레오나르도 다빈치의 신비로운 '모나리자'의 역사와 유산

수세기 동안 사람들은 신비로운 모나리자

에 매료되어 왔습니다. 이탈리아 거장 레오나르도다빈치 의 대표작이자성기 르네상스 회화의 정수로 꼽히는이 작품은 가장 널리 알려지고 뛰어난 기법으로 그려진 예술 작품 중 하나로 손꼽힙니다.

1804년부터 이 상징적인 유화는 파리루브르박물관에 소장되어 있습니다.
매년 수백만 명의 사람들이 레오나르도 다 빈치의 가장 유명한 작품을 사진으로 찍을 차례를 기다리며 그림이 걸려 있는 곳에 모여듭니다.
매혹적인 시선과 신비로운 미소를 통해모나리자는

16세기 초 처음 그려진 이후 대중을 매료시켜 왔습니다.

기묘한 도상학, 독특한 역사, 그리고 악명 높은 도난으로 유명한모나리자는

미술사에서 가장 유명한 그림 중 하나가 되었습니다.
이 글에서는 이 그림의 이러한 측면들을 살펴보며 모나리자는 왜 오늘날 유명한가?라는 질문에 답해 보겠습니다.

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작품 소개

제목	모나리자
아티스트	레오나르도 다빈치
년도	1503-1506
중간	목판에 유화
크기	30인치 × 21인치(77cm × 53cm)
위치	루브르 박물관(파리, 프랑스)

모나리자는

무엇인가요?

모나리자는

이탈리아의 예술가이자 발명가, 작가인 레오나르도 다빈치가 그린 유화입니다.
1506년에 완성된 것으로 추정되는 이 작품은 가상의 풍경을 배경으로 앉아 있는 여성의 초상화를 담고 있습니다.

가장 유명한 그림중 하나일 뿐만 아니라가장가치 있는 작품이기도 합니다.
루브르 박물관에 영구 소장되어 있으며, 현재 가치는 8억 달러에 달하는 것으로 추산됩니다.

모나리자는 누구인가?

사진:Wikimedia Commons를통한Galerie de tableaux en très haute 정의(PD-1923)

르네상스 시대의 성모 마리아 초상과 유사하게 묘사된 이 작품은 상반신이 여성으로 묘사되어 있는데, 대부분의 사람들은 이를 직물 및 비단 상인 프란체스코 델 조콘도의 아내인리사 게라르디니 로 추정합니다.
그녀는로지아, 즉 적어도 한쪽 면이 열린 방에 앉아 있는 모습으로 묘사됩니다 .

그녀 뒤에는 예술가가 상상하고 스푸마토 기법을 사용하여 그린 흐릿하고 고립된 풍경이 있는데 ,스푸마토

기법은 선이나 경계가 없고, 연기와 같거나 초점 평면 너머에 있는 형태를 만들어냅니다.

모나리자 디테일

이 인물은 팔짱을 끼고 앉아 관람객을 바라보며 부드러운미소를짓고 있는데, 이는 수 세기 동안 특히 눈길을 사로잡아 온 미적 특징입니다.
이 미소의 무표정하거나 심지어 모호한 분위기는 이 상징적인 그림을 더욱 신비롭게 만들며, 관람객은 작품 속 뮤즈의 심정과 작가의 의도를 모두 이해하려고 노력하게 됩니다.

모나리자 디테일

그녀의시선은이 작품의 또 다른 매혹적인 요소입니다.
많은 사람들은 그녀의 시선이 방 안을 가로질러 관객을 따라다닌다고 생각하며, 이는 관객이 그녀를 단순히 바라보는 대상이 아니라 관객의 적극적인 참여자로 만든다고 말합니다.
하지만 그녀의 시선이 관객을 따라가는 것처럼 보일 수 있지만,독일 연구자들에 따르면 이러한 모나리자 효과는 실제로 그림에서 나타나지 않습니다.
오히려 그녀는 항상 관객의 오른쪽으로 약 15도 각도를 바라보고 있기 때문에, 관객의 눈보다는 귀를 향하고 있을 가능성이 더 높다고 합니다.
관객의 시선이든 실제 시선이든, 그녀의 모호한 표정은모나리자가

오랫동안 사랑받는 가장 큰 이유 중 하나입니다.

신비로운 모습 외에도 그녀의 표정은 그상징성때문에 미술사학자들에게 가장 강한 공감을 불러일으켰습니다 . 많은 사람이 그것이 이탈리아어로 '조콘다'라는 단어에서 암시하는 행복이라는 개념을 똑똑하게 시각적으로 표현한 것이라고 믿기 때문입니다.

모나리자는

왜그렇게 유명한가요?

사진:Wikimedia Commons를통한The Telegraph(퍼블릭 도메인)

1519년 레오나르도가 사망한 후,모나리자는

예술가가 여생을 보낸 프랑스에 남았습니다.
그곳에서 수 세기 동안 왕실 소유로 있다가 마침내 1797년 루브르 박물관에 영구 전시되었습니다.

20세기 초,모나리자는

미술계 밖에서는 비교적 잘 알려지지 않았습니다.
그러다 1911년, 강도 사건으로 이 그림은 세간의 주목을 받게 되었습니다.
이탈리아 출신 루브르 박물관 직원빈첸초 페루지아가이 초상화를 이탈리아에 반환할 목적으로 박물관에서 훔쳐냈습니다.
그는 이 그림이 이탈리아에 있다고 믿었기 때문입니다.

'모나리자'가 실종된 지 2년 만에 발견되었다는 내용을 담은 신문 기사. (사진:Le Petit Parisien,Wikimedia Commons, PD-1923)

그는 2년 동안 자신의 아파트에 그림을 숨겨둔 후, 의심스러운 미술상과 피렌체 우피치 미술관 관장에게 그림을 건네주었고, 그 그림은 2주 동안 미술관에 전시되었습니다.
결국 모나리자는

루브르 박물관으로 반환되었고, 페루자는 6개월간 감옥에 갇혔습니다.

이 사건으로 이전에는 간과되었던 그림이 세간의 주목을 받게 되었고, 하룻밤 사이에 큰 화제가 되었으며, 사람들은 이 그림을 르네상스 전성기 초상화의 전형으로 높이 평가하게 되었습니다.
그 이후로모나리자는

돌멩이와 붉은 페인트처럼 훼손된 채 살아남았고, 이는 이 걸작의 전설을 더욱 풍성하게 해주었습니다.

오늘날의

모나리자

사진:Resul Muslu/Shutterstock의스톡 사진

격동의 과거와 현대적 명성 덕분에모나리자는 오늘날

방탄 유리뒤에 가려져 전시되고 있습니다. 이처럼 독특하고 논란의 여지가 있는 전시임에도 불구하고, 이 그림은 루브르 박물관에서 가장 인기 있는 작품 중 하나이며, 놀랍지 않게도 세계에서 가장 많이 관람되고 방문되는 그림 중 하나입니다.

레오나르도 다 빈치 서거 500주년을 맞아 루브르 박물관은 혁신적인가상 현실을 활용하여 관람객들이모나리자를

더욱 가까이에서 볼 수 있도록 한 초대형 전시를 개최했습니다. 최첨단 기술을 활용한 이 전시를 통해 미술 애호가들은 방탄 유리 너머로 들어가 그림의 숨겨진 디테일을 살펴볼 수 있었습니다.

유명 그림 속 인물들이 셀카를 찍는 현대의 인스타그래머라면 어떨까

사진이 발명되기 전에는 유화를 사용하여 초상화를 그렸고, 예술가의 의뢰를 감당할 만큼 부유하고 권력 있는 사람들만이 초상화를 그릴 수 있었습니다.
하지만 요즘에는 누구나 스마트폰으로 즉석에서 자신의 모습을 찍을 수 있습니다.
너무 흔해져서, 이러한 행위에는 '셀카'라는 잘 알려진 용어가 붙었습니다.
이탈리아 볼로냐에서 활동하는 디지털 아티스트디토 폰 티세는고전 초상화 속 인물들을 마치 셀카를 찍는 것처럼 재해석하여 자화상이라는 개념을 탐구합니다.

Classicool

이라는 제목의이 아이러니한 연작은 리사 게라르디니(모나리자),프리다 칼로 , 그리고<진주 귀걸이를 한 소녀>의 소녀 와 같은 상징적인 예술가들의 모습을 프레임 너머로 뻗어 있는 셀카 팔과 함께 매력적인 각도로 묘사합니다.
폰 티즈는 Classicool에서 그림 속 인물들은 고전적인 포즈를 버리고 말 그대로 캔버스를 가져다가 '스스로를 그린다'고 설명합니다.
[그것들은] 소셜 네트워크에 공유되는 단순한 밈이 아니라, 마치 진짜 그림이 과거로 가는 것처럼 정교하고 완성된 예술 작품으로, 인물들이 진정성 있고 현대적인 셀카 포즈를 취하고 있는 모습을 보여줍니다.

폰 티즈가 자신의 기발한 이미지들을 디지털로 어떻게 표현하는지는 정확히 알 수 없지만, 각각의 작품은 놀라울 정도로 사실적으로 보입니다.
이 유명한 회화적 소재들을 현대의 인스타그래머로 상상해 보는 것도 재미있습니다.
분명 좋아요를 받을 만한 가치가 있을 것입니다.

이탈리아의 디지털 아티스트 디토 폰 티즈는 마치 셀카를 찍는 것처럼 고전 초상화의 주제를 재해석합니다.

Classicool

이라는 제목의이 아이러니한 시리즈는 상징적인 예술가를 모델로 삼아 프레임 너머로 뻗어 있는 셀카 팔을 사용하여 매력적인 각도로 포즈를 취한 모습을 묘사합니다.

레오나르도 다빈치의 유명한 그림 '최후의 만찬'을 분석하다

레오나르도 다빈치, 최후의 만찬, 1498년 (사진:Haltadefinizione,Wikimedia Commons, 퍼블릭 도메인)
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레오나르도 다빈치는이탈리아 르네상스시대에 전례 없는 양의 작품을 탄생시켰습니다 . 그의 다채롭고 끝이 없어 보이는 작품집 중에서 특히 돋보이는 세 작품이 있습니다.
모나리자

(초상화),비트루비우스적 인간(과학적 소묘), 그리고최후의 만찬(성경프레스코화)입니다.

15세기 말 완성된 이후,최후의 만찬은

관객을 사로잡아 왔습니다.
압도적인규모, 독특한 구도, 그리고 신비로운 주제는 이 그림을 가장유명한 르네상스 그림중 하나로 만들었습니다 . 이 글에서는 이 프레스코화를 자세히 살펴보고, 그 역사를 탐구하며, 이 그림을 특징짓는 요소들을 분석해 보겠습니다.

1495년,레오나르도 다빈치는밀라노 공작이자 오랜 후원자인 루도비코 스포르차의 의뢰로 밀라노의 도미니코 수도원인산타 마리아 델레 그라치 에를 보수하는 프로젝트의 일환으로 15 x 29피트 크기의 벽화를 그렸습니다.

밀라노의 산타 마리아 델레 그라치에

특히 스포르차는 레오나르도에게 신약성서 요한복음에 묘사된 예수의 마지막 만찬을 그려달라고 요청했습니다.
이 유명한 사건을 묘사한 다른 작품들처럼, 레오나르도 역시 예수와 그의 열두 사도가 유대교 전통 명절인 유월절을 기념하는 식탁에 앉아 있는 모습을 묘사했습니다.
그러나 다른 작품들과는 달리, 레오나르도는 예수가 제자들에게 그들 중 한 명이 자신을 배신할 것이라고 말하는 순간을 묘사하는 데 집중하여, 그림의 많은 부분을인물들의 개별적인 표정과 반응에 집중했습니다 .

작가이자 역사가인 조르조 바사리는 그의 저서 『 예술가들의 삶』

에서 레오나르도는 누가 스승을 배신하는지 알고 싶어 하는 사도들의 마음속 열망을 상상했고,그것을 표현하는 데 성공했다라고 썼다.
따라서 사도들 각자의 얼굴에는 사랑, 두려움, 분노, 또는 그리스도의 의미를 이해하지 못하는 것에 대한 슬픔이 드러날 수 있다.
그리고 이는 유다에게서 볼 수 있는 완고한 증오와 배신만큼이나 우리를 놀라게 한다.

레오나르도 다 빈치의 노트에 있는 최후의 만찬에 대한 연구, 1495년경-1497년경 (사진:위키미디어 커먼즈를통한Artchive, 퍼블릭 도메인)

최후의 만찬

의 구성

레오나르도 다빈치, 황금분할이 있는 최후의 만찬, 1498년 (사진:위키미디어 커먼즈, 퍼블릭 도메인, PD-Art)

이 그림에는 예수를 포함하여 13명의 인물이 등장합니다.
레오나르도는 원근법을사용하여 이 모든 인물들의 균형을 맞췄습니다. 예수는 그림 속 모든 선이 모이는 소실점입니다.
이는 구도에 깊이를 더할 뿐만 아니라, 이야기 속에서 예수의 중요성을 강조합니다.

또한, 레오나르도는 모든 사도들이 대칭적으로 배치되도록 했습니다.
여섯 명의 사도가 예수를 양옆으로 둘러싸고 있어 긴 식탁에서 균형을 이루고 있습니다.

그림 속에는 누가 있나요?

레오나르도는 사도들을 3명씩 그룹으로 조직했는데, 이는 삼위일체를 상징하는 숫자였다.

첫 번째 그룹에서는 바돌로뮤(1), 야고보(2), 앤드류(3)가 놀란 표정을 짓고 있다.

두 번째 그룹에서는 베드로(5)가 화가 난 듯 보이고, 요한(6)은 절망에 빠져 시선을 돌리고, 문제의 사도 유다(4)는 예수님(7)이 자신의 계획을 알아차린 데 충격을 받은 듯합니다.

다음 그룹은 토마스(8), 대제사장 야고보(9), 필립(10)으로 구성되어 있으며, 그들은 선생님을 믿을 수 없다는 표정으로 바라보고 있습니다.

마지막으로 마태(11), 유다(12), 시몬(13)은 서로 상의하여 예수님의 놀라운 소식을 이해하려고 노력합니다.

기술

최후의 만찬을

만들기 위해레오나르도는 젖은 석고에 그림을 그리는 전통적인부온(buon), 즉 진짜 프레스코 기법을 포기하고세코(secco), 즉 마른 방법을 선택했습니다.

미루는 버릇과 야심 찬 할일 목록으로 유명한 레오나르도는 마른 석고 위에 작업하면 재료가 마르는 것을 걱정하지 않고 시간을 충분히 활용할 수 있다는 점을 높이 평가했습니다.
이 기법을 통해 그는 풍부한 디테일을 더하고, 과감한 그림자 대비(키아르스쿠로

), 흐릿한 음영(스푸마토), 1점 원근법 등 그만의 특징적인 회화 기법을 활용할 수 있었습니다.

1975년의 최후의 만찬 (사진 출처:Wikimedia CommonsPublic Domain)

하지만 불행히도세코

프레스코화는 매우 섬세하기로 유명하며,최후의 만찬은1498년에 완성된 이후로 상당히 손상되었습니다.
이 때문에 여러 차례 복원되었으며, 그 결과 이 ​​그림에는 작가의 원래 붓놀림이 거의 남아 있지 않을 가능성이 높습니다.

유산

대중문화에서 레오나르도 다 빈치의최후의 만찬은

특히 그 작품에 얽힌 추측으로 유명합니다.
린 피넷과 클라이브 프린스는『템플 기사단의 계시록』에서 요한으로 여겨지는 인물이 실제로는 복음서에 등장하는막달라 마리아 라고 주장합니다.
이 이론은댄 브라운의『다빈치 코드』에서 더욱 심도 있게 다뤄져 유명합니다.

또한, 이탈리아 음악가 조반니 마리아 팔라는 이 작품에서 숨겨진음표를발견했다고 믿습니다. 이 음표를 연주하면 팔라는 레퀴엠처럼 들린다고 말합니다.

미술사적 맥락에서최후의 만찬은

역사상 가장 중요한 걸작 중 하나로 손꼽힙니다.
균형 잡힌 구도와 진보적인 원근법 외에도, 인물들의자연스러운표현 과 레오나르도 다 빈치의 표현을 빌리자면 관객이 그들의 태도를 통해 마음속의 목적을 쉽게 알아차릴 수 있도록 하는 방식으로 찬사를 받고 있습니다.

산타 마리아 델레 그라치에 수도원 식당의 최후의 만찬 (사진:HUANG Zheng/Shutterstock제공 )

레오나르도 다빈치의 유명한 비트루비우스적 인간 그림의 중요성

Kelly Richman-Abdou및Jessica Stewart작성, 2025년 3월 28일(업데이트됨)

레오나르도 다빈치, 비트루비우스적 인간(1492년경) (사진:LucnixviaWikimedia Commons, 퍼블릭 도메인)

예술과 과학, 그리고 그 사이의 모든 것을 아우르는 거장레오나르도 다빈치는종종 르네상스적 인간으로 불립니다.
박식한 이 인물은 아마도최후의 만찬

과모나리자라는 걸작으로 가장 잘 알려져 있지만, 그를 정의하는 백과사전적인 지식과 다양한 관심사를 인상적으로 보여주는 것은바로 그의과학적 스케치 입니다.

15세기 후반의 드로잉인 비트루비우스적 인간(Vitruvian

Man)은이러한 작품의 대표적인 예입니다.
비례의 개념을 탐구하고자 제작된 이 작품은 예술 작품이자 수학적 다이어그램으로, 모든 것은 서로 연결된다라는 거장의 신념을 담고 있습니다.

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비트루비우스 인간

이란?

제목	비트루비우스적 인간
아티스트	레오나르도 다빈치
년도	1490년경
중간	종이에 펜, 갈색 잉크, 금속 포인트 위에 수채화
크기	13.5인치 × 9.6인치(34.4cm × 24.5cm)
위치	갤러리 델 아카데미아, 베니스, 이탈리아

레오나르도는 1492년에 비트루비우스에 따른 인체 비례

로도 알려진비트루비우스적 인간을그렸습니다. 종이에 펜, 잉크, 메탈포인트로 그려진 이 작품은 정사각형과 원 안에 서 있는 이상적인 인물, 즉 누드 남성을 묘사하고 있습니다.
레오나르도는 독창적으로 네 개의 다리와 네 개의 팔을 가진 이 남성을 묘사하여 동시에 16가지 포즈를 취할 수 있도록 했습니다.

 

비트루비우스적 인간(Vitruvian Man)

은 기원전 30년에서 15년 사이에 로마 건축가이자 엔지니어였던비트루비우스가 쓴 건축 안내서인 『건축학개론(De Architectura)』을바탕으로 합니다. 건축에 초점을 맞추면서도, 이 논문은 신체, 즉 완벽한 인체 비율의 기하학을 탐구하는데, 이는 레오나르도 다 빈치의 해부학적 관심에 영향을 미쳐 그의 드로잉에 영감을 주었습니다.

Marcus Vitruvius Pollio의 “De Architectura”(사진: Mark Pellegrini viaWikimedia Commons,CC BY-SA 2.5)

레오나르도 다 빈치와 인체 해부학

사진: 레오나르도 다빈치, 위키미디어 커먼즈(퍼블릭 도메인)

이탈리아 르네상스 초기,레온 바티스타 알베르티와 같은 이론가들은 예술가가 인체의 기능에 정통해야 한다는 중요성을 강조했습니다.
레오나르도 다 빈치 역시 견습생 시절부터 해부학에 관심을 갖기 시작했습니다.
그는 오늘날까지도 당대 가장 중요한 해부학자 중 한 명으로 손꼽힙니다.

레오나르도는 30구가 넘는 시체를 해부하여 인체 해부학을 면밀히 연구했습니다.
그의 꼼꼼한 기록은 그의 과학적 사고를 보여주는 놀라운 증거입니다.
초기 해부학 그림은 골격과 근육에 집중되었지만, 이후 레오나르도는 인체의 역학에 대한 생각으로 발전했습니다.

그는 사물의 외형뿐 아니라 기능까지도 중요하게 여겼습니다.
인체의 형태, 대칭, 그리고 비율에 대한 그의 매혹은 지식에 대한 그의 탐구와 밀접하게 연관되어 있었습니다.
레오나르도는 생전에 해부학 그림을 비밀로 간직했지만, 그 이후 널리 출판되었습니다.
사실, 많은 사람들은 이 그림들을과학적 삽화의 초기 사례로 여깁니다 .

완벽한 비율은 무엇일까?

그림에는 거꾸로 쓰인 두 블록의 글이 함께 있습니다.
그렇다면 비투리안 맨 텍스트는 무엇을 말하고 있을까요? 첫 번째 부분에서 레오나르도는 비트루비우스에 따르면 이상적인 신체 치수는 다음과 같다고 언급합니다.

• 네 손가락이 손바닥 하나와 같다
• 손바닥 네 개가 발 하나와 같다
• 여섯 개의 손바닥이 한 큐빗을 이룬다
• 4큐빗은 사람의 키와 같다
• 4큐빗은 1보와 같다
• 손바닥 24개면 한 사람이 된다

또한, 첫 번째 노트에는 다음과 같은 내용이 명시되어 있습니다.
다리를 벌려 키를 1/14로 줄이고, 팔을 벌려 중지가 정수리에 닿을 때까지 들어 올리면, 펼친 팔다리의 중심이 배꼽에 있고, 다리 사이의 공간이 정삼각형이 된다는 것을 알아야 합니다.
사람의 펼친 팔 길이는 키와 같습니다.

두 번째 텍스트 블록에서 작가는 모델 신체를 분수로 설명합니다.

• “머리카락 뿌리부터 턱 아래까지는 사람 키의 10분의 1이다”
• 턱 아랫부분부터 머리 꼭대기까지는 키의 8분의 1이다
• “가슴 꼭대기부터 머리 꼭대기까지는 사람의 6분의 1이 될 것이다”
• 가슴 꼭대기부터 머리카락 뿌리까지가 사람 전체의 일곱 번째 부분이 될 것이다.
  
• 젖꼭지부터 머리 꼭대기까지는 남자의 4분의 1이 될 것이다.
  
• 어깨의 가장 넓은 폭은 그 안에 사람의 4분의 1에 해당합니다.
  
• 팔꿈치부터 손끝까지가 사람의 다섯 번째 부분이다
• 팔꿈치부터 겨드랑이 모서리까지는 사람의 8분의 1이 될 것입니다.
  
• “손 전체가 사람의 십분의 일이 될 것이다”
• “생식기의 시작은 남자의 중간을 나타낸다”
• “발은 사람의 일곱 번째 부분입니다”
• “발바닥부터 무릎 아래까지는 사람의 사분의 일이 될 것이다”
• 무릎 아래부터 생식기 시작 부분까지는 남자의 사분의 일이 될 것이다
• “턱 아랫부분부터 코까지, 머리카락 뿌리부터 눈썹까지의 거리는 각각 같고, 귀와 마찬가지로 얼굴의 1/3 정도입니다.
  ”

오늘날의비트루비우스적

인간

비트루비우스적 인간은

1822년부터이탈리아 베네치아 아카데미아 미술관의 영구 소장품이었습니다.
너무 약해서 전시하기 어려워서 거의 전시되지 않습니다.
드물게 전시된 사례 중 하나는 2019년 레오나르도 다 빈치 서거 500주년을 기념하여 루브르 박물관에 대여되었을 때였습니다.

그러나 숨겨져 있었음에도 불구하고 이 그림은 여전히 ​​그들의 컬렉션의 핵심 부분으로 남아 있으며 궁극적으로 이탈리아 르네상스의 가장 중요한 작품 중 하나입니다.

사진: robodread/Depositphotos

자주 묻는 질문

비트루비우스 인간이

중요한 이유는 무엇인가?

레오나르도 다빈치의 작품은 예술적 가치와 수학적 가치를 모두 지니고 있어 이탈리아 르네상스 사상의 전형으로 여겨집니다.
이 작품은 당시 학자들과 예술가들의 다재다능한 면모와 지식에 대한 갈증을 보여줍니다.

비트루비우스 인간은

왜만들어졌을까?

레오나르도는 인체의 형태에 매료된 뛰어난 해부학자였습니다.
비트루비우스

적 인체는그가 인체의 대칭과 비율, 그리고 그 역학을 탐구하는 방식이었습니다.

비트루비우스 인간은

지금어디에 있을까 ?

레오나르도 다 빈치의비트루비우스적 인간은

1822년부터 베니스의 아카데미아 미술관에 소장되어 있습니다.
깨지기 쉬운 특성 때문에 전시되는 경우가 거의 없습니다.

미켈란젤로의 '다비드'가 이탈리아 르네상스의 상징인 이유

미켈란젤로의 반항적인다비드

상은 수 세기 동안 전 세계를 사로잡아 왔습니다.
미술사 최고의 걸작 중 하나로 손꼽히는 이대리석 조각상은예술가의 뛰어난 기교와르네상스를특징짓는 순수 미술의 정수를 모두 보여줍니다 .

16세기 초 이 작품이 처음 제작된 이후, 예술가와 미술 애호가들 모두 이 작품에 감탄해 왔습니다.
저명한 예술가이자 작가, 그리고 역사가인 조르조 바사리는 다른 어떤 예 작품도 이 작품에 필적할 수 없다.
미켈란젤로는 이토록 균형 잡힌 비율과 아름다움, 그리고 탁월함으로 이 작품을 완성했다라고 평했습니다.
이 조각상이 왜 그토록 찬사를 받았는지 이해하려면 먼저 이 작품이 제작된 배경을 이해해야 합니다.

미켈란젤로는 누구였나요?

사진:Wikimedia Commons를 통한 Daniele da Volterra

미켈란젤로의 반항적인다비드

상은 수 세기 동안 전 세계를 사로잡아 왔습니다.
미술사 최고의 걸작 중 하나로 손꼽히는 이대리석 조각상은예술가의 뛰어난 기교와르네상스를특징짓는 순수 미술의 정수를 모두 보여줍니다 .

16세기 초 이 작품이 처음 제작된 이후, 예술가와 미술 애호가들 모두 이 작품에 감탄해 왔습니다.
저명한 예술가이자 작가, 그리고 역사가인 조르조 바사리는 다른 어떤 예 작품도 이 작품에 필적할 수 없다.
미켈란젤로는 이토록 균형 잡힌 비율과 아름다움, 그리고 탁월함으로 이 작품을 완성했다라고 평했습니다.
이 조각상이 왜 그토록 찬사를 받았는지 이해하려면 먼저 이 작품이 제작된 배경을 이해해야 합니다.

데이비드

위임

미켈란젤로는1501년에서 1504년 사이에 단 하나의 대리석 블록으로다윗상을 만들었습니다.

조각가 아고스티노 디 두초와 안토니오 로셀리노는 처음에 대리석 블록을 깎아달라는 요청을 받았지만 여러 어려움에 부딪혀 포기했습니다.
그 후, 당시 26세였던 피렌체의 저명한 인물 미켈란젤로는 오페라 델 두오모의 의뢰를 받아산타 마리아 델 피오레 대성당

(꽃의 성모 마리아 대성당) 지붕을 장식할 일련의 조각품 중 하나로 이 조각을 조각했습니다.
그러나 무게가 6톤에 달했기 때문에 들어 올리는 것이 거의 불가능할 것이 분명했습니다.
그래서 레오나르도 다빈치, 피에트로 페루지노, 산드로 보티첼리와 같은 저명한 예술가들로 구성된 위원회는다비드상을베키오 궁전입구근처의시뇨리아 궁전에 놓기로 결정했습니다.
다비드는 1504년부터 1873년아카데미아 미술관으로 영구 이전될 때까지 힘과 저항의 상징으로그곳에 서 있었습니다.

사진:Shutterstock을 통한 kalavenka

상징주의

이 조각상은 성경 속 영웅 다윗을 묘사하고 있습니다.
특히 잘 알려진 이야기(사무엘상 17장)에서 다윗은 거대한 블레셋 사람 골리앗과 싸웁니다.
온갖 역경에도 불구하고, 갑옷을 입지 않은 다윗은 물매로 거인을 쓰러뜨린 후 자신의 칼로 그의 목을 베었습니다.
다윗의 높은 명성을 고려하면, 건축국이 역사적 위인들을 조각하는 시리즈의 주제로 다윗을 선택한 것은 놀라운 일이 아닙니다.

게다가 독립된 도시 국가였던 피렌체 공화국은 주변의 위협을 인지하고 있었습니다.
따라서 피렌체 사람들은 다비드를 피렌체의 완벽한 상징으로 여겼습니다.
다비드는 피렌체 사람들이 스스로에게서 발견한 확고한 용기, 예상치 못한 힘, 그리고 역사적인 인내를 그대로 담아냈기 때문입니다.

예술적 의의

생생한 해부학

사진: Jörg Bittner Unna,Wikimedia Commons(CC BY 3.0)

전성기 르네상스 시대에 미켈란젤로는 균형, 조화, 그리고 이상적인 형태에 초점을 맞춘 인물 작품을 제작했습니다.
다비드는

콘트라포스토(대위)또는 '대조' 라고 불리는 생동감 넘치고 비대칭적인 자세를 통해 이러한 예술적 감각을 드러냅니다.
마치 살아있는 듯한 혈관과 근육을 묘사한 그의 사실적이고 정교한 해부학적 구조는 이러한 특징을 더욱 확고히 합니다.

사진: Jörg Bittner Unna,Wikimedia Commons(CC BY 3.0)

사진: Jörg Bittner Unna,Wikimedia Commons(CC BY 3.0)

사진: Jörg Bittner Unna,Wikimedia Commons(CC BY 3.0)

비전통적인 묘사

역사를 통틀어 그려진 다윗의 모습과 조각상은 대부분 예술가들이 어린 소년의 모습으로 묘사하는 것을 선호합니다.
또한 그가 골리앗을 물리친 순간을 포착하는 경우도 많습니다.
이러한 접근 방식은 초기 르네상스 시대의 화가도나텔로와 바로크 시대의 화가카라바조의 유명한 작품들에서도 두드러지게 나타납니다 .

사진:위키미디어 커먼즈를 통한 카라바조

사진:Wikimedia Commons를통한 Patrick A. Rodgers (CC BY-SA 2.0)

그러나 미켈란젤로는 호기심을 가지고 다비드를 젊은 시절의 모습으로 묘사하기로 했습니다.
그는 또한 전투 직전의 다비드를 독창적으로 묘사했는데, 손에 물매를 들고 결연한 표정을 짓고 있었습니다.

사진: Jörg Bittner Unna,Wikimedia Commons(CC BY 3.0)

규모

미켈란젤로의 다비드상은

높이가 17피트(약 5.7m)로 ,실물보다 훨씬 큰 조각품임이 분명합니다.
'죽어가는 노예'(7피트)와 '피에타'(5.7피트)처럼 미켈란젤로의 다른 조각상들이 비교적 사실적인 크기를 가지고 있는 것을 고려하면, 다비드상은 왜 그렇게 큰 걸까요?

이 조각상의 높이는 아마도 의도된 위치, 즉 대성당 지붕 때문일 것입니다.
대중이 하늘 높이 솟은 이 조각상을 온전히 감상하려면 두오모 광장에서 볼 수 있을 만큼 커야 했기에,다비드

의 거대한 크기가 결정된 것입니다.

사진:Shutterstock 을 통한 Iornet

복제품

이 상징적인 조각상의 실물 크기 복제품은 전 세계 곳곳에서 찾아볼 수 있으며, 피렌체에서도 가까운 곳에 있습니다.
이 조각상의 공식 위치를 기념하기 위해 세계적으로 유명한 우피치 미술관 근처의 번화한시뇨리아 광장 에

대리석 복제품이전시되어 있습니다 .도시의 스카이라인과 주변 토스카나 풍경을 한눈에 조망할 수 있는미켈란젤로광장에서도 청동 조각상을 찾아볼 수 있습니다 .

사진:Shutterstock을 통한 Elnur

피렌체 외에도 전 세계 여러 박물관과 공공장소에서다비드

상의 복제품 을 볼 수 있습니다.
주목할 만한 복제품으로는 런던빅토리아 앨버트 박물관의 석고 복제품 , 버펄로의 청동 주조물, 뉴욕 델라웨어 공원의 청동 주조물, 그리고 프랑스 마르세유 프라도 거리의 대리석 복제품이 있습니다.

사진:Shutterstock을 통한 Spiroview Inc

완벽하게 만들어진 복제품이 원본을 대체할 수는 없지만, 이러한 주조물은 두 가지 중요한 목적을 달성합니다.
대중을 교육하는 것(일부 복제품은 조각상을 연구하는 학자들을 위한 촉각적 교육 도구로 사용되기도 함)과 이탈리아와 그 너머에 미켈란젤로의 심오한 유산을 퍼뜨리는 것입니다.