 독특한 작품들을 살펴보는 것으로 시작해 보겠습니다.
1965년, 예술가 시게코 쿠보타는 자신의 질에 붓을 대고 종이에 붉은 선을 그리는 '버자이너 페인팅(Vagina Painting)'을 제작했습니다 . 최근인 2015년에는 스위스 예술가 밀로 모이레가 비슷한 맥락에서 자신의 질에서 직접 색색의 계란을 떨어뜨려 캔버스를 만드는 퍼포먼스 시리즈를
선보였습니다.
 주디 시카고, 레드 플래그, 1971
예술은 점점 더 여성 해방에 기여하고 있으며, 오히려 우리의 요니는 가부장적이고 남성적인 확실성을 깨뜨리는 것을 목표로 하는 일련의 예술 연구의 도구이자 주제가 되었습니다.
이런 의미에서 더 이상 단순히 신체의 표현이나 사용만이 주인공이 아니라, 특히 월경과 같은 금기 와 관련된 다양한 변형이 자리 잡습니다 .이를 염두에 두고, 1971년 Judy Chicago가 피 묻은 탐폰을 제거하는 행위를
하는 여성을 묘사한 사진 석판화인 Red Flag 라는 작품을 만들었고 , 나중에 Carolee Schneeman 도 1983년 Fresh Blood: a Drewam Morphology 라는 제목의 퍼포먼스에서 이 주제를 다루었고 , Tamara Wyndham 도 Vulva Prints 에서 피 묻은 외음부를 인상했습니다.
 수잔나 스콧
초현대적인 예술에 대해 이야기하자면, 요즘에는 이 주제를 다룬 다양한 일러스트레이션과 작품들을 제작하는 예술가들이 많습니다.
최근에는 더 자유로운 방식으로, 때로는 아이러니하고 때로는 유익한 가벼운 언어를 구사할 수 있게 되었습니다.
그런 의미에서 런던 캠든 마켓 에 위치한 최초의 질 박물관을 언급하는 것은 흥미롭습니다 . 2019년에 개관한 질 박물관(Vagina Museum) 은 트랜스페미니즘적이고
포용적인 시선으로 "질을 가진 모든 사람"을 기념하며, 무엇보다도 이 주제에 대한 정확한 정보를 제공합니다.
일러스트레이터 샬럿 윌콕스 는 이를 위해 10개의 재미있고 유익한 일러스트레이션을 제작하여 잘못된 통념을 바로잡고자 합니다.
같은 맥락에서 힐데 샘 아탈란타는 교육적인 인스타그램 계정 @the.vulva.gallery를 개설했습니다.
아직 갈 길이 멀지만, 어쩌면 언젠가는 악의에서 완전히 벗어나 힌두교 조상들이 요니 의 힘을 구상할 때 가졌던 순수함으로 돌아갈 수 있을지도 모릅니다.
그 동안 우리는 외음부를 찬양하고, 아름다움으로 묘사하며, 그 "미스터리"를 밝혀내는 모든 예술가들을 계속 따라갈 것입니다.
 샬럿 윌콕스, 2019
 @the.vulva.gallery
미술미술
Vito Lauciello의 레디메이드 샷에서의 디자인의 독창성
예술, 기술, 공학, 사회학의 결합인 디자인은 우리를 둘러싸고, 변화시키고, 특징짓습니다.
에토레 소트사스에게 디자인은 숙명과도 같았고, 브루노 무나리에게 디자인은 "디자이너는 미적 감각을 갖춘 기획자로서 공동체를 위해 일하는 사람"입니다.
하지만 디자인의 정의와 전문 분야가 확산되는 것 외에도, 디자인은 지난 몇 년간 진정한 문화 현상으로 자리 잡았다는 것은 분명합니다.
이는 살로네 델 모빌레(Salone
del Mobile)와 그보다 더 인기 있는 푸오리살로네(FuoriSalone)와 같은 전문 행사에 대한 국제적인 관심에서 알 수 있습니다.
하지만 만약 그 학문이 추구하는 기능성 추구가 사물을 순수한 형태로 환원하고, 그로 인해 본래의 기능을 상실한다면 어떻게 될까요? 아니면, 신체가 디자인 사물과 융합한다면 어떨까요? 아풀리아 출신의 젊은 사진 작가 비토 라우 시엘로는
"레디메이드" 프로젝트에서 뒤샹의 제작 방식을 차용하여 지난 세기의 상징적인 디자인 사물들을 해체하고 기능화하여 인체와 상호작용하는
중립적인 표면으로 만들어냅니다.
연극적인 미장센을 통해 두 퍼포머는 디자인 역사에 길이 남을 안락의자, 셰즈롱, 램프, 그리고 가구 소품들과 마주하며, 인간과 무생물의 경계가 서서히 사라지는 춤을 구현합니다.
스튜디오
에서 촬영된 이 장면들은 빈티지와 현대가 공존하며 새로운 상호작용과 창의성을 모색하는 현대적인 카탈로그라는 아이디어를 전달합니다.
멜리사 슈릭의 안무에서 흔히 볼 수 있는 낡고 뒤틀린 몸을 연상시키는 경계에 선
두 배우는 이번에는 다른 시대에 탄생한 요소들과 마주하고, 그 냄새를 맡으며, 그것들과 관계를 맺고, 새로운 움직임의 공간을 만들어내며, 시대를 초월한 현대적 매력을 담아냅니다.
다리오 토뇽과 스튜디오 첼리가 아르테미데를 위해 만든 다니아 테이블 램프, 가비나를 위해 카즈히데 타카하마가 만든 몬테벨로 안락의자, 플로스가 제작하고 아킬레와 피에르 자코모 카스틸리오니 형제가 디자인한 타락사쿰 1 서스펜션 램프, 해리 베르토이아가 놀을 위해 만든 베르토이아 다이아몬드 안락의자 등이 있습니다.
이 모든 제품은 위대한 디자이너들이
디자인하고 소량으로만 생산한 것으로, 저렴한 복제품과 대량 생산이 만연한 세상에서 독특함의 중요성을 기념하는 제품입니다.
더글러스 부르크도르프 는 실험적이고 깊은 감성을 담은 이미지로 유명한 사진작가 , 촬영감독, 작가, 감독 입니다 . 그의 가장 강렬한 작품 중 하나는 기억과 아름다움의 덧없음을 시각적으로 탐구한 사진 시리즈 <I Keep on Dying> 입니다 .
이 시리즈에서 부르크도르프는 깨진 렌즈를 매 장면마다 다르게 사용하여 왜곡되고 균열이 생기지만 동시에 놀라울 정도로 시적인 이미지를 만들어냅니다.
유리의 불완전함은 기억의 연약함과 우리가 간직하고자 애쓰는 덧없는 아름다움을 강력하게 은유합니다.
각각의 장면은 마치 정지된 시간의 조각, 온전히 붙잡히기도 전에 사라져 가는 기억을 포착하는 듯합니다.
이러한 이미지들을 매혹적으로 만드는 것은 시각적 왜곡뿐만
아니라, 그 이미지들이 불러일으키는 움직임과 덧없음의 감각입니다.
부르크도르프에게 사진은 단순한 미학의 문제가 아니라, 감정을 향한 탐구입니다.
모든 프로젝트는 감정적이고 감각적인 탐구이며, 기술은 아무리 정확하고 의도적일지라도 항상 감정적 의도를 충족시키는 데 기여합니다.
이러한 철학은 그의 어린 시절과 예술적 발전에 깊이 뿌리내리고 있습니다.
뉴저지, 코네티컷, 메인, 뉴햄프셔를 오가며 자란 더글러스 버그도르프는 영화와 거의 본능적인 유대감을 형성했는데, 아이러니하게도 이러한 열정은 금기시되었던 시절에서 비롯되었습니다.
그의 전기에 언급된 것처럼, 그의 어머니는 그가 영화를 보는 것을 금했고, 심지어 남편이 데이비드 린치의 영화 < 블루 벨벳>을 좋아했다는 이유로 연인 관계조차 끊었습니다 . 이러한 제약은 버그도르프의 호기심을 자극하여,
친구 집에서 몰래 몇 시간이고 영화를 보고, 손에 잡히는 모든 예술이나 영화 서적을 읽게 만들었습니다.
그의 예술적 비전은 기술적 정밀성과 창의적인 본능의 조화입니다.
각 프로젝트는 개인적인 도전이자, 그의 작품을 경험하는 사람들에게 공감을 불러일으킬 감정을 불러일으킬 기회이기도 합니다.
그의 사진 작업은 영화 작업과 크게 다르지 않습니다.
두 분야 모두에서 부르크도르프는 감정적 진정성을 추구하며, 단순히 보여주는 데 그치지 않고 사람들에게 감정을 느끼게 하려고 노력합니다 .
에이미 호로비츠는 < 공원 산책?> 에서 뉴욕 워싱턴 스퀘어 공원을 지나가는 젊은이들의 얼굴 을 카메라에 담습니다 . 이곳은 주민들처럼 끊임없이 정체성을 바꾸는 곳입니다.
5년 동안 사진작가 호로비츠는 주로 학생이나 독립적인 삶을 시작하는 예술가 등 젊은 성인들의 초상을 166장 촬영하여 퍼포먼스와 진실 사이에 멈춘 그들의
모습을 포착했습니다.
2025년 8월에 출간된 이 책은 마치 조용한 관찰의 몸짓처럼 다가옵니다.
뉴욕의 화려한 풍경이 아니라, 공공장소에서 드러나는 사적인 표정들을 이야기합니다.
호로비츠의 초상화에는 자연스러운 리듬이 있습니다.
전신 샷과 클로즈업이 번갈아 등장하고, 커플들은 고독 속으로 사라지며, 미적인 대담함은 더욱 연약하고 인간적인 무언가로 자리를 내줍니다.
언뜻 보면 초점이 외모에 맞춰져 있는 것처럼 보인다.
화려한 머리 스타일, 문신, 보석, 독특한 옷차림 등이 대표적이다.
하지만 사진작가는 표면을 보고 있는 것이 아니라 표면을 통해 보고 있다는 느낌이 강하다 .
수십 년간 뉴욕의 창의성이 교차했던 워싱턴 스퀘어 파크는 그 자체로 신화를 품고 있습니다.
다이앤 아버스가 이곳에서 사진을 찍었고, 앙드레 케르테스는 자신의 빛을 찾아 헤맸으며, 에드워드 호퍼는 바로 광장 건너편에 살았습니다.
호로비츠는 이러한 유산에 신중하게 접근하여, 아이러니보다는 공감, 호기심, 그리고 진솔함을 담은 새로운 시선을 제시합니다.
그녀의
초상화는 우연한 만남을 진정성 있는 무언가로 바꿔주는 상호 관심, 즉 교류에서 탄생합니다.
책 속 인물 중 일부는 책의 안쪽 표지에 자신에 대한 글을 적었습니다.
이는 친밀감을 한층 더하는 정체성의 파편들입니다.
"오늘은 처음으로 제 자연스러운 머리를 기른 날이에요. 오랜만에 제가 아름답다고 느끼는 순간이에요." ; "사랑받고 싶지만, 친밀함은 역겹죠." ; "뉴욕에서의 첫 달이에요… 제 삶이 변하고 있다는 걸 알아요." 이러한 목소리들은 메아리처럼
이미지와 함께하며, 모든 초상화에는 프레임 너머에 보이지 않는 이야기가 숨겨져 있음을 일깨워줍니다.
호로비츠는 다이앤 아버스와 메리 엘렌 마크를 영감의 원천으로 꼽으며, 그들의 영향력은 신뢰, 인내, 그리고 겉모습을 초월하려는 의지에서 뚜렷하게 드러납니다.
하지만 < 공원 산책?>은 곧 자신만의 목소리를 찾습니다.
성장 과정, 정체성, 그리고 보여지고자 하는 욕구에 대한 성찰입니다.
"제 작업은 타인에게 보여지고 타인을 바라보는 것에 관한 것입니다.
서로를 이해하는 순간 속에 시간을 정지시키는 것이죠."라고 사진작가는 말한다.
바로 이러한 정지, 도시의 혼돈 속에서 느껴지는 연결, 바로 이 지점이 이 책에 담긴 사진들을 감동적으로 만든다.
사진 제공 ©AmyHorowitz / SchiltPublishing&Gallery
사진 작가 벤 라라비는 1997 년부터 2017년 까지 20년 동안 아내 트루디 라라비 의 모습을 담은 51장의 초상화를 한데 모았습니다 . 컬러와 흑백 사진이 어우러져 친밀하고 고요한 이야기를 만들어내며, 일상이 예술적 탐구의 장이 됩니다.
라라비는 코네티컷주 다리엔 에 거주하며 로드아일랜드 디자인 스쿨에서 해리 캘러핸 에게 사진을 전공했습니다 . 아내 엘리너의 사진과 "마음에 드는 것을 찍으세요"라는 조언으로 유명한 캘러핸은 라라비의 작업 방향을 정했습니다.
<트루디> 에서는 이러한 생각이 모든 장면에 녹아 있습니다.
자연스러운 몸짓, 필수적인 구도, 사진작가와 피사체 사이의 깊은
친밀함에서 비롯된 리듬이 그 예입니다.
 트루디, 컬러로 매끈한 메이크업
트루디는 네덜란드에서 일광욕을 하거나, 필라테스를 하거나, 물에 비친 호숫가에 잠시 멈춰 서는 등 다양한 순간에 등장합니다.
종종 누드로 표현되는 이 이미지들은 연출된 것이 아닙니다.
삶의 단편이며, 즉흥적이고, 포즈가 없습니다.
라라비의 말처럼, 이 이미지들은 가식이나 계획 없이 일상의 누드 입니다.
엠파이어 스테이트 빌딩 61층에서 촬영된 가장 상징적인 사진 중 하나에서 트루디는
완전히 나체로 기둥에 기대어 있습니다.
"벤이 저에게 '저 기둥 앞에 서세요.'라고 말했어요. 그래서 그의 요청을 예상하며 걸어가면서 옷을 벗고 그 뒤에 숨겼죠."라고 그녀는 회상합니다.
그 결과, 취약성과 신뢰가 공존하는, 무장 해제된 자연스러움의 이미지가 탄생했습니다.
 엠파이어 스테이트 빌딩
사진계로 복귀하기 전, 라라비는 예일대 에서 MFA 학위를 취득하고 자신의 비주얼 아이덴티티 컨설팅 스튜디오를 운영하는 등 그래픽 디자인 분야에서 오랜 경력을 쌓았습니다 . 수년간 초월 명상을 수련한 후 1993년, 사진계로 돌아와 벤 라라비 포토그래피(Ben Larrabee Photography LLC)를 설립하고 인물 사진 촬영에 전념했습니다.
그의 촬영은 결코 계획되지
않습니다.
사람들은 자유롭게 움직이며 자신만의 공간에서 소통하고, 그는 진정성 있는 순간들을 포착합니다.
 낸터킷
"예술가와 뮤즈의 관계는 예술계의 전통이죠."라고 라라비는 말한다.
"시각적 아이디어를 실험하고 싶을 때면 언제나 트루디에게로 돌아갑니다.
" 신뢰와 호기심을 바탕으로 한 이 협업을 통해, 사진작가는 탐험의 자유를 찾고, 함께하는 시간을 이미지로 승화시킨다.
 쁘띠 생 빈센트
트루디는 무엇보다도 신뢰의 행위입니다.
함께한 삶, 공생, 그리고 시간을 이야기하는 시각적 일기입니다.
뮤즈를 보여주기 위해서가 아니라, 스스로를 더 잘 이해하기 위해 사진이나 그림을 그렸던 이들의 전통에 대한 오마주입니다.
사랑, 시선, 그리고 드러내려 하지 않을 때 비로소 드러나는 아름다움에 대해 이야기하는 프로젝트입니다.
 나파 밸리
© 벤 라라비
할렘. 그냥 할렘. 그냥 할렘.
3
루이스 아멜리 가 2017년 부터 2018년 사이에 촬영한사진 프로젝트 ' 솔 할렘(Sole Harlem) '은 빅 애플(Big Apple) 에서 가장 상징적인 지역 중 하나를 깊이 있게 탐구합니다 . 필립 말잔(Philip Malzahn) 의 비평적 글은역사에 초점을 맞추지만, 무엇보다도 이 지역에 사는 사람들의 경험으로 이어지는 뚜렷한 여정에 중점을 둡니다.
아멜리의 사진들은 역사적 맥락에 기반한 분위기 , 고요함 속에서도 강력한 소통의 힘을 발휘하는 일상, 그리고 한꺼번에 다 말할 수 없는 수많은 이야기들을 포착합니다.
루이스 아멜리와 함께한 할렘에서의 1년 산책
이 프로젝트는 비평문에 언급된 바와 같이, 사진작가가 2017년부터 2018년까지 1년간 할렘의 이야기에 몰두했던 1년간의 산책에서 비롯되었습니다.
사진작가는 할렘을 탐험하며 우연히, 그리고 그 사이사이의 공간에서 마주친 만남들을 통해 할렘의 이야기에 깊이 빠져들었습니다.
과거 할렘은 시민권 운동, 시위, 그리고 패권에 맞선 봉기로 점철된 지역이었습니다.
필립 말잔은 솔 할렘에 대해, 이 장소에 대한 진정한 이해와는 상충되는 매우 특정한 평판을 가진 동네 한가운데서 자신을 발견한 방향 감각을 잃은 방문객의 진정한 몰락에 대해 이야기합니다 . 아멜리가 포착한 이미지들을 시작으로 오늘날 할렘이 상징하는 것은 , 모순으로 가득 찬 길고 격동적인 역사에서 힘을 얻어 온 곳이며, 이제는 공격적이고 모순적인 젠트리피케이션을 위해 그 역사가 제쳐진
듯합니다.
길리 베니타가 말하는 일본의 조용한 친밀함
소리치지도, 과시하지도 않는다.
대화가 멈춘 틈에 속삭이고, 절제된 시선 속에 숨고, 몸짓으로 가려진 채 저 멀리서 모습을 드러낸다.
이것이 바로 사진작가 길리 베니타가 신미츠(親密) 를 통해 포착한 침묵의 진실이다.
신미츠는 얼굴, 관계, 그리고 멈춰진 순간들을 통해 일본 문화 속 연약함에 대한 이야기를 들려주는 비주얼 프로젝트다.
신미츠는 일본식 개념인 타테마에 (建前)와 혼네 (本音)의 미묘한 차이를 탐구합니다.
세상에 드러내는 것과 마음속에 간직하는 것. 평정심이 일상의 상호작용을 지배하는 사회에서, 베니타는 단 한 순간이라도 장벽이 낮아지는 순간을 포착합니다.
고엔지의 거리에서 후추까지, 시모키타자와의 도시적 분위기에서 후지시의 조용하고 친숙한 분위기까지, 그의 초상화는 웅장한 이야기를 들려주지 않고, 최소한이고 보편적인 세부 사항을 이야기합니다.
주지 못한 포옹, 공유한 농담, 서로를 믿는 두 사람 사이의 부드러운 빛.
각 사진에는 간단하지만 강렬한 단어들이 곁들여져 있습니다.
히바리와의 만남을 "허리케인 속에 피어난 백합"이라고 묘사하는 레인의 말처럼, 또는 너무 가까워서 다른 사람들의 인식조차 혼란스럽게 만드는 츠카사와 카이의 말처럼 말입니다.
"우리에게 친밀함이란 다른 사람들이 우리를 연인으로 생각할 만큼 가까운 것입니다.
하지만 우리는 연인이 아닙니다." 
신미츠의 강점은 바로 여기에 있습니다 . 보이지 않는 것을 보이게 하고, 진정으로 보이는 것의 아름다움을 포착하는 데 있습니다.
가면이 서서히 벗겨지기 시작하는 변화하는 일본에서, 길리 베니타는 순수하고 진솔하며 깊이 인간적인 시선을 선사합니다. 
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